Valeur de Paul Klee : prix d'adjudication records

« Tänzerin » (1932), dont le titre se traduit par « Danseuse », a établi le record d'adjudication actuel de Klee lors de sa vente chez Christie's Londres en juin 2011. Cette œuvre a été réalisée à une période charnière de la carrière de l'artiste, après son départ du Bauhaus et durant son enseignement à l'Académie de Düsseldorf ; elle illustre le style mature de Klee, caractérisé par une abstraction linéaire se détachant sur des points de couleur répétitifs. Elle est emblématique de sa technique « divisionniste » distinctive, qu'il définissait comme la construction d'un champ coloré à partir de points apposés individuellement, entourés de lignes tracées de la même manière. La forme allongée de la danseuse, par son coup de pinceau assuré et sa sophistication spatiale, démontre la capacité de Klee à exprimer le mouvement avec des moyens minimaux. Peinte juste avant que les bouleversements politiques ne contraignent Klee à retourner en Suisse, cette pièce représente l'un des ultimes chefs-d'œuvre de sa période allemande. À une époque où le parti nazi gagnait une influence notable au parlement, l'œuvre demeure un témoignage de la résilience créative de Klee face à une instabilité grandissante.

Bunte Landschaft (1928), ou « Paysage coloré », a été adjugée lors de la vente de la collection Paul G. Allen chez Christie's New York en novembre 2022, dépassant son estimation de plus de 100 %. Cette œuvre de dimensions modestes, réalisée en technique mixte, présente les motifs en mosaïque caractéristiques des compositions abstraites de Klee, où les carreaux évoquent des maisons et des champs. Créée durant ses années prolifiques au Bauhaus, cette œuvre a vu le jour à la suite du voyage marquant de Klee en Égypte, durant lequel il a développé ce que l'historien de l'art Olivier Berggruen a qualifié de « sentiment mystique » et de « sentiment de connexion avec la terre ». La structure de la peinture reflète les influences du design et de l'architecture égyptiens, particulièrement visibles dans les symboles presque hiéroglyphiques qui ornent les maisons et soulignent les arbres. Contrairement à bon nombre de ses contemporains qui privilégiaient la précision mécanique, la grille dessinée à la main par Klee crée une « irrégularité » délibérée qui préserve une qualité humaine et artisanale.

« Abend In N » (1937), ou « Soir à N », représente l'une des explorations les plus abouties de Paul Klee en matière d'harmonies colorées par le biais de l'abstraction géométrique, ainsi que sa compréhension sophistiquée de la théorie des couleurs, qu'il enseigna au Bauhaus. Les teintes prédominantes de bleus profonds, de bruns et de rouges évoquent la lumière transitoire du soir, tandis que la précision mathématique de la composition reflète l'intérêt de Klee pour la relation entre l'art et la musique. Malgré la structure en grille, l'œuvre dégage une forme de musicalité et de mouvement, les couleurs semblant vibrer et interagir les unes avec les autres. Le prix exceptionnel atteint chez Sotheby's Paris en juin 2020 démontre l'appréciation continue du marché pour les œuvres les plus abstraites de Klee, en particulier celles qui illustrent son approche distinctive de la théorie des couleurs. La provenance solide du tableau et son historique d'exposition ont renforcé son attrait auprès des collectionneurs, consolidant ainsi son statut comme l'une des plus importantes réussites de Klee aux enchères.

« Gartenfigur » (1932) a atteint ce résultat impressionnant chez Christie's Paris en février 2009, dépassant son estimation de près de six fois. Cette huile hautement abstraite illustre la capacité de Klee à altérer les formes organiques tout en préservant leur caractère essentiel. Bien que la figure simplifiée semble initialement méconnaissable en tant que personne, ses traits finissent par émerger. La provenance prestigieuse de l'œuvre inclut des expositions dans des musées majeurs à travers l'Europe, dont le Kunstmuseum de Bâle. Créée juste avant l'apparition des problèmes de santé qui allaient finalement l'emporter, cette œuvre témoigne de la confiance technique de Klee durant sa période allemande finale. En 1935, Klee développa une sclérodermie, possiblement liée à son exposition prolongée aux matériaux artistiques – tels que le mercure, le cadmium, l'arsenic, le plomb, l'antimoine, l'étain, le cobalt, le manganèse et le chrome – conférant une dimension poignante aux œuvres de cette période, qui représentent à la fois l'apogée de sa puissance créatrice et le tribut physique de sa pratique artistique.

Autre œuvre de 1932, et résultat de vente aux enchères le plus ancien de cette liste, Auftrieb Und Weg (Segelflug) (1932) a été adjugée chez Christie's à Londres en avril 1989, établissant un record resté inégalé pendant 30 ans, jusqu'à la vente de Gartenfigur (1932) en 2009. Le titre, qui se traduit par « Ascension et chemin (vol à voile) », fait écho aux formes rappelant des cerfs-volants qui structurent la composition ; la représentation géométrique de ces formes évoque presque un schéma. Cette œuvre témoigne de l'intérêt de Klee pour l'interaction entre mouvement et structure, explorant comment la ligne et la forme peuvent exprimer le déplacement et la direction, des concepts qu'il enseignait lors de ses cours au Bauhaus. Klee fut enrôlé dans l'armée allemande en 1916, pendant la Première Guerre mondiale, bien que son père soit intervenu pour lui éviter d'être envoyé au front. Il servit finalement dans un régiment de réserve et dans une école d'aviation à Gersthofen, où il put continuer à peindre tout au long du conflit, un contexte qui confère une profondeur particulière au thème du vol dans cette œuvre.

