Œuvres sur papier
L'intimité et l'immédiateté du travail sur papier permettent à Emin d'exprimer ses pensées les plus profondes, ses fantasmes et ses souvenirs. Telles un flux de conscience visuel, ses estampes offrent une plongée directe dans son univers émotionnel et intègrent souvent des fragments de textes profonds.
Tracey Emin est une artiste reconnue pour sa sincérité. Dans le cadre de sa pratique spontanée, les estampes d'Emin sont sans doute les plus directes de toutes ses œuvres. Transposant sa personnalité sur le papier, ces estampes mêlent des déclarations cinglantes et émouvantes à son trait expressif, non sans une pointe d'humour par moments. Ses estampes confessionnelles sont particulièrement saisissantes et créent un lien étroit avec l'artiste, ce qui en fait des pièces aussi désirables que précieuses pour toute collection.
Emin possède un style de dessin distinct, qui doit en partie à Edvard Munch et Egon Schiele. Son trait caractéristique, souple et épars, gagne en texture et en relief grâce aux techniques de monotype qu'elle privilégie. Une estampe particulièrement célèbre comme « Kate », 2006, illustre parfaitement la manière dont son trait simple parvient à évoquer la personnalité et l'essence de ses sujets. Ce portrait du mannequin Kate Moss est une représentation franche, empreinte d'une émotion puissante évoquée sans effort. En guise de cadeau, Emin avait réalisé l'un de ses néons emblématiques pour le mannequin, portant l'inscription « Moss Kin ». Il fut par la suite retrouvé dans une benne à ordures près de l'atelier d'Emin : l'artiste l'avait jeté après que Kate Moss n'ait pu venir le récupérer.
Les nus d'Emin
D’autres nus féminins isolés sont représentés avec vulnérabilité par le style de dessin intense d’Emin. Comme elle l’a déclaré :
« Parfois, il se produit des choses magiques ; c’est simplement inhérent au processus. Je n’aime pas quand les dessins deviennent trop soignés. On dirait qu’ils ont été faits par une machine, ce n’est donc pas bon, cela doit être réel, vous comprenez ? ».
Il se dégage en effet une crudité sans équivoque de ses estampes. Ses nus, qui sont souvent des autoportraits, semblent empreints de douleur. Ce sentiment est exacerbé par les titres de ses estampes, qui se révèlent être révélateurs et laissent entrevoir le tourment de la figure représentée. Ce n’est pas seulement l’angoisse innée de ces figures qui appelle une comparaison avec Egon Schiele. La mise en avant de son propre corps et l’examen minutieux de soi-même sont une dette envers l’artiste du XIXe siècle. Emin explique que :
« Une grande partie de l’art auquel j’avais été exposée jusqu’à présent consistait en des artistes observant d’autres choses et d’autres personnes. Egon Schiele, lui, semblait s’observer intensément lui-même… »
Mots et néons
Tout comme son trait de dessin, l’écriture manuscrite d’Emin est immédiatement identifiable. Ses néons sont instantanément reconnaissables et ornent des lieux emblématiques à travers le monde, de la gare de St Pancras à Times Square à New York. Depuis le début des années 1990, Emin utilise le néon pour donner vie à ses pensées les plus intimes. Plutôt que de recourir à une typographie graphique, l’artiste privilégie de manière significative sa propre écriture, tout en veillant à employer des phrases à portée universelle.
Certains des néons les plus remarquables d’Emin ont été réinterprétés sous forme d’estampes. My Heart Is With You Always (2015) fait référence à une installation publique de grande envergure située à Hong Kong. L’œuvre rapproche les passants et les unit autour d’une déclaration intemporelle sur l’amour. Ce néon témoigne de l’enfance d’Emin à Margate, au milieu des jeux de lumière des fêtes foraines et des salles d’arcade. L’artiste confie :
« Le néon éveille une émotion chez chacun d’entre nous ; les gaz néon et argon nous procurent un sentiment positif, c’est pourquoi on en trouve dans les fêtes foraines, les casinos, les quartiers rouges et les bars. Cela tient aussi à la manière dont la lumière pulse électroniquement à travers le verre, créant un effet de bien-être. Le néon peut aider les personnes souffrant de dépression. »
Emin continue d’explorer le médium de l’estampe avec une grande ferveur. Qu’il s’agisse d’images d’oiseaux, d’écureuils, de nus ou de griffonnages, ces estampes sont intimement liées à l’artiste. Nous découvrons Emin dans ce qu’elle a de plus personnel, résolument au centre de l’œuvre, sans concession, passionnée et révélant sans crainte les profondeurs de sa psyché.
« I Followed You to the End » (2024)
La dernière exposition d’Emin, I Followed You to the End, au White Cube Bermondsey, propose une exploration évocatrice de thèmes tels que l’amour, le deuil, la mortalité et la renaissance. Cette collection, profondément personnelle et d’une grande intensité émotionnelle, présente de nouvelles peintures et sculptures inspirées par le vécu de l’artiste, notamment sa guérison d’un cancer de la vessie. Les œuvres révèlent une interaction poignante entre vulnérabilité et résilience ; les touches expressives et les palettes vives reflètent des états de douleur, de passion et d’introspection. Parmi les pièces maîtresses figure l’œuvre éponyme, qui saisit le poids émotionnel d’un amour inabouti, ainsi qu’une sculpture monumentale qui impose sa présence par sa surface tactile et intensément travaillée. Cette exposition souligne la capacité d’Emin à transformer ses épreuves personnelles en des œuvres à la résonance universelle.
