Jasper
Johns

Les œuvres de Jasper Johns ont toujours figuré parmi les plus précieuses du marché de l’art. En 1980, le Whitney Museum of American Art a déboursé 1 million $ pour l’œuvre Three Flags, ce qui constituait alors le prix le plus élevé jamais payé pour une œuvre d’un artiste vivant. Moins de dix ans plus tard, en 1988, son tableau False Start s’est vendu 17,05 millions $ chez Sotheby’s, établissant également le record du prix le plus élevé atteint aux enchères pour une œuvre d’un artiste vivant. Ce même tableau a battu ce record lors de sa nouvelle vente en 2006, atteignant cette fois 80 millions $. Une vente privée en 2010 de l’œuvre Flag a encore une fois établi un record pour le prix le plus haut jamais payé pour un artiste vivant, la valeur étant rapportée à 110 millions $. En 2014, une version de 1983 de Flag a été vendue aux enchères pour 36 millions $, établissant un record d’adjudication pour l’artiste. At This Time

La décision de Johns de détruire ses œuvres antérieures à 1954 a marqué un moment charnière dans sa carrière, reflétant un profond changement dans sa vision et son approche artistiques. Avant cela, l'œuvre de Johns était largement influencée par les tendances artistiques dominantes de l'époque, notamment l'Expressionnisme Abstrait. Cependant, il s'est senti de plus en plus insatisfait de ses créations, estimant qu'elles manquaient d'une identité distincte et n'exprimaient pas adéquatement sa voix artistique.

Dans un geste audacieux et presque cathartique, Johns a détruit presque toutes les œuvres qu'il avait réalisées avant 1954. Cet acte a signifié non seulement la destruction physique de ses premières pièces, mais aussi une rupture symbolique avec ses influences et techniques passées. C'était comme si Johns avait nettoyé la toile de sa carrière, prêt à s'engager sur une voie nouvelle et plus authentique. Cette décision est souvent perçue comme un rejet du style alors dominant, qui privilégiait les créations spontanées et gestuelles. Johns cherchait une direction différente, une qui s'engageait plus directement avec l'objectalité de l'art et la représentation d'objets du quotidien.

Libéré de son style précédent, Johns a commencé à expérimenter de nouveaux sujets et de nouvelles méthodes, ce qui l'a conduit à la création de ses célèbres peintures de drapeaux en 1954. Ces œuvres marquaient une rupture significative avec son art antérieur. En se concentrant sur des objets familiers et banals, mais porteurs d'un sens profond comme le drapeau américain, Johns a remis en question les notions établies de ce que l'art pouvait être. Son utilisation d'imagerie connue soulevait des questions sur la perception, la réalité et la représentation, préparant ainsi le terrain pour l'émergence de mouvements comme le Pop Art et le Néo-Dada.

La série emblématique des peintures de drapeaux de Johns, créée à partir du milieu des années 1950, constitue un commentaire profond sur le rêve américain et ses complexités, surtout dans le contexte de l'après-Seconde Guerre mondiale. Le service militaire de Johns pendant la guerre de Corée a eu une influence notable sur sa vision du monde, lui offrant une perspective directe sur les réalités de l'identité nationale et les sacrifices qu'elle impliquait. Cette expérience a profondément nourri son exploration artistique de l'« American Flag » en tant que sujet. En le représentant d'une manière à la fois familière et déconcertante, Johns semblait commenter la nature de ces idéaux : la manière dont ils sont perçus par rapport à la manière dont ils sont vécus. Cela était particulièrement frappant dans le contexte des années 1950 et 1960, une période marquée par d'intenses changements politiques et sociaux aux États-Unis. Des questions telles que les droits civiques, la Guerre Froide et les séquelles de la Seconde Guerre mondiale poussaient beaucoup de gens à remettre en question et à réévaluer le rêve américain.

Le choix du drapeau comme motif central par Johns fut révolutionnaire pour plusieurs raisons. Premièrement, cela marquait une rupture nette avec l'Expressionnisme Abstrait qui dominait la scène artistique de l'époque. Au lieu des coups de pinceau émotifs et spontanés caractéristiques de ce mouvement, Johns présentait un objet familier et quotidien sous un jour nouveau. Le drapeau est chargé de couches de significations et de symboles, souvent associés au patriotisme et à la fierté nationale. En présentant ceux-ci d'une manière neutre, presque impersonnelle, Johns invitait les spectateurs à considérer le drapeau non seulement comme un symbole, mais comme un objet — ce qui était presque un acte sacrilège aux États-Unis. Sa technique a contribué à l'impact thématique, car son utilisation de la peinture à l'encaustique — combinée à des éléments de collage comme des coupures de journaux — ajoutait une qualité texturée, parfois presque dégradée, à certaines images du drapeau. Cette méthode pouvait être interprétée comme une métaphore visuelle de l'effondrement ou de la remise en question du rêve américain : l'idée que sous la surface de la fierté et de l'unité nationales se cachaient des complexités et des contradictions.