La cote de Lucio Fontana : records de prix en salle des ventes

Le record actuel d'adjudication pour Fontana a été établi lorsqu'une vibrante Concetto Spaziale, La Fine Di Dio (1963-64) jaune a été vendue chez Christie's New York en novembre 2015. Cette toile iconique en forme d'œuf – perforée de dizaines de trous créant un effet de constellation – représente l'apogée de la réussite artistique et de la recherche philosophique de Fontana. L'œuvre appartient à une série de seulement 38 toiles ovales que Fontana a produites dans diverses couleurs, chacune perforée selon des motifs uniques. Le titre, que l'on pourrait traduire par « The End of God », reflète l'intérêt de Fontana pour des questions spirituelles profondes durant une période de progrès scientifiques rapides connue sous le nom de course à l'espace. Fontana lui-même décrivait ces œuvres comme « l'infini, quelque chose d'inconcevable, la fin de la représentation figurative, le début du néant ».

Une autre version jaune de « La Fine di Dio » a atteint ce résultat impressionnant chez Sotheby's New York en mai 2024, constituant ainsi la vente la plus récente de cette liste. La composition diffère légèrement de son homologue ayant battu des records, illustrant l'attention minutieuse portée par Fontana au motif de perforation spécifique de chaque œuvre. Les associations symboliques de l'œuf avec la création et l'univers, conjuguées à la précision technique de l'exécution de Fontana, confèrent à ces œuvres une place essentielle au sein de son corpus et, plus largement, de l'histoire de l'art du XXe siècle. Cette pièce en particulier a été exposée à travers le monde, débutant à la Marlborough Gallery de Rome pour voyager ensuite vers The Warehouse à Dallas, le MoMA à New York, ainsi qu'auprès d'Anders Wall à Stockholm. Ayant figuré dans des collections privées depuis les années 1960, son apparition récente sur le marché a suscité un intérêt notable parmi les collectionneurs.

Cette toile aux tons bruns de « La Fine Di Dio » a été adjugée chez Christie's à Londres en octobre 2018, marquant une progression notable par rapport à sa vente à 11,6 millions de livres sterling en 2013. Sa palette sombre offre une variation saisissante au sein de la série, la profondeur et la richesse de sa surface proposant une expérience sensorielle distincte des exemplaires plus vibrants. Les perforations, qui apparaissent presque comme des cratères ou des vides sur le fond brun, invitent à une méditation sur le vide et la forme, en résonance avec l'intérêt de Fontana pour les concepts philosophiques orientaux. La coloration brune renvoie aux éléments terrestres, créant un contrepoint intéressant aux associations plus célestes des versions jaunes, tout en conservant un engagement avec les questions fondamentales de l'espace, du vide et de la matérialité qui définissent la pratique de Fontana. Hormis une brève exposition au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles en 1972, l'œuvre était restée dissimulée au public jusqu'à sa vente en 2018.

Une « La Dine Di Dio » blanche a atteint ce résultat chez Sotheby's New York en novembre 2023. La toile blanche offre peut-être l'expression la plus directe de l'intérêt de Fontana pour la lumière, l'espace et le vide, préoccupations fondamentales du mouvement spatialiste (Spazialismo). Les perforations sur la surface blanche créent des jeux d'ombres spectaculaires qui se modifient selon l'angle de vue et les conditions d'éclairage, incarnant la volonté de Fontana de créer des œuvres transcendant la bidimensionnalité traditionnelle pour intégrer la quatrième dimension du temps à travers la perception changeante du spectateur. Avant sa vente en 2023, cette pièce a été vendue de gré à gré et aux enchères plus de dix fois et a figuré dans des expositions à la Whitechapel Gallery de Londres en 1988, à la Gagosian Gallery de New York en 2012, et au-delà.

Une « La Fine Di Dio » noire, issue de la série, a été vendue chez Sotheby's en octobre 2015, quelques semaines seulement avant la version jaune qui a atteint un prix record. La version noire offre une expérience sensorielle différente des exemplaires jaune et blanc, les perforations apparaissant comme des points lumineux sur fond d'obscurité, tels des étoiles dans le ciel nocturne. Les résultats constants, atteignant sept et huit chiffres, obtenus par la série « La Fine Di Dio » témoignent de leur statut de chef-d'œuvre de Fontana. Leur imagerie cosmique fait directement écho à l'intérêt de l'artiste pour l'exploration spatiale et à l'évolution de la compréhension humaine de l'univers au cours des années 1960.

