Pop
Art

Le Pop Art est apparu comme un mouvement artistique aux États-Unis et au Royaume-Uni dans les années 1950, pour connaître sa période la plus prolifique dans les années 1960. Au cours des années 1960 et 1970, de nombreuses autres cultures et pays ont joué un rôle important dans le mouvement Pop Art. Le Pop Art s'est positionné en réaction directe aux notions traditionnelles de ce que pouvait être l'art, en estompant les frontières entre la culture savante et la culture populaire, ainsi qu'entre l'art et la vie. Utilisant principalement des matériaux issus de la culture occidentale populaire et commerciale, le Pop Art cherchait à refléter le monde tel que nous le connaissons, et est devenu l'un des genres les plus reconnaissables de l'art moderne.

Le célèbre artiste pop britannique Richard Hamilton a noté en 1957, dans une lettre adressée à ses amis, ce qu'il considérait comme les « caractéristiques du pop art » : « Le pop art, c'est : populaire (conçu pour un large public), éphémère (solution de courte durée), jetable (facile à oublier), peu coûteux, produit en série, jeune (destiné à la jeunesse), spirituel, sexy, tape-à-l'œil, glamour, une grande affaire. »

Le pop art englobe un corpus d'œuvres diversifié, mais ce qui unit le mouvement, c'est sa remise en cause de la domination de l'abstraction au milieu du XXe siècle. On retrouve également dans tout le mouvement pop art un jeu avec les codes visuels des médias de masse, tels que les palettes de couleurs saturées, les formes simplifiées et la reproduction mécanique des images. La série iconique des Campbell’s Soup d'Andy Warhol saisit l'essence du pop art. Ce célèbre ensemble d'œuvres reconnaît la marchandisation de l'art en transposant l'étiquette d'une boîte de soupe Campbell directement de la culture de consommation, en la réduisant à des aplats de couleurs et en reproduisant de manière obsessionnelle des variations sur le même sujet.

Pop art américain contre pop art britannique

Bien qu'ils partagent des thèmes et des objectifs politiques plus larges, le pop art américain est largement considéré comme distinct de son équivalent britannique. En Grande-Bretagne, le pop art était influencé de loin par les médias de masse et la culture populaire américaine, tandis qu'aux États-Unis, c'était le culte de la célébrité et le « rêve américain » qui dominaient la vie quotidienne et inspiraient directement les artistes. Par conséquent, le pop britannique est plus académique, utilisant l'ironie et la parodie par l'appropriation d'images populaires. Le pop art américain, quant à lui, met l'accent sur la banalité des médias de masse pour rejeter le langage visuel et émotif de l'expressionnisme abstrait.

Parmi les artistes pop les plus célèbres au monde, on compte Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Richard Hamilton et David Hockney.

Les peintures de Marilyn Monroe par Andy Warhol, créées pour la première fois après la mort de l'actrice en 1962, sont devenues synonymes du mouvement Pop Art lui-même. Changeant le cours de l'histoire de l'art, la série de tableaux de Marilyn réalisée par Warhol témoignait de l'engouement de l'artiste pour la culture des célébrités et de sa volonté subséquente de se mettre en avant. En abordant le côté sombre de la célébrité en publiant ces œuvres immédiatement après le décès de Monroe, Warhol met en lumière le mince vernis de glamour que les images de célébrités projettent dans les médias de masse.

L'élément clé du caractère révolutionnaire du mouvement Pop Art résidait dans les techniques et les procédés utilisés pour créer les œuvres. Remettant en question l'élitisme de la peinture d'art traditionnelle, les artistes pop américains comme Warhol et Lichtenstein ont élaboré un nouveau langage visuel pour les masses en s'appropriant les techniques et procédés de l'industrie du design. Cela incluait la reproduction quasi mécanique des images par la sérigraphie commerciale.

De plus, le collage fut l'une des premières techniques employées dans le mouvement Pop Art en Grande-Bretagne. Des artistes tels que Peter Blake et Richard Hamilton utilisaient des images découpées ou arrachées à des publicités, des magazines et des journaux afin de juxtaposer, élever et critiquer simultanément les objets et les médias produits en série.

Le Pop Art a transformé l'art tel que nous le connaissons et continue d'influencer les artistes aujourd'hui. En effet, Andy Warhol a continué de dominer le monde de l'art de New York jusqu'aux années 1980 et a inspiré de nombreux artistes travaillant actuellement, tels que Damien Hirst. Les œuvres de Jeff Koons et de Takashi Murakami comptent parmi celles qui composent le mouvement Néo-Pop contemporain. Ces artistes continuent de brouiller les frontières entre l'art « noble » et l'art « populaire » en employant des techniques d'appropriation et en dialoguant de manière singulière avec les médias de masse actuels.

Les œuvres Pop constituent certaines des pièces les plus reconnaissables sur le marché et, au cours des dix dernières années, les artistes Pop ont constamment dépassé leurs estimations aux enchères. On peut notamment citer la vente record de l'œuvre de Warhol, Silver Car Crash (Double Disaster) (1963), adjugée à 105 millions de dollars chez Sotheby’s en 2013, et celle de Nude With Joyous Painting (1994) de Roy Lichtenstein, vendue 46,2 millions de dollars chez Christie’s à New York en 2020. En mars 2021, les sérigraphies de la série Endangered Species de Warhol se sont vendues pour plus de cinq fois leur estimation haute, atteignant 2,9 millions de livres sterling.

Parallèlement, le marché de l'art Pop est un marché accessible aux nouveaux collectionneurs, avec des œuvres se vendant à des prix variés. Ceci n'est nullement un hasard étant donné les origines du Pop Art dans la production de masse, qui a permis de proposer une pléthore d'estampes signées et d'éditions sur le marché secondaire.