Paul Klee Valeur : Meilleurs Prix Obtenus aux Enchères

Tänzerin (1932), dont le titre se traduit par « Danseuse », a atteint le record actuel de Paul Klee aux enchères lorsqu'il s'est vendu chez Christie's à Londres en juin 2011. Cette œuvre a été créée lors d'une période de transition cruciale dans la carrière de Klee, après avoir quitté le Bauhaus et alors qu'il enseignait à l'Académie de Düsseldorf. Elle met en valeur le style mûr de Klee, caractérisé par une abstraction linéaire juxtaposée à des points de couleur répétitifs. Elle illustre la technique « divisionniste » propre à Klee, qu'il définissait comme la construction d'un champ chromatique à partir de points estampillés individuellement, entourés de lignes également estampillées. La forme allongée de la danseuse, avec son exécution assurée et sa sophistication spatiale, démontre la capacité de Klee à suggérer le mouvement par des moyens minimes. Ce tableau est apparu juste avant que les bouleversements politiques ne forcent Klee à retourner en Suisse, constituant ainsi l'une des dernières œuvres majeures de sa période allemande. À l'époque où le parti nazi gagnait un pouvoir considérable au parlement, cette œuvre témoigne de la résilience créative de Klee face aux troubles croissants.

Bunte Landschaft (1928), ou « Paysage coloré », s'est vendu hors de la collection Paul G. Allen chez Christie's New York en novembre 2022, dépassant son estimation de plus de 100 %. Cette œuvre multimédia de taille modeste présente les motifs semblables à des mosaïques typiques des compositions abstraites de Klee – les carreaux évoquant des maisons et des champs. Créée durant ses années productives au Bauhaus, cette œuvre est née après le voyage marquant de Klee en Égypte, où il a développé ce que l'historien de l'art Olivier Berggruen a décrit comme « un sentiment mystique » et « un sentiment de connexion avec la terre ». La composition structurée du tableau reflète les influences du design et de l'architecture égyptiens, particulièrement visibles dans les symboles presque hiéroglyphiques qui décorent les maisons et dessinent les arbres. Contrairement à beaucoup de ses contemporains qui privilégiaient la précision mécanique, la grille dessinée à la main par Klee crée une « désinvolture » voulue qui préserve une qualité humaine et artisanale.

Abend In N (1937), ou Soir à N, représente l'une des explorations les plus réussies de Klee en matière d'harmonies colorées par l'abstraction géométrique, ainsi que sa compréhension pointue de la théorie des couleurs, qu'il enseignait au Bauhaus. Les bleus profonds, les bruns et les rouges qui dominent l'œuvre évoquent la lumière de transition du soir, tandis que la précision mathématique de la composition reflète l'intérêt de Klee pour la relation entre l'art et la musique. Malgré la grille structurée, une musicalité et un mouvement se dégagent de l'œuvre, les couleurs semblant vibrer et interagir les unes avec les autres. Le prix exceptionnel atteint lors de la vente chez Sotheby's Paris en juin 2020 témoigne de l'appréciation continue du marché pour les œuvres les plus abstraites de Klee, en particulier celles qui illustrent son approche singulière de la théorie des couleurs. La solide provenance et l'historique d'expositions du tableau ont encore renforcé son attrait auprès des collectionneurs, consolidant son statut comme l'une des réalisations de Klee les plus importantes aux enchères.

Gartenfigur (1932) a atteint ce résultat impressionnant chez Christie's Paris en février 2009, dépassant son estimation de près de six fois. Cette peinture à l'huile très abstraite témoigne de la capacité de Klee à modifier les formes organiques tout en conservant leur caractère essentiel. Bien que la figure simplifiée semble initialement méconnaissable en tant que personne, ses traits finissent par apparaître. L'impressionnante provenance de l'œuvre comprenait des expositions dans de grands musées à travers l'Europe, notamment au Kunstmuseum Basel. Elle a été créée juste avant le début des problèmes de santé qui allaient finalement lui coûter la vie, démontrant la maîtrise technique de Klee durant sa dernière période allemande. En 1935, Klee a développé une sclérodermie, potentiellement liée à son exposition tout au long de sa vie à des matériaux artistiques — tels que le mercure, le cadmium, l'arsenic, le plomb, l'antimoine, l'étain, le cobalt, le manganèse et le chrome — ajoutant une dimension poignante aux œuvres de cette période, qui représentent à la fois l'apogée de son pouvoir créatif et le prix physique de sa pratique artistique.

Une autre œuvre datant de 1932, et le premier résultat d'enchères de cette liste, Auftrieb Und Weg (Segelflug) (1932), a été vendue chez Christie's à Londres en avril 1989. Ce prix a tenu pendant 30 ans, jusqu'à la vente de Gartenfigur (1932) en 2009. Le titre se traduit par « Portance et chemin (Vol à voile) », ce qui fait écho aux formes ressemblant à des cerfs-volants qui composent l'œuvre : la représentation géométrique des formes s'apparente presque à un schéma. Il reflète l'intérêt de Klee pour l'interaction entre le mouvement et la structure, explorant comment la ligne et la forme peuvent exprimer le mouvement et la direction, des concepts qu'il enseignait dans ses cours au Bauhaus. Klee a été mobilisé dans l'armée allemande en 1916, pendant la Première Guerre mondiale, bien que son père soit intervenu pour l'empêcher d'être envoyé au front. Il a plutôt servi dans un régiment de réserve et dans une école d'aviation à Gersthofen, où il a pu continuer à peindre pendant tout le conflit — un contexte qui ajoute de la profondeur au thème du vol de cette œuvre.

