Post-War
& Contemporary

L'art d'après-guerre et contemporain trouve son origine dans le bouleversement social, sociétal et culturel engendré par la Seconde Guerre mondiale. Catalysant une période d'intense réflexion et de développement artistique, cet événement international fut une force déterminante dans la vie de nombreux artistes qui allaient devenir très influents sur la scène artistique européenne et internationale au milieu du XXe et au début du XXIe siècle.

Lucian Freud, par exemple, quitte sa ville natale, Berlin, avec Sa Famille en 1933, échappant à la montée catastrophique du nazisme pour trouver refuge en Angleterre. Établi à Londres, il deviendra plus tard l'un des artistes de ce que R.B. Kitaj nommait l'« École de Londres », aux côtés de son contemporain Francis Bacon. Avant de fuir de l'autre côté du Rideau de fer pour se rendre en Allemagne de l'Ouest en 1961, Gerhard Richter reçoit une partie de sa formation artistique initiale à l'Académie des beaux-arts de Dresde, en République démocratique allemande, ou Allemagne de l'Est, où il est chargé de réaliser des fresques murales et des peintures à l'huile dans le style du réalisme socialiste pour le compte de l'État communiste.

Les réponses radicales et novatrices des artistes d'après-guerre et contemporains au tumulte du milieu du XXe siècle ont entraîné une remise en question des normes créatives inédite depuis le milieu du XIXe siècle, cédant finalement la place à des artistes contemporains parodiques et subversifs, tels que Jeff Koons, Grayson Perry, Tracey Emin, et Damien Hirst.

En tant que genre, l'art d'après-guerre et contemporain réunit un très grand nombre de pratiques artistiques, mais s'intéresse principalement, d'une part, à la déconstruction des normes artistiques et, d'autre part, aux commentaires sociaux et culturels. Révolutionnaire dans son ambition, l'art d'après-guerre et contemporain se distingue par sa relation complexe à l'histoire de l'art, aux événements historiques et aux changements sociétaux, sa forme reflétant souvent les développements majeurs dans chacun de ces domaines.

L'artiste britannique très apprécié David Hockney, par exemple, résidait à Londres durant les années d'après-guerre de la ville. Froide, grise et bien trop chère – il fallait débourser la somme princière d'une livre sterling pour un verre –, Londres était dépourvue de possibilités artistiques et du style de vie bohème qui les rendait possibles, a déclaré un jour Hockney. Dans ses premières peintures de la série Love, réalisées alors qu'il était encore étudiant au Royal College of Art, Hockney proposait des représentations gestuelles et expressionnistes de figures. We Two Boys Together Clinging (1960) s'inspire du poème éponyme de l'écrivain américain Walt Whitman et contient des références euphémistiques et codées à l'homosexualité de Hockney à une époque où elle était encore illégale en Grande-Bretagne. Cependant, son déménagement à Los Angeles en 1964 l'a exposé à une vague de changements sociétaux et culturels qui a directement influencé ses œuvres de plus en plus colorées, à la représentation non conventionnelle et ouvertement assumée, comme la série Erotic Print.

Parmi les artistes de l'après-guerre et contemporains les plus célèbres, on compte Gerhard Richter, Francis Bacon, Lucian Freud, Damien Hirst, David Hockney et Grayson Perry.

Nombre de ces artistes explorent les limites de la forme et du contenu dans leurs œuvres, utilisant souvent des méthodes et des médiums non conventionnels. L'artiste britannique Damien Hirst, notamment, a repoussé les frontières de l'art contemporain en incorporant des corps d'animaux morts dans ses créations. L'une des pièces les plus emblématiques et controversées de l'artiste, Mother And Child (Divided), fut exposée à la Biennale de Venise en 1993. Composée de quatre cuves à parois vitrées contenant une vache et son veau sectionnés et conservés dans du formol, son exposition continue a provoqué la colère des associations de défense des droits des animaux pendant de nombreuses années.

L'art contemporain se caractérise également par la manière dont il commente l'histoire de l'art récente. L'œuvre de Hirst, For The Love Of God, rappelle l'utilisation par Marcel Duchamp d'objets du quotidien pour créer des œuvres qu'il nommait des « readymades », une pratique reprise par un autre ami et contemporain de Hirst, Jeff Koons. La reproductibilité des œuvres de Hirst, dont beaucoup sont réalisées par une équipe d'assistants, s'inspire également de la pratique et de la philosophie artistique de l'artiste pop américain Andy Warhol, qui produisait ses œuvres en série dans le cadre d'une réflexion plus large sur la culture de consommation américaine.

