Celia In A Wicker Chair (black state)
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Contrairement aux lithographies de la fin des années 1970 qui mettaient l'accent sur l'atmosphère méditative entourant le modèle, cette estampe de 1974 saisit Celia dans une pose assise, en pied, affrontant audacieusement le regard du spectateur. Recouvrant la chaise de lignes courtes et densément accumulées, Hockney confère à l'unique objet de l'estampe une texture tout en révélant l'imprimé floral éclatant de la robe du modèle, l'incarnation même des motifs audacieux associés au nom de Celia Birtwell dans le monde de la mode.

Ce portrait, qui marie le minimalisme de la scène à une approche méticuleuse du détail permise par la gravure à l'eau-forte, n'est pas typique de la manière dont Hockney représentait Celia Birtwell dans ses œuvres. Tout au long de sa carrière, le modèle a été soumis aux expérimentations de Hockney avec les techniques, les styles et les traditions, notamment le cubisme et l'art abstrait.

Ici, un trait d'eau-forte uniforme et précis rend le sujet de manière très réaliste. Par la finesse du trait obtenue dans ce médium, Hockney établit un dialogue avec les grands maîtres de la gravure de l'histoire de l'art, tels que Rembrandt. L'estampe illustre comment Hockney redécouvrait constamment ses modèles favoris à travers différentes techniques et médiums.

À propos de sa fascination pour l'œuvre de Rembrandt, Hockney a déclaré : « Il faut trois choses pour peindre : la main, l'œil et le cœur… Deux choses ne suffisent pas. Un bon œil et un bon cœur ne suffisent pas, pas plus qu'une bonne main et un bon œil. Cela s'applique à chaque tableau et dessin que Rembrandt ait jamais réalisé. » Étant donné que Hockney a dessiné des personnes qui lui étaient proches sur une longue période, son corpus d'œuvres permet au spectateur de suivre l'évolution de son langage visuel ainsi que les multiples facettes des émotions et des sentiments des modèles.