Pflanze Und Fenster Stilleben (1927), une nature morte abstraite au titre bien choisi, représentant des plantes et une fenêtre, s’est vendue chez Christie’s New York en novembre 2010. Elle a été créée à un moment charnière de la carrière de Klee, lorsque le Bauhaus a été contraint de quitter Weimar pour Dessau. Malgré son titre à consonance traditionnelle, cette œuvre est loin d'être une nature morte conventionnelle. Le titre simple évoque un intérieur classique et une composition de Still Life, mais le tableau se caractérise par des images déformées en deux dimensions et des couleurs diamétrales — ce que Klee appelait jadis « l’élément irrationnel dans la peinture ». Le motif de The Window, que l'on retrouve dans de nombreuses œuvres de Klee, sert de frontière métaphorique entre l'intérieur et l'extérieur, le vu et le non-vu. Cette peinture est emblématique du style Bauhaus mûr de Klee, dans lequel il synthétisait ses explorations théoriques de la couleur et de la forme avec son sens instinctif de la poésie et de l'espièglerie.

Geschwister (1930), un portrait abstrait de « The Siblings », s'est vendu pour 150 % de son estimation haute chez Sotheby's à Londres en juin 1996. Cette œuvre met en lumière les expérimentations de Klee avec le surréalisme : les formes superposées donnent l'impression de deux frères et sÅ“urs qui s'enlacent. L'effet produit est une atmosphère presque enfantine et un sentiment de fragilité. Klee s'est intéressé toute sa vie à l'art des enfants et des personnes souffrant de troubles mentaux, estimant que les musées publics devraient prendre ces deux domaines beaucoup plus au sérieux. Cet intérêt a favorisé dans ses propres travaux une franchise et une expressivité qui défiaient les attentes liées aux compétences traditionnelles. En 1930, année de création de la pièce, Klee était devenu un artiste établi et reconnu : la première monographie majeure sur son travail, écrite par Will Grohmann, avait été publiée un an plus tôt.

Rythmische Baumlandschaft (1920) a été vendue chez Christie’s à New York en octobre 2020. Cette « paysage arboré rythmique » illustre la fascination de Klee tout au long de sa vie pour la relation entre l'art visuel et la musique. Il transforme le genre traditionnel du paysage en une composition rythmée de points, de lignes et de formes géométriques qui évoquent des notes de musique. Klee lui-même était un violoniste accompli issu d'une famille de musiciens et appliquait les principes de la composition musicale à son art. Comme beaucoup d'œuvres de Klee, cette pièce a été confisquée comme « art dégénéré » au Kunstverein Barmen de l'époque en 1937 par le Reichsministerium für Volksaufklärung und Propaganda ; depuis lors, cependant, le tableau a été exposé de manière constante dans des lieux tels que la Tate Modern, la Kunsthalle Hamburg et Marlborough Fine Arts.

Die Sängerin L. Als Fiordiligi (1923-1939), une œuvre reprise de manière significative dans différents médiums sur une période de seize ans, constitue la peinture d'opéra la plus importante de Klee et présente l'un des motifs les plus récurrents de son œuvre. L'œuvre représente un personnage de l'opéra comique de Mozart, Così Fan Tutte, à savoir Fiordiligi – l'une des deux protagonistes féminines principales. La scène évoquée est celle de l'acte II, scène 12, où Fiordiligi, après avoir résisté aux avances de Ferrando, enfile le casque de son amant Guglielmo et déclare son intention de se battre à ses côtés. Klee a créé pas moins de cinq versions de ce portrait, à commencer par un dessin gravé à l'aiguille qui servait de prototype. La version vendue chez Sotheby's à Londres en novembre 1989 est considérée comme l'œuvre principale de cette série, que Klee a développée en dessins à la craie, en peinture à l'huile et en aquarelle. La création initiale de cette œuvre a coïncidé avec l'adhésion de Klee au groupe Die Blaue Vier (Les Quatre Bleus), aux côtés de Kandinsky, Lyonel Feininger et Alexej von Jawlensky. Le groupe s'est formé en 1923 et ils ont donné des conférences et exposé ensemble aux États-Unis en 1925. Ce tableau est devenu particulièrement apprécié des surréalistes français de l'époque, qui en saluaient la qualité onirique et la complexité psychologique.

Peinte en 1932, Stadtburg KR. est un exemple de la capacité de Klee à dissimuler des éléments architecturaux dans des compositions à la fois géométriques et oniriques. Elle fait partie d'une série intitulée Château et Soleil (Castle and Sun), sur laquelle Klee a commencé à travailler en 1928. Le château de la ville apparaît comme une composition abstraite avec divers rectangles et triangles agencés pour créer une illusion de profondeur et de perspective. L'œuvre a été créée peu après que Klee eut quitté le Bauhaus, mais elle montre clairement l'influence de son enseignement à cette époque. Comme beaucoup de ses œuvres de cette période, elle occupe un espace entre la figuration et l'abstraction, invitant les spectateurs à voir des structures familières sous un nouvel angle. Le prix élevé atteint chez Sotheby's à Londres en 2011 témoigne de l'appréciation durable du marché pour les œuvres qui illustrent la contribution unique de Klee à l'abstraction moderniste.