Après-guerre
et art contemporain

L'art d'après-guerre et contemporain trouve ses origines dans les bouleversements sociaux, sociétaux et culturels de la Seconde Guerre mondiale. Catalyseur d'une période de réflexion intense et de développement artistique, cet événement international a exercé une influence déterminante sur le parcours de nombreuses figures marquantes des scènes artistiques européenne et internationale du milieu du XXe siècle et du début du XXIe siècle.

Lucian Freud, par exemple, a quitté Berlin, sa ville natale, en 1933 avec sa famille pour échapper à la montée catastrophique du nazisme et trouver refuge en Angleterre. Établi à Londres, il est devenu par la suite l'un des artistes du groupe baptisé « School of London » par R.B. Kitaj, aux côtés de son contemporain Francis Bacon. Avant de fuir l'Allemagne de l'Est pour rejoindre l'Allemagne de l'Ouest en 1961 en franchissant le rideau de fer, Gerhard Richter a suivi une partie de sa formation initiale à l'Académie des beaux-arts de Dresde, en République démocratique allemande, où il a été chargé de réaliser des peintures murales et des huiles sur toile dans le style du réalisme socialiste pour le compte de l'État communiste.

Les réponses radicales et novatrices des artistes d'après-guerre et contemporains face aux tumultes du milieu du XXe siècle ont suscité une remise en question des normes créatives inédite depuis le milieu du XIXe siècle, ouvrant la voie à des artistes contemporains parodiques et subversifs tels que Jeff Koons, Grayson Perry, Tracey Emin et Damien Hirst.

En tant que genre, l'art d'après-guerre et contemporain regroupe une vaste diversité de pratiques artistiques, mais s'attache essentiellement à la déconstruction des normes esthétiques, d'une part, et au commentaire social et culturel, d'autre part. Révolutionnaire dans son champ d'application, ce segment se distingue par son rapport complexe à l'histoire de l'art, aux événements historiques et aux mutations sociétales, dont les formes reflètent souvent les développements majeurs.

L'artiste britannique David Hockney, figure très appréciée, a par exemple vécu à Londres durant l'après-guerre. « Froide, grise et trop onéreuse – le prix d'une boisson atteignait la somme princière d'une livre sterling », Londres était alors dépourvue de toute possibilité artistique et du mode de vie bohème qui aurait pu les favoriser, confiait autrefois David Hockney. Dans ses premières peintures intitulées « Love », réalisées alors qu'il était encore étudiant au Royal College of Art, David Hockney propose des représentations gestuelles et expressionnistes de figures humaines. « We Two Boys Together Clinging » (1960) puise son inspiration dans le poème éponyme de l'écrivain américain Walt Whitman ; l'œuvre multiplie les références euphémisées et codées à l'homosexualité de l'artiste, à une époque où celle-ci était encore illégale en Grande-Bretagne. En s'installant à Los Angeles en 1964, David Hockney fut toutefois exposé à une vague de changements sociétaux et culturels qui influencèrent directement son œuvre, devenue plus colorée, représentative de manière anticonformiste et ouvertement assumée, à l'instar de la série « Erotic Print » Erotic Print.

Parmi les artistes d'après-guerre et contemporains les plus célèbres figurent Gerhard Richter, Francis Bacon, Lucian Freud, Damien Hirst, David Hockney et Grayson Perry.

Nombre de ces artistes explorent les limites de la forme et du contenu dans leurs œuvres, en utilisant fréquemment des méthodes et des médiums non conventionnels. L'artiste britannique Damien Hirst, notamment, a repoussé les frontières de l'art contemporain en intégrant des cadavres d'animaux à son travail. L'une des pièces les plus emblématiques et controversées de l'artiste, « Mother And Child (Divided) », a été exposée lors de la Biennale de Venise de 1993. Composée de quatre caissons vitrés contenant une vache et un veau sectionnés et conservés dans du formol, son exposition prolongée a suscité l'indignation des associations de défense des droits des animaux pendant de nombreuses années.

L'art contemporain se caractérise également par la manière dont il commente l'histoire de l'art récente. L'œuvre de Damien Hirst, For The Love Of God, rappelle l'usage par Marcel Duchamp d'objets du quotidien pour créer ce qu'il a baptisé des « ready-mades », une pratique reprise par un autre ami et contemporain de Damien Hirst, Jeff Koons. La reproductibilité des œuvres de Damien Hirst, dont beaucoup sont réalisées par une équipe d'assistants, s'inspire également de la pratique artistique et de la philosophie de l'artiste pop américain Andy Warhol, qui produisait ses œuvres en série dans le cadre d'un engagement rhétorique plus large envers la culture de consommation américaine.

