Max Ernst : Les meilleurs prix atteints aux enchères

Le record actuel aux enchères pour une œuvre d'Ernst a été établi chez Christie's à New York en novembre 2022 par la sculpture en bronze Le Roi Jouant Avec La Reine (1944), lorsqu'elle a atteint près de 200 % de son estimation haute. La sculpture s'était précédemment vendue pour 10,8 millions de livres sterling en 2017 – soit une augmentation spectaculaire du prix en cinq ans – démontrant la valorisation rapide des œuvres d'Ernst. Le titre de l'œuvre se traduit par « Le Roi Jouant Avec La Reine », faisant référence à la figure royale à cornes qui domine une reine conique et un groupe d'autres pièces d'échecs. Ernst a créé cette sculpture alors qu'il était en exil aux États-Unis pendant la Seconde Guerre mondiale, et elle traduit ce sentiment d'appréhension et de déracinement – Ernst avait déjà utilisé des sculptures de pièces d'échecs pour symboliser les dynamiques de pouvoir et la stratégie. Cependant, malgré l'incertitude et le danger généraux de l'époque, 1944 fut une année incroyablement productive pour Ernst, avec de nombreuses autres œuvres populaires créées.

The Stolen Mirror (1941), créée au sommet de la puissance créatrice d'Ernst, a dépassé le double de son estimation haute chez Christie's New York en novembre 2011. L'œuvre a été revendue 6,75 millions de livres sterling en 2016, ce qui démontre la volatilité occasionnelle du marché, même pour les pièces majeures. Cette peinture de grand format, mesurant 65 x 81 cm, illustre le style surréaliste mûr d'Ernst, combinant une exécution technique précise avec des images oniriques. Ses sujets sont à la fois reconnaissables et méconnaissables, les motifs et les formes de la nature étant transformés en une scène d'un autre monde — un effet dû en partie à l'utilisation pionnière par Ernst de la décalcomanie, qui consistait à presser de la peinture entre deux surfaces. Au moment de sa création, entre 1940 et 1941, Ernst s'attachait à développer une série de compositions de paysages et de figures.

Vendue chez Christie's à New York en mai 2015, Le Couple (L'Accolade) (1925) constitue l'une des explorations les plus saisissantes des relations humaines par Ernst à travers son prisme surréaliste. Créée au début du Surréalisme, la peinture témoigne de l'évolution d'Ernst, passant du Dadaïsme à un style plus abouti, caractérisé par des représentations non conventionnelles de la forme humaine et des applications de peinture évoquant le collage. Le déménagement d'Ernst à Paris en 1922 l'a exposé au mouvement surréaliste et a lancé cette évolution stylistique, comme en témoignent les juxtapositions inattendues de textures et de formes dans Le Couple. La solide performance de l'œuvre aux enchères souligne la valeur accordée aux pièces de cette période charnière, où l'on peut lire dans une seule peinture les prémices de tous les styles qui façonneront la carrière d'Ernst.

Ce chef-d'œuvre de 1940 a atteint son prix impressionnant chez Sotheby’s à New York en mai 2012. À l'instar de nombreuses peintures d'Ernst réalisées pendant son séjour en France pendant la guerre, Leonora In The Morning Light est empreint de turbulence émotionnelle, avec des couleurs riches, des contrastes et des formes conçues pour déranger. Il est important de noter que cette peinture a été achevée entre janvier et mai 1940, peu de temps après la libération d'Ernst de son emprisonnement en tant qu'ennemi étranger, et peu avant son exil aux États-Unis. Son titre fait référence à Leonora Carrington, amante d'Ernst pendant trois ans et artiste surréaliste elle aussi ; dans la peinture, elle émerge de la jungle sombre et dangereuse comme une source d'espoir et de joie. L'inscription « à Leonora » est placée dans le coin inférieur droit, car l'œuvre a été offerte à Carrington en cadeau et est restée dans sa collection personnelle pendant de nombreuses années.

Atteignant ce résultat solide lors de la vente de Christie's à New York en mai 2017, The Phases Of The Night est l'une des œuvres les plus abouties d'Ernst datant de 1946. Elle a été créée au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, période durant laquelle le style d'Ernst était pleinement mûr. L'œuvre combine ses techniques caractéristiques avec une qualité onirique, accentuée par la superposition sophistiquée des images réalisée par Ernst, créant un paysage nocturne mystérieux qui illustre sa contribution singulière au Surréalisme. Des ombres découpées et des superpositions de nuances de couleurs plus claires contribuent à saisir le passage du temps, comme le suggère le titre. Ce paysage est cependant étonnamment différent de ceux créés plus tôt dans sa carrière. Son horizon vaste et ouvert a pu être influencé par les paysages de son nouveau foyer à Sedona, en Arizona, où il venait d'emménager avec sa nouvelle épouse Dorothea Tanning.