Sur le plan stylistique, l’art de l’après-guerre et contemporain n’est pas un genre unique. Difficile à cantonner à une technique ou un médium artistique particulier, il est le produit direct des nombreux bouleversements sociaux, culturels et historiques des époques de l’après-guerre et contemporaine, non seulement en Europe, mais dans le monde entier.

Comme le montrent les œuvres d’artistes de l’après-guerre et contemporains tels que Lucian Freud et Gerhard Richter, certaines des figures majeures de cette catégorie ont opté pour des pratiques artistiques plus traditionnelles dans leurs travaux, comme la gravure et la peinture. Malgré leur recours à des matériaux plus classiques, et comme en témoignent des pièces emblématiques telles que David Dawson ou les créations photoréalistes Kerze et Betty, elles attestent néanmoins d’une approche non conventionnelle et novatrice de la représentation, caractéristique de l’art de l’après-guerre et contemporain dans son ensemble.

La technologie a également joué un rôle majeur dans le développement de l’art de l’après-guerre et contemporain, donnant naissance à une pléthore de nouvelles façons de travailler. David Hockney, par exemple, s’est longtemps intéressé à l’exploration des différentes manières de « regarder » et de « voir » dans ses œuvres, et cette préoccupation l’a amené à un long dialogue artistique avec la photographie et l’appareil photo. Les premières expérimentations photographiques de l’artiste ont été rendues possibles par l’appareil Polaroid qu’il a découvert lors de son installation aux États-Unis en 1964. Les premières compositions photographiques consistaient à prendre plusieurs clichés d’un même sujet et à les disposer en grille. Créant ainsi un patchwork d’images, la célèbre bordure blanche du Polaroid venait perturber les formes représentées. Dans ses travaux ultérieurs, Hockney s’est éloigné du Polaroid pour se tourner vers d’autres médiums photographiques, comme l’appareil photo petit format 110, superposant les bords de ses clichés pour créer des Photo Collages offrant de nouvelles perspectives sur ses sujets.

Jeff Koons et Damien Hirst incarnent l’art contemporain actuel. Les œuvres de ce duo soumettent les limites conceptuelles de l’art à un examen constant, et sont tout aussi célèbres pour les controverses qu’elles suscitent que pour leurs prix se chiffrant en millions de dollars.

Koons a percé sur la scène artistique internationale au milieu des années 1980. Il s’est fait connaître comme artiste et courtier en bourse, lui qui agrandissait des objets du quotidien pour les transformer en sculptures. Inspiré par Marcel Duchamp, Koons utilisait des articles ménagers, comme les aspirateurs et les lustreuses, pour créer des œuvres qui interrogeaient le consumérisme et s’engageaient sans complexe dans l’autopromotion.

Utilisant les objets domestiques d’une manière similaire, les installations d’Hirst ont exploré des tabous sociaux, comme la mort. Inspiré par l’artiste conceptuel américain Sol LeWitt, le travail d’Hirst, *Medicine Cabinets* (1988), a été réalisé à partir des emballages de médicaments vides de sa grand-mère, qu’il lui avait demandé de lui conserver après son décès. Lauréat du prestigieux Turner Prize en 1995, Hirst a célèbrement déclaré : « C’est incroyable ce que l’on peut faire avec un E en A-Level art, une imagination débridée et une tronçonneuse. »

L'art d'après-guerre et contemporain continue de bien se comporter sur le marché international de l'art. En 2006, la peinture emblématique de David Hockney, The Splash, s'est vendue 2,9 millions de livres sterling à un acheteur anonyme. À l'approche d'une grande rétrospective à la Tate Gallery de Londres en février 2017, le prix des œuvres de Hockney s'est envolé. En novembre 2016, son tableau The Gate (2000) s'est vendu pour un peu moins de 7 millions de dollars. Cette tendance s'est poursuivie et, le 15 novembre 2018, l'œuvre de 1972 de Hockney, Portrait Of An Artist (Pool With Two Figures), s'est vendue chez Christie's à New York pour 90 millions de dollars (70 millions de livres sterling), devenant ainsi l'œuvre d'un artiste vivant la plus chère jamais vendue aux enchères.

Damien Hirst est l'un des artistes vivants les plus prospères commercialement et les plus fortunés aujourd'hui. En 2008, Hirst a remis en question les pratiques établies et a présenté ses propres œuvres directement aux enchères, réalisant plusieurs millions de livres sterling de ventes. En juin 2007, Hirst a décroché le record mondial pour l'œuvre d'art la plus chère vendue par un artiste vivant : Lullaby Spring, une armoire de 3 mètres de large remplie de plus de 6 000 pilules, s'est vendue pour 19,2 millions de dollars.