Sur le plan stylistique, l'art d'après-guerre et contemporain ne constitue pas un genre unique. Difficile à limiter à une technique ou un médium artistique particulier, il est le produit direct des nombreux événements sociaux, culturels et historiques des époques d'après-guerre et contemporaine, non seulement en Europe mais à travers le monde.

Comme l'illustre l'œuvre d'artistes d'après-guerre et contemporains tels que Lucian Freud et Gerhard Richter, certaines des figures majeures de cette catégorie ont opté pour des pratiques artistiques plus traditionnelles, comme l'eau-forte et la peinture. Malgré l'usage de matériaux plus classiques, et comme en témoignent des œuvres iconiques telles que « David Dawson » ou les pièces photoréalistes « Kerze » et « Betty », elles n'en restent pas moins le reflet d'une approche non conventionnelle et innovante de la création d'images, caractéristique de l'art d'après-guerre et contemporain dans son ensemble.

La technologie a également joué un rôle majeur dans le développement de l'art d'après-guerre et contemporain, donnant naissance à une pléthore de nouvelles méthodes de travail. David Hockney, par exemple, s'est longtemps attaché à explorer différentes manières de « regarder » et de « voir » à travers son travail, une préoccupation qui l'a conduit à engager un long dialogue artistique avec la photographie et l'appareil photo. Les premières expérimentations photographiques de l'artiste sont nées de l'appareil Polaroid qu'il a découvert lors de son installation aux États-Unis en 1964. Ses premières compositions photographiques consistaient à prendre plusieurs clichés d'un même sujet pour les disposer en grille. En créant ce patchwork d'images, le célèbre bord blanc du Polaroid venait perturber les formes représentées. Dans ses œuvres ultérieures, David Hockney a délaissé le Polaroid pour d'autres supports photographiques, tels que l'appareil 110 au petit format, superposant les bords de ses clichés afin de créer des Photo Collages offrant de nouvelles perspectives sur ses sujets.

Jeff Koons et Damien Hirst incarnent aujourd'hui l'art contemporain. Les œuvres de ces deux artistes soumettent les définitions limites de l'art à un questionnement constant, et sont tout aussi célèbres pour les controverses qu'elles suscitent que pour leurs prix d'adjudication se chiffrant en millions de dollars.

Koons a fait une percée remarquée sur la scène artistique internationale au milieu des années 1980, lorsqu'il s'est fait connaître en tant qu'artiste-courtier agrandissant des objets du quotidien pour les transformer en sculptures. Inspiré par Marcel Duchamp, Koons utilisait des objets domestiques, tels que des aspirateurs et des cireuses, pour créer des œuvres remettant en cause la société de consommation et s'inscrivant sans complexe dans une démarche d'auto-commercialisation.

Utilisant des objets du quotidien d'une manière similaire, les installations de Hirst explorent des tabous sociaux, tels que la mort. Inspirée par l'artiste conceptuel américain Sol LeWitt, l'œuvre de Hirst « Medicine Cabinets » (1988) a été réalisée à partir des emballages de médicaments vides de sa grand-mère, qu'il lui avait demandé de lui léguer à sa mort. Lauréat du prestigieux Turner Prize en 1995, Hirst a déclaré : « C'est incroyable ce que l'on peut faire avec un E en art au A-Level, une imagination tordue et une tronçonneuse. »

Le marché de l'art d'après-guerre et contemporain continue d'afficher de bons résultats sur la scène internationale. En 2006, la peinture emblématique de David Hockney, « The Splash », a été adjugée 2,9 millions de livres sterling à un acquéreur anonyme. En amont d'une rétrospective majeure organisée à la Tate Gallery de Londres en février 2017, la cote des œuvres de Hockney a connu une ascension fulgurante. En novembre 2016, sa toile « The Gate » (2000) a été vendue pour un montant légèrement inférieur à 7 millions de dollars. Cette tendance s'est confirmée le 15 novembre 2018 lorsque « Portrait Of An Artist (Pool With Two Figures) », une œuvre de 1972, a atteint 90 millions de dollars (70 millions de livres sterling) lors d'une vente chez Christie's à New York, devenant ainsi l'œuvre d'un artiste vivant la plus chère jamais vendue aux enchères.

Damien Hirst compte parmi les artistes vivants les plus prospères et les plus fortunés de notre époque. En 2008, Hirst a remis en question les usages établis en proposant ses œuvres directement aux enchères, réalisant ainsi des ventes se chiffrant en millions de livres sterling. En juin 2007, Hirst avait déjà établi le record mondial de l'œuvre d'art la plus chère vendue par un artiste vivant : « Lullaby Spring », une vitrine de trois mètres de large contenant plus de 6 000 comprimés, avait alors été adjugée 19,2 millions de dollars.