Celia In A Wicker Chair (black state)

Contrairement aux lithographies de la fin des années 1970 qui soulignent l'atmosphère méditative entourant le modèle, cette estampe de 1974 capture Celia dans une pose assise en pied, défiant audacieusement le regard du spectateur. En recouvrant la chaise de traits courts et densément accumulés, Hockney confère au seul objet de l'estampe une dimension texturale tout en révélant l'imprimé floral vibrant de la robe du modèle, emblème de ces motifs audacieux associés au nom de Celia Birtwell dans l'univers de la mode.

Ce portrait, qui allie le minimalisme de la scène à une approche minutieuse du détail permise par l'eau-forte, n'est pas représentatif de la manière dont Hockney a figuré Celia Birtwell dans ses œuvres. Tout au long de sa carrière, le modèle a été le sujet des expérimentations de Hockney avec les techniques, les styles et les traditions, incluant le cubisme et l'art abstrait.

Ici, un trait d'eau-forte uniforme et net restitue le sujet de manière hautement réaliste. Par la grande finesse de trait autorisée par ce médium, Hockney tisse un dialogue avec les grands maîtres de l'eau-forte dans l'histoire de l'art, tels que Rembrandt. L'estampe illustre la façon dont les modèles favoris de Hockney étaient constamment redécouverts par l'artiste à travers différentes techniques et médiums.

Évoquant sa fascination pour l'œuvre de Rembrandt, Hockney a déclaré : « Il faut trois choses pour la peinture : la main, l'œil et le cœur… Deux ne suffisent pas. Un bon œil et un bon cœur ne sont pas suffisants, tout comme une bonne main et un bon œil. Cela s'applique à chaque peinture et à chaque dessin jamais réalisés par Rembrandt. » Comme Hockney a dessiné ses proches sur une longue période, son corpus d'œuvres permet au spectateur de retracer l'évolution de son langage visuel ainsi que les multiples dimensions des émotions et des sentiments de ses modèles.