Pflanze Und Fenster Stilleben (1927), une nature morte abstraite au titre évocateur représentant des plantes et une fenêtre, a été adjugée chez Christie’s New York en novembre 2010. L’œuvre fut créée à une période charnière de la carrière de Klee, alors que le Bauhaus était contraint de déménager de Weimar à Dessau. En dépit de son titre aux accents traditionnels, cette œuvre est loin d'être une nature morte conventionnelle. Si l'intitulé simple suggère une composition d'intérieur classique, le tableau se caractérise par une imagerie bidimensionnelle déformée et des couleurs diamétrales – ce que Klee qualifiait autrefois d'« élément irrationnel dans la peinture ». Le motif de la fenêtre, récurrent dans l'œuvre de Klee, agit comme une frontière métaphorique entre l'intérieur et l'extérieur, le visible et l'invisible. Ce tableau illustre parfaitement le style mature de Klee au Bauhaus, période durant laquelle il a su synthétiser ses recherches théoriques sur la couleur et la forme avec son sens instinctif de la poésie et de la fantaisie.

Geschwister (1930), portrait abstrait de « Siblings », a été adjugée à 150 % de son estimation haute chez Sotheby’s à Londres en juin 1996. Cette œuvre souligne les expérimentations de Klee avec le surréalisme : les formes superposées évoquent deux frères et sœurs enlacés. Il en émane un sentiment presque enfantin, ainsi qu’une impression de fragilité. Klee a nourri tout au long de sa vie un intérêt pour l’art des enfants et des malades mentaux, estimant que ces expressions méritaient d’être prises bien plus au sérieux par les galeries publiques. Cet intérêt a favorisé, dans sa propre pratique, une spontanéité et une force expressive qui défiaient les attentes liées au savoir-faire traditionnel. En 1930, année de création de l'œuvre, Klee était devenu un artiste établi et reconnu : la première monographie majeure consacrée à son travail, signée Will Grohmann, avait été publiée un an plus tôt.

Rythmische Baumlandschaft (1920) a été vendue chez Christie’s New York en octobre 2020. Ce « paysage arboré rythmique » illustre la fascination durable de Klee pour les liens entre les arts visuels et la musique. L’œuvre transforme le genre traditionnel du paysage en une composition rythmée de points, de lignes et de formes géométriques rappelant des notes de musique. Violoniste accompli issu d’une famille de musiciens, Klee appliquait lui-même les principes de la composition musicale à sa pratique artistique. Comme beaucoup d’œuvres de Klee, cette pièce a été confisquée en 1937 au Kunstverein Barmen par le Reichsministerium für Volksaufklärung und Propaganda en tant qu’« art dégénéré » ; depuis, toutefois, le tableau a été régulièrement exposé dans des institutions telles que la Tate Modern, la Kunsthalle Hamburg et la Marlborough Fine Arts.

Die Sängerin L. Als Fiordiligi (1923-39), qui a fait l'objet de déclinaisons dans différents médias sur une période de 16 ans, est la peinture d'opéra la plus importante de Klee et présente l'un des motifs les plus récurrents de son œuvre. Cette pièce représente un personnage de l'opéra comique de Mozart Così Fan Tutte, Fiordiligi, l'une des deux protagonistes féminines principales. La scène évoquée est celle de l'acte II, scène 12, où Fiordiligi, après avoir résisté aux avances de Ferrando, revêt le casque de son amant Guglielmo et déclare son intention de combattre à ses côtés. Klee a créé pas moins de cinq versions de ce portrait, en commençant par un dessin à l'aiguille ayant servi de prototype. La version adjugée chez Sotheby's à Londres en novembre 1989 est considérée comme l'œuvre majeure de la série, que Klee a ensuite développée à la craie, à l'huile et à l'aquarelle. La création initiale de cette œuvre a coïncidé avec l'adhésion de Klee au groupe Die Blaue Vier (Les Quatre Bleus) aux côtés de Kandinsky, Lyonel Feininger et Alexej von Jawlensky. Le groupe a été formé en 1923 et a donné des conférences et exposé ensemble aux États-Unis en 1925. Cette peinture est devenue particulièrement prisée des surréalistes français de l'époque, qui en appréciaient la dimension onirique et la complexité psychologique.

Peinte en 1932, Stadtburg KR. illustre la capacité de Klee à dissimuler des éléments architecturaux au sein de compositions à la fois géométriques et oniriques. Elle s'inscrit dans la série intitulée « Castle and Sun », sur laquelle Klee a commencé à travailler en 1928. Le château de la ville apparaît comme une composition abstraite où divers rectangles et triangles sont agencés pour créer une illusion de profondeur et de perspective. Créée peu après le départ de Klee du Bauhaus, l'œuvre témoigne pourtant clairement de l'influence de son enseignement au sein de cette institution. Comme nombre de ses travaux de cette période, elle occupe un espace situé entre figuration et abstraction, invitant le spectateur à percevoir des structures familières sous un jour nouveau. Le prix d'adjudication solide obtenu chez Sotheby's à Londres en 2011 reflète l'appréciation durable du marché pour les œuvres qui illustrent la contribution singulière de Klee à l'abstraction moderniste.