Kehinde Wiley : Redéfinir le portrait par le symbolisme et la subversion

Né à Los Angeles, en Californie, en 1977, et élevé à South Central, Kehinde Wiley est un artiste renommé, célèbre pour ses peintures à l'huile de grand format. Il a obtenu son BFA au San Francisco Art Institute et son MFA à l'Université de Yale. Le talent artistique de Wiley réside dans sa capacité à représenter des hommes et des femmes afro-américains dans des poses héroïques, vêtus de tenues contemporaines. En réinterprétant des poses traditionnelles qui perpétuaient historiquement des déséquilibres de pouvoir et l'exclusivité, Wiley donne du pouvoir à ses sujets et remet en question les idées reçues sur la représentation.

Wiley insuffle une vie nouvelle à ses compositions dynamiques, les imprégnant d'énergie et de vitalité. Il saisit l'essence de la force et de la résilience de ses sujets, créant un récit visuel qui dépasse la simple esthétique ; il sert de vecteur puissant au commentaire social. En sélectionnant délibérément des sujets qui abordent les questions de race, de genre, de masculinité et de dynamique du pouvoir, il suscite des conversations stimulantes et défie les normes sociétales.

L'artiste puise son inspiration dans un large éventail d'influences artistiques, notamment chez les Vieux Maîtres de l'art européen. Il modèle ses œuvres sur des peintres emblématiques tels que Peter Paul Rubens, Titien et Jacques-Louis David, intégrant leurs techniques traditionnelles et leurs éléments de composition dans ses portraits contemporains. En recontextualisant les styles de peinture historiques dans le cadre de la société moderne, Wiley crée un dialogue où le passé et le présent se rencontrent.

Référence historique

La pratique de Wiley implique souvent la création de versions contemporaines d'œuvres classiques, s'inspirant des tableaux renommés de ses prédécesseurs. Cette approche est essentielle à sa pratique artistique car elle lui permet d'établir un dialogue avec l'histoire de l'art tout en recontextualisant les récits historiques. En faisant référence à des compositions et des poses emblématiques des œuvres classiques, Wiley établit un lien visuel entre le présent et le passé. Par ses réinterprétations, il perturbe et remet en question l'exclusivité du portrait historique, offrant une perspective nouvelle sur la représentation et les dynamiques de pouvoir.

La richesse de ces arrière-plans offre un contraste saisissant avec les paysages traditionnels que l'on retrouve dans la peinture de portrait européenne classique. Plutôt que des décors pastoraux sereins ou des arrière-plans symboliques, Wiley utilise des couleurs vives et un feuillage qui confèrent une impression de vitalité et de beauté naturelle. Dans le cas du portrait présidentiel de Barack Obama, l'artiste a intégré des chrysanthèmes, du jasmin et des lys bleus africains pour symboliser l'héritage culturel et le lien que son sujet entretenait avec eux.

L'incorporation de motifs et de dessins ornés, influencés par l'architecture baroque et islamique, ajoute des couches d'une grande complexité aux compositions de Wiley. Ces détails introduisent un sentiment de profondeur tout en remettant en question la compréhension que le spectateur se fait du portrait traditionnel. Sa manière de placer les sujets sur ces fonds initie une conversation entre l'histoire de l'art et le design contemporain. Dans Napoleon Leading The Army Over The Alps, nous voyons la réinterprétation par Wiley du tableau de Jacques-Louis David, Le Sacre de Napoléon. Bien que la pierre au sol et ses gravures soient conservées, le reste du paysage est réimaginé avec un fond rouge orné d'un motif décoratif, faisant référence à ses inspirations françaises rococo. Bien que cette peinture en particulier aborde la complexité de la masculinité, de l'identité et du pouvoir, elle reflète l'approche de l'artiste qui consiste à défier les canons esthétiques européens.

La palette vibrante de Wiley apporte une qualité rafraîchissante et pleine d'entrain à une discipline souvent dominée par des méthodes conventionnelles et des couleurs ternes. L'artiste parvient à réveiller visuellement le portrait et à le revitaliser par son usage de la couleur, de la flore et des motifs, engageant ainsi le public à faire l'expérience de l'art d'une manière totalement nouvelle et expressive.

Réinventer le Canon à travers des sujets contemporains

L'usage de la couleur par Wiley devient encore plus saisissant lorsqu'il est observé dans le contexte de la représentation historique des individus noirs dans le portrait. Au fil de l'histoire, les sujets noirs étaient souvent relégués à des rôles subalternes ou exotisés. Wiley positionne ses sujets dans des décors où ils sont parés de fonds élaborés, éliminant toute suspicion quant à leur appartenance. L'artiste choisit plutôt de présenter ses sujets sous un angle de royauté et d'assurance.

On peut déceler un dialogue entre le passé et le présent dans la manière dont il habille et met en scène ses sujets dans des vêtements contemporains. Si certains de ses portraits proposent une approche plus moderne des tenues traditionnelles du XVIIIe siècle, son art intègre plus couramment des vêtements de rue populaires, des bottes Timberland et des débardeurs décontractés. L'intégration de ces choix stylistiques démantèle la croyance selon laquelle les styles européens historiques seraient l'incarnation de la sophistication.

En substituant des figures historiques par des individus de la société actuelle, Wiley parvient à perturber la hiérarchie du pouvoir et de l'autorité inscrite dans l'art occidental. Sa réinterprétation soulève des questions cruciales sur qui est légitime d'être représenté et célébré dans l'art, et quelles histoires sont considérées comme dignes d'être reconnues.

