Valeur de Jean Dubuffet : les records d'adjudication

« Les Grandes Artères » (1961) a établi le record actuel de vente aux enchères pour Dubuffet lors de sa vente chez Christie's New York en novembre 2016. Cette toile de grande dimension, mesurant près de 1,5 mètre de largeur, illustre parfaitement la célèbre série « Paris Circus » de Dubuffet, qui marqua son retour à une palette vive après des années de travail monochrome. Son titre, qui renvoie aux artères principales, évoque les rues animées et colorées au cœur de Paris, tandis que les formes organiques et les couleurs de l'œuvre semblent faire écho aux tissus du corps humain. Les personnages et les véhicules circulent dans la ville comme le sang, la vie et l'énergie. Les noms des lieux et des commerces accentuent ce sentiment de chaos et d'effervescence, tout comme la riche texture de la surface travaillée en empâtements. Sa performance exceptionnelle aux enchères souligne l'appréciation du marché pour la période la plus dynamique de l'œuvre de Dubuffet.

« Paris Polka » (1961) a atteint ce résultat impressionnant chez Christie's à Londres en mai 2015. Autre exemple marquant de la série Paris Circus, cette œuvre de grand format, mesurant près de 2 mètres carrés, capture le rythme et le chaos de la vie urbaine à travers des motifs vibrants rappelant des notes de musique ou des pas de danse, comme le suggère son titre. La palette lumineuse de l'œuvre, son tracé dense et sa composition dynamique reflètent la fascination de Dubuffet pour la vitalité des environnements urbains. Créée au cours d'une période charnière de la carrière de Dubuffet où sa réputation se consolidait, notamment après son exposition de 1961 au Musée des Arts Décoratifs à Paris, la peinture illustre son style de maturité, qui avait pleinement intégré l'esthétique primitive dont il s'est fait le champion à travers le mouvement de l'Art Brut.

Être et paraître (1963) a obtenu ce résultat notable chez Christie's à Londres en mars 2017. Ce titre philosophique reflète l'intérêt constant de Dubuffet pour les tensions entre l'apparence et la réalité, un thème qui imprègne une grande partie de son œuvre. Le tableau présente l'enchevêtrement caractéristique de formes abstraites et de figures de Dubuffet qui se fondent dans leur environnement, créant un puzzle visuel qui laisse entrevoir des visages et des objets identifiables. Cette œuvre a été réalisée durant la transition entre la série « Paris Circus » et le cycle de « L'Hourloupe », révélant ainsi des éléments des deux périodes dans son interaction complexe de motifs et de formes. La pièce avait été peu exposée, circulant entre des collections privées à Paris, Londres, Bâle et Chicago avant sa vente en 2017.

Un autre chef-d'œuvre de 1961, Cérémonie (1961), a été adjugé chez Christie's à Londres en juin 2019. Sa palette chromatique, plus sombre que celle de nombreuses œuvres de la série « Paris Circus », ainsi que ses figures abstraites, évoquent des thèmes ritualistes suggérant un rassemblement ou une procession. L'œuvre est à la fois chaotique et harmonieuse, reflétant la conviction philosophique de l'artiste selon laquelle l'art authentique doit naître d'impulsions intuitives plutôt que d'une formation académique ou d'une esthétique conventionnelle. La qualité mystérieuse, presque cérémonielle, de la toile illustre l'intérêt de Dubuffet pour les rituels culturels et les interactions sociales ; à l'image du sujet indéterminé du tableau, Dubuffet estimait que la société se comportait de manière irrationnelle et imprévisible. Dans les dix années suivant sa création, l'œuvre a été exposée à Paris, au Palazzo Grassi à Venise, et au Musée des Beaux-Arts de Montréal dans le cadre d'une exposition intitulée « The Common Man ».

Peinte un an après que Dubuffet a forgé le terme « Art Brut », La Cavalière au diamant (1946) a atteint ce résultat impressionnant chez Sotheby's London en mars 2021. Cette œuvre fantaisiste, dont le titre peut être traduit par « La cavalière aux diamants », met en lumière l'utilisation par Dubuffet de techniques mixtes visant à créer des surfaces texturées qui remettent en cause les conventions traditionnelles du portrait. Du sable, du verre et du plâtre sont incorporés à la peinture. Les figures apparaissent à la fois abstraites et anthropomorphes, mêlant traits humains et formes imaginatives dans un style brutaliste, presque agressif. Le titre ajoute une part d'intrigue, invitant les spectateurs à interpréter le « diamant » comme une métaphore de la valeur cachée ou de l'éclat au sein d'une beauté non conventionnelle, un principe fondamental de la philosophie artistique de Dubuffet qui célébrait l'expression brute plutôt que l'esthétique raffinée. Le succès de cette peinture en 2021 s'explique en partie par sa provenance, l'œuvre ayant été offerte par Dubuffet à René Guiette, vendue une fois de gré à gré, puis conservée au sein d'une collection familiale.

