Valeur de Jackson Pollock : Les prix records atteints aux enchères

Cette peinture à l'émail noir a établi le record actuel de Pollock aux enchères lorsqu'elle s'est vendue chez Sotheby's à New York en novembre 2021, dépassant largement son estimation haute de 26,1 millions de livres sterling. Number 17, 1951 (1951) appartient à la série des « Black Pourings » de Pollock, créée lorsqu'il avait temporairement abandonné son style de goutte coloré. Durant cette période, au sommet de sa carrière créative, Pollock a changé de direction : de vagues éléments figuratifs rappelant ses œuvres antérieures ont recommencé à apparaître au milieu des tourbillons rythmiques dramatiques et des enchevêtrements complexes de sa peinture dégoulinante. Sa provenance exceptionnelle, ayant été exposée dans des institutions majeures du monde entier, notamment la Gagosian et le MoMA, New York, a contribué à sa solide performance aux enchères, où elle a dépassé le précédent record de Pollock de 1,8 million de livres sterling.

Number 31, 1949 (1949) a obtenu ce résultat impressionnant chez Christie's à New York en mai 2022. Créée durant ce que beaucoup considèrent comme la « période des coulures » (drip period) définitive de Pollock (1947-1950), cette peinture à l'huile est un exemple emblématique de la technique novatrice qui a transformé l'art moderne, ainsi qu'une démonstration majeure de l'évolution de l'Expressionnisme abstrait. Au cours de cette phase extraordinairement productive, Pollock a perfectionné sa technique consistant à verser, projeter et faire couler des peintures industrielles sur des toiles posées au sol. Cette méthode lui permettait d'engager tout son corps dans le processus créatif, ce qui lui a valu le terme de « peinture gestuelle » (action painting) et a changé à jamais la relation entre l'artiste et la toile. Son prix élevé témoigne de l'appréciation constante du marché pour les œuvres issues de cette période charnière de l'art américain. Elle avait précédemment été exposée, entre autres, à la Tate Modern en 1998-1999, au Centre Georges Pompidou en 1982, et au MoMA en 1967.

Cette composition dynamique, nommée d'après ses subtiles taches de peinture rouge, s'est vendue chez Christie's New York en novembre 2018. Pour réaliser ses célèbres « drip paintings » (peintures par égouttement), dont Composition With Red Strokes (1950), Pollock utilisait divers ustensiles, notamment des bâtons, des pinceaux durcis et même des seringues à badigeonner. Les chercheurs qui ont étudié l'approche de Pollock ont découvert qu'il manipulait délibérément la dynamique des fluides – évitant la tendance naturelle des liquides versés à former des spirales et des boucles, pour créer à la place des filets de peinture continus qui formaient des motifs complexes et interconnectés. Ces mouvements n'étaient pas des éclaboussures aléatoires ; Pollock contrôlait avec soin les propriétés de ses matériaux pour obtenir des effets visuels spécifiques.

Number 19, 1948 (1948) a atteint ce résultat chez Christie's New York en mai 2013, dépassant largement son estimation haute de 22,9 millions de livres sterling. L'œuvre appartient à la période charnière durant laquelle Pollock avait pleinement développé sa technique de dripping caractéristique après son déménagement à Springs, dans East Hampton, New York, où lui et Lee Krasner avaient acheté une ferme avec une grange que Pollock avait aménagée en atelier. C'est dans cet espace, dans un relatif isolement, entre 1947 et 1951, qu'il a créé ses œuvres les plus emblématiques. Cet exemple particulier suit une palette de couleurs monochromes, annonçant la série des Black Pourings de 1951-53.

Number 4, 1951 (1951) a été vendu chez Sotheby's New York en novembre 2012. Le tableau marque un moment fondamental dans l'évolution artistique de Pollock, créé à une période où il explorait de nouvelles voies au-delà de son style de coulure emblématique – cette fois, avec un fond principalement noir plutôt que blanc. Il conserve l'énergie et le geste des toiles en coulures de Pollock, mais introduit une composition plus structurée. Son historique d'expositions est limité ; il est resté hors de la vue du public, conservé dans des collections privées, à l'exception d'un bref passage au Cologne Kölnischer Kunstverein en 1964.

