Jasper
Johns

L'œuvre de Johns s'est constamment imposée comme l'une des plus valorisées sur le marché de l'art. En 1980, le Whitney Museum of American Art a acquis « Three Flags » pour 1 million de dollars, soit le prix le plus élevé jamais atteint à l'époque pour une œuvre d'un artiste vivant. Moins de dix ans plus tard, en 1988, sa peinture « False Start » a été adjugée 17,05 millions de dollars chez Sotheby’s, établissant là encore un record pour une œuvre d'un artiste vivant vendue aux enchères. Cette même peinture a réitéré ce record lors de sa revente en 2006, atteignant cette fois 80 millions de dollars. Une vente privée en 2010 de l'œuvre « Flag » a de nouveau battu le record du prix le plus élevé pour un artiste vivant, avec une valeur estimée à 110 millions de dollars. En 2014, une version de 1983 de « Flag » a été adjugée 36 millions de dollars, établissant un record d'enchères pour l'artiste.

La décision de Johns de détruire ses œuvres antérieures à 1954 a marqué un tournant décisif dans sa carrière, reflétant une profonde mutation de sa vision et de son approche artistiques. Jusque-là, le travail de Johns était largement influencé par les courants dominants de l'époque, notamment l'expressionnisme abstrait. Toutefois, il éprouvait une insatisfaction croissante vis-à-vis de ses créations, estimant qu'elles manquaient d'une identité propre et ne parvenaient pas à exprimer adéquatement sa singularité artistique.

Par un geste audacieux, presque cathartique, Johns a détruit la quasi-totalité des œuvres qu'il avait réalisées avant 1954. Cet acte ne signifiait pas seulement la destruction physique de ses pièces antérieures, mais marquait également une rupture symbolique avec ses influences et ses techniques passées. C'était comme si Johns nettoyait la toile de sa carrière, prêt à s'engager sur une voie nouvelle et plus authentique. Cette décision est souvent interprétée comme un rejet du style alors prédominant, qui privilégiait les créations spontanées et gestuelles. Johns a cherché une direction différente, davantage axée sur la matérialité de l'œuvre et la représentation d'objets du quotidien.

Libéré de son style précédent, Johns a commencé à expérimenter de nouveaux sujets et de nouvelles méthodes, ce qui a mené à la création de ses célèbres peintures « Flag » en 1954. Ces œuvres ont marqué une rupture notable avec son art antérieur. En se concentrant sur des objets banals et reconnaissables, porteurs d'une signification profonde comme le drapeau américain, Johns a remis en question les notions établies de ce que pouvait être l'art. Son utilisation d'une imagerie familière a soulevé des questions sur la perception, la réalité et la représentation, ouvrant ainsi la voie à l'émergence de mouvements tels que le Pop Art et le Néo-Dada.

La série iconique des « Flag » de Johns, réalisée à partir du milieu des années 1950, constitue un commentaire profond sur le rêve américain et ses complexités, particulièrement dans le contexte de l'après-Seconde Guerre mondiale. Le service militaire de Johns durant la guerre de Corée a exercé une influence notable sur sa vision du monde, lui offrant une perspective directe sur les réalités de l'identité nationale et les sacrifices qu'elle implique. Cette expérience a profondément nourri son exploration artistique du drapeau américain en tant que sujet. En le représentant d'une manière à la fois familière et déconcertante, Johns semblait commenter la nature même de ces idéaux : la manière dont ils sont perçus par opposition à la manière dont ils sont vécus. Ce constat était particulièrement poignant dans le contexte des années 1950 et 1960, une période marquée par des changements politiques et sociaux intenses aux États-Unis. Des enjeux tels que les droits civiques, la guerre froide et les séquelles de la Seconde Guerre mondiale poussaient alors beaucoup à questionner et à réévaluer le rêve américain.

Le choix du drapeau comme motif central par Johns fut révolutionnaire pour plusieurs raisons. Premièrement, il marquait une rupture nette avec l'expressionnisme abstrait qui dominait la scène artistique de l'époque. Au lieu de la gestuelle spontanée et émotionnelle caractéristique de ce mouvement, Johns a présenté un objet familier et quotidien sous un nouveau jour. Le drapeau est chargé de strates de sens et de symbolisme, souvent associées au patriotisme et à la fierté nationale. En les présentant de manière neutre, presque impersonnelle, Johns invite le spectateur à reconsidérer le drapeau non seulement comme un symbole, mais comme un objet — un acte presque sacrilège aux États-Unis. Sa technique a contribué à l'impact thématique de l'œuvre ; l'utilisation de la peinture à l'encaustique, combinée à des éléments de collage tels que des coupures de presse, a conféré à certaines images du drapeau une qualité texturée, évoquant parfois une forme de décrépitude. Cette méthode peut être interprétée comme une métaphore visuelle de l'effritement ou de la remise en question du rêve américain : l'idée que, sous la surface de la fierté et de l'unité nationales, se cachent des complexités et des contradictions.