Juxtaposition Contextuelle

Le choix délibéré de Kehinde Wiley de placer des corps masculins noirs devant des arrière-plans doux, opulents et somptueux sert à communiquer leur juste place dans la société, remettant en question les perceptions sociétales des hommes noirs. Cette juxtaposition contextuelle n'est peut-être pas immédiatement évidente, mais elle porte une signification importante. Dans la culture occidentale, les hommes noirs ont historiquement été confrontés à une perception complexe, étant perçus simultanément comme inférieurs et menaçants. Cependant, en les positionnant dans des environnements aussi riches, beaux et délicats, Wiley perturbe les associations historiques entre les corps masculins noirs et les stéréotypes négatifs. Le contraste entre les fonds et la représentation affirmée, confiante et royale de ses sujets confronte le spectateur à la contradiction entre les récits sociétaux et la dignité intrinsèque affichée par les sujets de Wiley. Ce choix délibéré encourage les spectateurs à réévaluer leurs suppositions et leurs préjugés concernant l'identité noire.

Son œuvre donne du pouvoir d'agir et de la visibilité à un groupe historiquement marginalisé qui a apporté des contributions majeures à la société, malgré avoir subi le mépris et les préjugés. L'art de Wiley se réapproprie le langage visuel de l'autorité et du prestige, soulignant l'importance de reconnaître et de valoriser les apports de chaque individu, au-delà des frontières raciales ou de toute autre construction sociale.

S'il existe une seule peinture de référence pour aider à comprendre l'œuvre de l'artiste, ce pourrait bien être Officer Of The Hussars de Wiley.

Ce portrait illustre parfaitement le style, le dialogue visuel et la technique de Wiley dans cet ensemble d'œuvres. Inspiré à l'origine par Officer Of The Chasseurs Commanding A Charge de Théodore Géricault, ce tableau regorge de détails qui reflètent l'influence de son matériau source au milieu de sa composition contemporaine. L'une des différences les plus immédiates au premier coup d'œil est l'arrière-plan rouge de style Rococo à la place du champ de bataille gris traditionnel. Les seuls vestiges de la bataille historique qui subsistent en arrière-plan sont les détails minuscules d'un canon dans le quadrant inférieur droit. Wiley conserve des éléments tels que la réaction émotionnelle exacerbée du cheval et le motif éclectique de peau de léopard.

Bien que le sujet soit positionné dans la même pose, son expression faciale traduit un regard délibéré vers le spectateur, avec une nuance évidente de certitude dans son autorité et son commandement sur son environnement, contrairement au portrait original où le sujet se concentre sur ce qui l'entoure.

La subversion du portrait par Wiley est brillamment exécutée par l'incorporation de la mode contemporaine dans l'œuvre. Son sujet porte une tenue qui serait commune dans une garde-robe quotidienne basée sur les vêtements de rue populaires – un débardeur, des bottes Timberland et un jean. En utilisant le style de cette manière, l'artiste introduit un sentiment de proximité et de familiarité chez ses sujets. Il est également important de noter la veste violette associée à cette tenue, étant donné sa représentation symbolique de la royauté et de la noblesse.

Le tableau incite à un examen critique des thèmes croisés de la race, de l'identité et des dynamiques de pouvoir. Le choix par Wiley d'un officier militaire comme sujet soulève des questions sur la relation complexe entre les Afro-Américains et les structures de pouvoir institutionnalisées historiquement dominées par les élites blanches. En réimaginant l'officier en homme noir, Wiley remet en question l'effacement historique des contributions des Noirs à l'armée et perturbe le récit traditionnel de l'honneur et de la bravoure.

Cette œuvre offre une critique simultanée des structures de pouvoir qu'elle dépeint en abordant et en contestant directement les associations négatives souvent liées à la masculinité et aux démonstrations de pouvoir dans un contexte sociétal. Wiley s'attaque aux stéréotypes et aux effets néfastes profondément ancrés qui ont été historiquement associés aux notions traditionnelles de masculinité et à l'exercice du pouvoir. Il vise les attentes rigides et les définitions limitées de la masculinité qui perpétuent des idéaux nuisibles et contribuent aux inégalités sociales.

La critique des structures de pouvoir par Wiley est ici multiple. Il ne se contente pas d'aborder le contexte sociétal dans lequel la masculinité et les démonstrations de pouvoir sont souvent associées négativement, mais il propose également un récit alternatif convaincant qui souligne la nécessité d'une compréhension du pouvoir plus inclusive et plus égalitaire.

La capacité de Wiley à marier harmonieusement les techniques classiques avec des sujets contemporains a repoussé les limites du portrait. Sa maîtrise de la composition a créé un langage visuel unique qui encourage les artistes à explorer de nouvelles voies d'expression et à réimaginer les possibilités de la représentation. Au-delà du monde de l'art, l'œuvre de Wiley suscite des conversations essentielles sur la race, l'identité et la représentation. En dépeignant des individus marginalisés comme des figures puissantes et magnifiques, il remet en question l'exclusion historique des groupes sous-représentés dans l'art occidental. Ses toiles audacieuses et opulentes confrontent les spectateurs à la beauté et à la complexité des expériences diverses, incitant à une réévaluation des récits sociétaux et au démantèlement des stéréotypes dans le portrait. Entre les mains de Wiley, l'art devient un vecteur de changement social. Son héritage nous rappelle le pouvoir transformateur de l'art pour façonner les perceptions, susciter le dialogue et favoriser l'empathie. Alors que nous réfléchissons à son impact, nous sommes obligés d'embrasser la richesse de la diversité, de confronter les préjugés et de tendre vers un paysage artistique plus inclusif.