Valeur Jim Dine : Meilleurs prix atteints aux enchères

Le record actuel aux enchères de Jim Dine est détenu par Hearts (1969), un ensemble de 57 peintures de cœurs individuelles, vendues chez Sotheby’s à New York en novembre 1989 pour plus du double de leur estimation haute. Le motif du cœur, que Dine a exploré pour la première fois en 1966, est devenu l’un de ses symboles les plus reconnaissables : un modèle pour explorer la couleur, la texture et la profondeur émotionnelle. Ce n’était jamais un simple symbole Pop, mais plutôt un emblème profondément personnel. Lorsque cet ensemble de peintures a été revendu en 1996 pour 279 400 £, sa dépréciation reflétait la correction générale du marché du début des années 1990 plutôt qu’un quelconque déclin de l’appréciation pour les œuvres de Dine.

Red Robe (Self-Portrait Study) (1964) a réalisé ce résultat impressionnant chez Christie's New York en novembre 1989, soit un jour seulement avant la vente record de Hearts (1969), une œuvre issue de la prestigieuse collection Robert B. Mayer. Le peignoir vide, que Dine a adopté comme une forme d'autoportrait en 1964, est devenu aussi emblématique dans son œuvre que le motif du cœur. Dine a été inspiré par une publicité parue dans The New York Times qui présentait un peignoir dont le porteur avait été effacé à l'aérographe — il a fait remarquer que lorsqu'il a vu le peignoir, « il me ressemblait », ouvrant ainsi la voie à son utilisation du peignoir comme représentant de « l'homme ordinaire ».

Rompu avec la tendance des œuvres des années 1960 à dominer ses meilleurs prix,

Twin 6' Heart (1999) a atteint ce résultat notable chez Phillips New York en juin 2021. Cette sculpture monumentale en bronze, mesurant près de six pieds de haut et faisant partie d'une édition de seulement six exemplaires avec quatre épreuves d'artiste, témoigne du succès de Dine à transposer son motif emblématique dans de nouvelles dimensions et de nouveaux matériaux. Il a commencé à produire des sculptures de table et des installations à grande échelle dans les années 1980, mais il intégrait déjà des éléments tridimensionnels à ses toiles peintes avant cela.

Exemple de l'intérêt de Dine pour les objets trouvés, The Fence, Sydney Close (1982) intègre de véritables branches pour former la clôture mentionnée dans le titre. Cette approche est une variation du concept de « ready-made » de Marcel Duchamp, mais avec une volonté plus manifeste d'élever l'ordinaire par l'embellissement artistique. L'œuvre illustre également l'évolution de Dine, le faisant dépasser ses créations plus influencées par le Pop Art des années 1960, en introduisant plus d'abstraction aux côtés de ses thèmes favoris. Le succès de cette peinture aux enchères, vendue chez Christie’s New York en novembre 2001, témoigne de l'appréciation des collectionneurs pour les œuvres qui mettent en valeur la virtuosité technique de Dine tout en conservant un lien avec ses premières explorations des objets et environnements du quotidien.

Lorsque The Mirror The Meadow (1971) s'est vendu chez Sotheby's New York en mai 1998, cela a marqué une autre étape importante pour les œuvres de Dine du début des années 1970. Cette période l'a vu développer une approche plus nuancée de ses thèmes établis, s'éloignant encore davantage de ses premières affiliations avec le Pop Art après son retour à Londres depuis les États-Unis en 1971. Les thèmes du reflet et du pastoral sont typiques de l'exploration continue par Dine de l'autobiographie à travers l'art : dans ses œuvres, les objets du quotidien et les paysages sont souvent devenus des représentations de la mémoire, de l'identité personnelle et de la réflexion sur soi.

The Studio (Landscape Painting) (1963) est une combinaison de peinture et de sculpture. Composée de cinq toiles individuelles et d'une étagère en bois, cette œuvre fascinante s'est vendue 100 000 £ de plus que son estimation haute chez Sotheby's New York en novembre 2015. Elle incorpore des objets réels — l'étagère en bois présentant des bouteilles et des tasses — afin de raconter plus clairement la vie d'un artiste. Les objets du quotidien contrastent fortement avec les couleurs et les textures, comme pour souligner l'éclat de l'art par rapport à la vie quotidienne. Son inclusion dans l'exposition du Guggenheim New York de 1999 à 2000 a renforcé sa provenance et son attrait sur le marché, mais sa véritable valeur réside dans sa représentation des premières expérimentations de Dine avec la rupture du plan pictural, une technique qui influencera son approche de la dimensionnalité tout au long de sa carrière.

A Robe In The Winter (2002) a atteint ce résultat chez Sotheby's New York en septembre 2010, démontrant un intérêt soutenu du marché pour les images de robes de Dine bien au-delà du début du XXIe siècle. Près de quatre décennies après avoir adopté pour la première fois le peignoir comme substitut de Self-Portrait, Dine continuait de trouver de nouvelles façons d'explorer cette iconographie personnelle, en incorporant cette fois du sable à la peinture utilisée. Cet investissement dans des objets du quotidien explique en partie pourquoi Dine rejetait le titre d'« artiste Pop ». Il ne produisait pas des œuvres principalement axées sur la célébrité, l'image de marque et les mouvements culturels éphémères ; il se concentrait plutôt sur des objets qui saisissaient à la fois l'universalité et la personnalité individuelle. Le succès de cette peinture en 2010 indique non seulement l'attrait unique des œuvres de Dine, mais aussi la valeur accordée à son style mature, caractérisé par une approche plus expressive de la peinture et de la couleur.

Big Black Zipper (1962), vendue chez Christie's New York en novembre 2015, est l'une des premières explorations de Jim Dine visant à intégrer des objets réels dans ses peintures. Dans ce cas, la toile en tissu est dotée d'une fermeture éclair montée, qui semble maintenir l'œuvre à peu près au milieu. Cela rappelle le travail de Lucio Fontana, qui pratiquait souvent de longues déchirures nettes dans ses toiles. Fontana, tout comme Dine, est connu pour avoir perturbé la classification des beaux-arts, remettant en question ce que signifie créer une œuvre sur une toile. Au début des années 1960, Dine explorait la frontière entre la vie quotidienne et l'art ; et, à l'instar des œuvres Robes et Hearts de Dine, Big Black Zipper (1962) suggère une signification émotionnelle plus profonde : la fermeture éclair est plus qu'un simple objet trouvé ou un commentaire culturel ; c'est un symbole d'auto-identification.

Une autre vente notable de 2015, Shoes Walking On My Brain (1960), a dépassé son estimation haute en mai chez Christie’s New York. Étant l'œuvre la plus ancienne de cette liste, ce tableau illustre un thème qui a caractérisé le début de la production de Dine, avec des objets tridimensionnels fixés à la toile. Le titre et l'imagerie de l'œuvre reflètent également son intérêt récurrent pour l'intersection entre les objets du quotidien et les états psychologiques : dans ce cas, une véritable paire de chaussures semble marcher sur un visage d'enfant.

March, Without You (1969) a réalisé le dixième meilleur résultat aux enchères de Dine la même année où Hearts (1969) s'est hissée à la première place. L'œuvre a été vendue chez Christie's New York en mai 1989, suite à sa remarquable exposition au Whitney Museum of American Art cette même année. Ce recueil de 16 aquarelles marque à la fois une évolution par rapport au style habituel de Dine et l'aboutissement parfait de son motif de cœur. Sa solide performance aux enchères souligne l'appréciation du marché pour les œuvres issues de cette période charnière de la carrière de Dine, ainsi que sa capacité à conjuguer abstraction et symbolisme personnel.