Rembrandt par Banksy

Cette œuvre illustre la pratique de Banksy dans un dialogue intense avec le passé, mêlant harmonieusement l'art historique à un commentaire contemporain cinglant. Rembrandt est une pièce majeure qui côtoie d'autres œuvres comme Sunflowers From Petrol Station et Show Me The Monet, mettant en évidence l'attrait de l'artiste pour la réinterprétation des formes d'art classiques tout en conservant son style emblématique. En intégrant un élément moderne et comique dans l'image vénérée de Rembrandt, Banksy abolit la distance entre le passé et le présent, invitant les spectateurs à reconsidérer leur perception de la hiérarchie dans le monde de l'art.

Le Self Portrait original de Rembrandt, réalisé en 1669 et actuellement exposé à la National Gallery de Londres, fut l'un de ses derniers et est célèbre pour sa profondeur introspective et la représentation authentique du moi. L'héritage de Rembrandt dans l'art est sans égal, avec environ 80 Self-Portraits qui interrogent et redéfinissent les limites de l'examen de soi et retracent une vie entière d'expression artistique. La réinterprétation par Banksy de cette image iconique est une déclaration audacieuse sur la nature de l'art lui-même, questionnant le canon établi et la dichotomie entre la culture savante et la culture populaire. Même les médiums sont soumis à examen : alors que l'œuvre originale de Rembrandt est réalisée dans le médium sacré de la peinture à l'huile, Banksy la recrée à la peinture acrylique, un médium largement décrié par le monde de l'art jusqu'à récemment.

La pratique de Banksy est définie par sa rébellion, sa critique des normes sociétales et son interrogation des conventions du marché de l'art, poussant les spectateurs à remettre en question et à redéfinir leur compréhension de l'art et de sa valeur. Depuis des décennies, il lutte pour intégrer l'art urbain dans le canon historique de l'art, recevant enfin la reconnaissance généralisée méritée grâce en grande partie à des œuvres telles que Rembrandt. Ses remarques sur la survie des artistes de graffiti dans les espaces intérieurs en "peignant par-dessus ce qui ne vous appartient pas" accentuent davantage ce thème, brouillant les frontières entre ce qui a été traditionnellement considéré comme du vandalisme et une expression artistique valable.

Le point de rencontre entre les racines de l'art urbain de Banksy et le monde de l'art classique ne s'arrête pas à l'exploration thématique, mais s'étend aux domaines de l'évaluation et de la collection. Rembrandt est emblématique de ce carrefour, affichant une valeur aux enchères considérable qui témoigne de la notoriété toujours croissante de Banksy dans le milieu de l'art. Cela reflète non seulement les compétences techniques et la vision innovante de l'artiste, mais aussi les critères évolutifs selon lesquels l'art est jugé et apprécié.

Dans Rembrandt, Banksy démontre sa capacité inégalée à dialoguer avec les formes d'art historiques tout en leur insufflant une signification et une ironie contemporaines. À travers cette œuvre, Banksy engage une conversation non seulement avec Rembrandt lui-même, mais avec l'ensemble du canon de l'histoire de l'art, et plus particulièrement en s'inscrivant dans les traditions du Dadaïsme et du Pop Art par son approche à la fois ludique et incisive. De cette manière, Banksy se positionne dans la lignée des mouvements artistiques qui ont cherché à remettre en question et à réinterpréter les normes établies de leur époque.

Le Dadaïsme, avec ses interventions radicales dans le récit artistique conventionnel, a célèbrement parodié la Joconde grâce à « L.H.O.O.Q. » de Marcel Duchamp, où le portrait vénéré était redessiné avec une moustache et un bouc. Cet acte d'irrévérence envers l'une des œuvres les plus idolâtrées de l'histoire a encapsulé la mission du Dadaïsme : questionner le caractère sacré et l'autorité du monde de l'art. De même, la décision de Banksy de recouvrir les yeux de Rembrandt avec des yeux mobiles en plastique agit comme une touche humoristique et un écho délibéré de l'esprit subversif du Dada. C'est un geste qui défie le respect du passé, suggérant que même les sujets les plus sacrés peuvent être revisités et réimaginés à travers un prisme contemporain.

Le Pop Art, quant à lui, est réputé pour son appropriation d'images populaires et commerciales, la recontextualisant dans le monde de l'art afin de brouiller les frontières entre la culture « noble » et la culture « basse ». Des artistes comme Andy Warhol et Roy Lichtenstein ont transformé des images banales ou iconiques en déclarations artistiques importantes, démocratisant ainsi l'art et ses sujets. Banksy, dans la même veine, s'approprie l'image de Rembrandt, icône du « high art », et y injecte une torsion moderne et ludique. Cela met en lumière l'omniprésence et la pertinence de l'image de Rembrandt tout en situant Banksy dans une tradition d'artistes qui ont cherché à combler le fossé entre des sphères culturelles disparates par l'appropriation.

Rembrandt témoigne de la conscience aiguë de Banksy de sa place dans ce continuum, démontrant sa capacité à tisser ensemble les fils de l'art historique et du commentaire contemporain. Il invite les spectateurs à remettre en question leurs présupposés concernant l'art, ses créateurs et les mécanismes par lesquels il est valorisé et catégorisé. L'œuvre sert de pont, reliant des époques et des idéologies distinctes avec une dextérité qui fait réfléchir tout en restant accessible.

Banksy contre Bristol Museum, Bristol Museum, Bristol, 2009