Pourlèche Fiston (1963) a été vendue chez Christie's Paris en juillet 2020. L'œuvre a été réalisée lors de la transition de Dubuffet de la série Paris Circus vers son cycle de l'Hourloupe. Tout en conservant la palette rose et violette de la première, elle introduit le motif cellulaire qui allait définir la seconde, avant que l'artiste ne se restreigne aux couleurs primaires qui domineraient le reste de la série de l'Hourloupe. Le titre, qui se traduit approximativement par « Lick Son », ajoute une dimension ludique, surréaliste et quelque peu menaçante à la composition. Cette peinture illustre l'intérêt de Dubuffet pour la création de compositions denses qui aplatissent la perspective et génèrent un sentiment d'énergie frénétique, reflétant sa conviction que la représentation spatiale conventionnelle était trop restrictive. L'œuvre est restée dans la collection personnelle de Dubuffet jusqu'à ce qu'elle soit offerte à la collection Jacques Berne en 1970, où elle est demeurée jusqu'en 2020. Elle bénéficie d'un riche historique d'expositions, notamment au Musée des Beaux-Arts André Malraux au Havre, ville où Dubuffet a grandi, en 2011-2012.

Visiteur Au Chapeau Bleu (1955) a atteint ce résultat chez Sotheby's Paris en octobre 2024, ce qui en fait la vente la plus récente de cette liste. La toile représente deux personnages, l'un coiffé d'un Blue Hat, saluant l'autre devant sa demeure – d'où le titre de l'œuvre, « Visiteur Au Chapeau Bleu ». Elle a été réalisée durant une période où Dubuffet explorait des approches plus texturées de la peinture, illustrant sa technique consistant à construire des surfaces à l'aide de matériaux non conventionnels et à gratter certaines couches de peinture. En 2016, l'œuvre a été vendue lors de la dispersion de la Leslie Waddington Collection chez Christie's Londres pour 4 150 000 livres sterling, faisant de sa vente en 2024 un retour sur investissement notable.

Les Versatiles (1964) a été vendue chez Christie's Londres en octobre 2017. Cette œuvre appartient au cycle de l'Hourloupe de Dubuffet (1962-1974), caractérisé par des formes imbriquées et une exécution répétitive, presque méditative. Le titre suggère une adaptabilité et une inconstance, qualités qui sont paradoxalement appropriées pour les formes cellulaires en puzzle, signature de Dubuffet. Il est intéressant de noter que la série de l'Hourloupe est née de gribouillages réalisés par Dubuffet lors de conversations téléphoniques, démontrant sa capacité à transformer des esquisses informelles en œuvres d'art. La pièce a été cédée dans le cadre de la collection Jean-François et Marie-Aline Prat, au sein de laquelle elle était conservée depuis 2003.

« Francis Ponge Jubilation » (1947) a atteint ce résultat chez Sotheby's Paris en octobre 2024. Comme son titre l'indique, cette œuvre précoce d'Art Brut rend hommage au poète français Francis Ponge, célèbre pour ses poèmes en prose célébrant les objets du quotidien. La surface texturée témoigne des expérimentations de Dubuffet durant l'après-guerre avec des matériaux tels que le plâtre et la chaux, créant une esthétique brute, tactile et primitive, rappelant les peintures rupestres. Ce portrait aux formes exagérément rondes n'est pas sans évoquer certaines œuvres de patients schizophrènes étudiées par Hans Prinzhorn dans son ouvrage Artistry of the Mentally Ill (1922). Ce livre a largement inspiré la définition de l'Art Brut chez Dubuffet, qui célébrait tout particulièrement les œuvres d'enfants, de prisonniers et de malades mentaux, évoluant en marge des règles de la société. Cette figure, à la fois ludique et grotesque, incarne le rejet des canons de beauté traditionnels par Dubuffet et son adhésion à une expression primale, principes qui ont posé les fondements du mouvement de l'Art Brut, officiellement constitué un an plus tard, en 1948.

Seule œuvre de cette liste issue de la série des « Théâtres de mémoire » (1975-1979) de Dubuffet, Le Tissu social (1977) a été adjugée chez Sotheby's New York en novembre 2015. Cette série explore le concept de la mémoire comme une entité fragmentée et stratifiée, illustrant sa complexité à travers des scènes brisées, empreintes d'onirisme. De nombreuses œuvres, à l'instar de celle-ci, intègrent le collage afin d'exacerber leur thématique centrale. Le titre fait directement référence aux structures sociétales façonnées par l'homme qui dictent la nature des relations humaines. Ses figures, chacune contenue dans un compartiment avec deux autres au maximum, apparaissent tout à la fois encombrées et isolées, reflétant la fascination que Dubuffet a entretenue tout au long de sa carrière pour la juxtaposition du chaos urbain et de l'aliénation au sein de la vie moderne.