10 faits sur Kate Moss de Banksy

Banksy établit délibérément un parallèle avec la série Marilyn de Warhol en imitant la composition, la palette vive et les stylismes du Pop Art. En remplaçant le visage de Monroe par celui de Kate Moss, l'image devient une célébration du glamour des médias de masse et une critique de la célébrité en tant que spectacle. L'adoption par Banksy du langage visuel de Warhol place Kate Moss dans une lignée d'imagerie appropriée, traduisant l'adoration des célébrités du milieu du siècle en culture du début des années 2000.

L'omniprésence de Kate Moss – nourrie par une carrière de mannequin exceptionnellement réussie et son inscription dans la liste des « 100 personnes les plus influentes » du Time en 2007 – en a fait l'analogue contemporain parfait de la saturation médiatique qu'a connue Monroe au milieu du XXe siècle. Banksy utilise cette visibilité pour démontrer que la célébrité ne perdure pas parce que les individus sont intrinsèquement uniques, mais parce que la culture réédite sans cesse le même archétype sous un nouveau visage.

Banksy a mis en scène Kate Moss dans le cadre de son exposition Crude Oils en octobre 2005, sa première grande exposition en galerie. Il y réinterprétait des chefs-d'œuvre artistiques canoniques en y injectant sa satire caractéristique, positionnant ainsi Kate Moss dans une conversation historico-artistique plutôt que dans la seule culture de rue.

Dans cette série, Kate Moss incarne l'archétype de la beauté, mais la perruque et l'exagération cosmétique basculent l'image dans la parodie. Cette tension révèle que Moss fonctionne comme un portrait qui renforce son statut tout en montrant avec quelle facilité ce statut est fabriqué par le marketing et les clichés.

En faisant revivre un modèle Pop des années 1960 en 2005, Banksy met en scène une comparaison culturelle : le Hollywood de Monroe face à l'industrie de la mode incarnée par Moss. Ce parallèle souligne que la publicité régit toujours le statut de célébrité, commentant à quel point la culture de la célébrité a peu changé, même en traversant les décennies.

En 2011, Banksy a créé une œuvre unique de Kate Moss pour le mariage de cette dernière — découverte, paraît-il, par le mannequin dans la salle de bain de son hôtel pendant sa lune de miel. Cette anecdote renforce l'aura de célébrité de l'œuvre et souligne la mythologie ludique que l'artiste construit autour de l'exclusivité et de la surprise.

Là où Warhol utilisait le style du Pop Art pour rehausser l'attrait superficiel des célébrités, Banksy retourne ce même langage contre lui-même. Dans « Kate Moss », la répétition et les couleurs vives qui jadis glorifiaient Monroe exposent désormais la répétition mécanique et creuse de la célébrité à l'ère numérique. L'image reflète désormais la manière dont les icônes sont créées, consommées et mises au rebut à toute vitesse. En réutilisant le style du Pop Art pour interroger la marchandisation de la culture des célébrités, Banksy démontre que le culte moderne de la célébrité repose sur le même glamour, apparemment vide.

Lorsque « Kate Moss » est sortie en 2005, elle a marqué une évolution dans la carrière de Banksy, qui passait du provocateur de rue à artiste blue chip. Cette série mariait son personnage subversif et son ancrage dans le street art avec le monde de l'art formel, transposant son style au pochoir en sérigraphies de grande valeur, éditées en série limitée. Son succès a démontré que la critique sociale de Banksy pouvait prospérer dans les galeries, les maisons de ventes et les collections privées, tout en critiquant les institutions qui l'accueillaient.

L'image immédiatement reconnaissable, l'hommage à Warhol, et le mystère persistant de l'anonymat de Banksy ont permis à cette série de prospérer aux enchères : le record actuel pour une Kate Moss a été établi chez Sotheby’s en 2021 avec un prix marteau de 221 760 £.

L’œuvre de Banksy représentant Kate Moss s’inscrit dans une pratique plus large de réinterprétation de l’histoire de l’art. Il fait référence à Keith Haring dans Choose Your Weapon et revisite des images canoniques créées par Monet, Van Gogh, Vettriano et Hopper. Cette approche traite les icônes comme une matière première pour interroger la culture de consommation, le goût et l’auteur. Ainsi, dans ce contexte, Kate Moss constitue une contribution réfléchie au dialogue soutenu que Banksy entretient avec le canon muséal.