Cette œuvre emblématique de la période du « dripping » marquante de Pollock a atteint ce résultat chez Sotheby's à New York en mai 2018. Le réseau complexe de couches de peinture entrelacées de l'œuvre crée une expérience qui véhicule la déclaration de Pollock selon laquelle « par terre, je suis plus à l'aise. Je me sens plus proche, plus une partie de la peinture, car de cette façon, je peux marcher autour d'elle, travailler à partir des quatre côtés et littéralement être dans la peinture. ». Cette approche a marqué une rupture radicale avec la peinture sur chevalet traditionnelle et a établi Pollock comme une figure incontournable dans le développement de l'art américain d'après-guerre.

Number 16, 1949 (1949) s'est vendu chez Christie's New York en novembre 2013. Cette œuvre jouit d'une provenance particulièrement remarquable, car elle avait été acquise par Peggy Guggenheim, l'une des premières et plus importantes soutiens de Jackson Pollock, en décembre 1949 en échange d'une de ses œuvres antérieures intitulée Shooting Star (1947). Guggenheim a joué un rôle déterminant dans le lancement de la carrière de Pollock, en lui offrant un soutien financier par le biais d'une allocation mensuelle et en lui donnant sa première commande majeure ainsi que sa première grande opportunité d'exposition. Number 16, 1949 (1949) a été présentée lors de l'exposition de la Betty Parsons Gallery en 1950, puis lors de l'exposition du Whitney Museum intitulée The American Century (1999-2000) et lors de l'exposition du Museo Correr, Jackson Pollock in Venice (2002).

Number 17, 1949 (1949), peinte juste après Number 16, 1949 (1949), a atteint ce résultat chez Sotheby's New York en novembre 2015. Créée au moment où Pollock perçait dans la conscience publique – l'année même où le magazine Life publiait un article au titre provocateur : « Est-il le plus grand peintre vivant des États-Unis ? » – cette œuvre illustre l'approche qui lui a valu une attention sans précédent et a cimenté sa place comme figure majeure de l'art américain. Le choix de Pollock d'utiliser de l'émail industriel plutôt que des huiles traditionnelles reflète son approche expérimentale des matériaux, plus adaptée à sa technique à la fois organique et mécanique.

La vaste toile, dense et largement monochrome, intitulée Number 28, 1951 (1951), a été vendue chez Christie's à New York en mai 2012. C’était l’une des premières peintures à coulures de Pollock de ce type, présentant une surface aussi richement travaillée. Elle fait le lien entre l’incursion de Pollock durant toute une année dans les peintures « Black-and-White » qui ont dominé 1951, et son retour spectaculaire à la couleur. Cette surface qui semble se tortiller et se débattre est également révélatrice de l'intensification générale, à cette époque, de la lutte picturale de Pollock face aux démons de son alcoolisme, qui était revenu hanter l'artiste et son œuvre en 1951. Ce contexte ajoute une dimension poignante à l'œuvre, car elle représente certaines de ses dernières réussites créatives avant la mort prématurée de Pollock dans un accident de voiture lié à l'alcool en 1956.

Clôturant ce top 10, on trouve The Blue Unconscious (1946), la seule peinture qui ne soit pas issue de la période des « drip paintings » de Pollock. Elle a atteint ce résultat chez Sotheby's New York en mai 2013. Créée l’année où Pollock s’installa dans son célèbre atelier de grange à Long Island, dans East Hampton, cette œuvre marque une phase de transition capitale, juste avant que Pollock ne développe pleinement sa technique révolutionnaire de dégoulinement. La peinture montre l’artiste au seuil de son style novateur, tout en intégrant encore des éléments plus figuratifs. Son titre reflète l’intérêt de Pollock pour la psychologie jungienne et l’inconscient, des thèmes qui sont restés fondamentaux tout au long de sa carrière. Grâce à sa thérapie jungienne, Pollock en est venu à considérer le processus de création artistique comme une forme d’excavation psychologique, faisant émerger des images et de l’énergie des profondeurs de l’inconscient.