Cette toile métallique de grand format a été adjugée chez Christie's Paris en octobre 2022. Avec ses dimensions de 200 x 200 cm, elle constitue l'un des concepts spatiaux les plus ambitieux de Fontana, sa surface immaculée étant rythmée par un agencement minutieusement orchestré de perforations. Contrairement aux œuvres de forme ovoïde, cette toile carrée instaure une relation formelle différente à l'espace, offrant un champ plus méditatif aux interventions de Fontana qui s'inscrit dans des formes artistiques plus conventionnelles. L'envergure impressionnante de l'œuvre renforce sa qualité immersive, invitant les spectateurs à faire l'expérience du jeu d'ombres, de lumières et de dimensions magnifié par la surface brillante.

Ce Concetto Spaziale, Attese (1965) panoramique et rouge, reconnaissable à ses entailles verticales caractéristiques, a été adjugé chez Sotheby’s New York en novembre 2015. Une partie de son attrait singulier réside dans une inscription de la main de Fontana lui-même : « Je suis rentré de Venise hier, j’ai vu le film d’Antonioni !!! », écrite en italien au revers. Les incisions verticales, à la fois décisives et spontanées, présentes sur cette toile issue de la série des tagli (entailles) de Fontana, révèlent le vide obscur derrière la surface, ce qui les distingue de ses œuvres perforées antérieures. Débutée en 1958, la série des tagli est devenue la contribution la plus largement reconnue de Fontana à l’histoire de l’art, ainsi qu’un symbole iconique du modernisme européen d’après-guerre. Ces entailles représentent un geste à la fois destructeur et créateur : plutôt que de simplement peindre l’espace et la lumière sur la toile, Fontana l’a littéralement ouverte, invitant l’espace réel au sein même de l’œuvre.

Une autre œuvre « tagli » rouge a obtenu un résultat tout aussi impressionnant chez Christie's New York en mai 2015, cette fois avec des incisions brisant les limites de la toile. Le titre « Attese », signifiant « attentes » ou « attente », reflète l'intérêt de Fontana pour l'expérience de découverte du spectateur face à son œuvre. Il était parfaitement conscient de la composition et de l'espacement, même dans ces travaux d'une simplicité trompeuse, cherchant toujours à capter l'attention et à susciter un temps de réflexion. Il décrivait l'entaille comme « une coupe nette, qui n'a rien de mystérieux... J'ai créé cette dimension et j'ai créé l'infini. » Il préparait la toile avec une surface monochrome unie, traçait ses incisions au crayon, puis utilisait une lame spéciale pour créer des entailles parfaitement lisses ; un processus exigeant une maîtrise, une pratique et une confiance considérables.

Cette œuvre en forme d’œuf a été adjugée chez Sotheby’s à Londres en février 2008, marquant l’un des tout premiers résultats majeurs en vente aux enchères pour la série « La Fine di Dio » de Fontana. Cette vente constituait alors un record pour l’artiste et a contribué à établir la valeur de marché fondamentale de ces pièces iconiques avant la progression notable des prix observée les années suivantes. Elle a témoigné d’une reconnaissance internationale croissante de l’importance de Fontana dans l’histoire de l’art et de son influence sur les générations d’artistes ultérieures. Hormis une exposition au Museum Ludwig de Cologne en 1989, la pièce a rarement été présentée au public, bien que sa finition à paillettes dorées renforce son caractère unique et son intérêt pour les collectionneurs.

Cette œuvre, unique dans cette liste en raison de son titre détaillé, a été adjugée chez Christie's London en octobre 2017. Contrairement à la série des tagli monochromes ou à celle de La Fine di Dio, cette pièce dessine le plan de la place Saint-Marc à Venise à l'aide de perforations et utilise des pierres de verre colorées pour suggérer une foule en son sein. Elle s'inscrit dans une série plus vaste d'œuvres consacrées à Venise, au sein de laquelle l'artiste a exploré les éléments architecturaux et spatiaux de la cité historique. Cette association de points de référence traditionnels et d'une innovation formelle radicale rapproche le travail de Fontana des mouvements contemporains tels que Zero en Allemagne et le minimalisme aux États-Unis, bien que l'ancrage philosophique de Fontana dans le Spatialisme ait conféré à son œuvre un cadre conceptuel distinctif qui continue de trouver un écho tant auprès des collectionneurs que des historiens de l'art.