Vendue chez Christie's à Londres en mars 2021, cette peinture de 1927 illustre l'exploration magistrale par Ernst des paysages mystérieux durant sa période la plus novatrice. La vente réussie de l'œuvre, réalisée en pleine pandémie mondiale, démontre la résilience du marché pour les pièces importantes d'Ernst datant des années 1920. L'intérêt qu'elle suscite auprès des collectionneurs provient peut-être aussi de son riche historique d'expositions, ayant figuré dans des galeries prestigieuses telles que la Tate à Londres, le Musée National d'Art Moderne à Paris et la Fundación Joan Miró à Barcelone. L'œuvre faisait partie de la série des Forest Paintings de Ernst et constitue un exemple parfait de la technique du grattage, s'appuyant sur la texture pour créer les détails. Ernst considérait la forêt comme une « frontière crépusculaire » entre le connu et l'inconnu, imprégnant ainsi toutes ses peintures de ce sentiment mystique et puissant. Au centre, un petit oiseau est enfermé dans une cage, confiné dans ce paysage symbolique impénétrable.

Cette œuvre troublante datant de 1940 a atteint son prix chez Sotheby’s à New York en novembre 2017. Créée pendant la même période tumultueuse que Leonora In The Morning Light, The Endless Night reflète la réaction psychologique d’Ernst aux bouleversements de la guerre et de l’exil, et cristallise le sentiment d’appréhension ressenti après avoir été interné deux fois par les Nazis en tant que ressortissant allemand. La palette sombre du tableau et ses formes mystérieuses, souvent indéfinissables, témoignent de sa capacité à traduire les traumatismes personnels et collectifs en métaphores visuelles puissantes, une caractéristique qui continue de résonner auprès des collectionneurs. La scène emmène le spectateur au-delà de formes végétales préhistoriques et de quasi-figures, à travers un paysage qui semble se situer entre le rêve et l'état d'éveil.

Vendue chez Christie's à Londres en juin 2011 lors d'une vente Impressionist Et Moderne, La Chute De L'Ange (1923) illustre la capacité d'Ernst à métamorphoser les formes religieuses et mythologiques en compositions surréalistes en modifiant leur contexte. Le titre de l'œuvre se traduit par « The Fall Of An Angel », bien que son sujet fasse référence à une autre sorte de « chute » que celle biblique, humanisant des figures surhumaines par une douce abstraction. Avec ses dimensions monumentales de 130 x 130 cm, cette peinture à l'huile témoigne de la transition d'Ernst du Dadaïsme au Surréalisme, capturant la désillusion et le bouleversement spirituel caractéristiques de cette période.

Cette œuvre majeure de 1934-35 a atteint son résultat chez Christie's Londres en février 2020, lors de la vente du soir « Art of the Surreal Evening Sale ». Son titre, qui se traduit par « Paysage-effet de toucher », fait référence aux vagues rythmiques de couleur, qui ressemblent à la fois à des collines ondulantes et à des vagues, et qui ont été créées grâce à sa technique du frottage. L'œuvre était initialement conservée par Ernst lui-même jusqu'en 1941, année où elle fut vendue à une galerie de New York. Elle a figuré dans de nombreuses expositions à travers les États-Unis durant la seconde moitié du XXe siècle, avant d'être revendue dans les années 1970. Après des décennies d'exposition privée par la suite, sa réapparition aux enchères en 2020 fut un événement notable pour les collectionneurs d'Ernst, notamment en raison de la palette de couleurs et de la composition inhabituelles de l'œuvre pour un travail d'Ernst.

Les Asperges De La Lune (1935) a été vendu chez Sotheby’s New York en mai 2018. La sculpture a été initialement moulée en plâtre, puis coulée en bronze, dans une édition de 11 exemplaires entre 1972 et 1973. La version originale en plâtre est conservée au Museum of Modern Art. Son titre, qui se traduit par « Asperges lunaires », associe de manière ludique des formes animales et végétales, faisant allusion aux connotations érotiques de l'asperge en France. Il s'agit de l'une des neuf grandes sculptures créées par Ernst lors de son séjour à Paris au milieu des années 1930, chacune illustrant l'amour d'Ernst pour les contradictions, les contextes complexes et les formes naturelles modifiées.