Du centre-sud à la Maison-Blanche : le parcours artistique inspirant de Kehinde Wiley

« J'ai grandi à South Central Los Angeles, et c'est durant les années quatre-vingt et quatre-vingt-dix, alors que la guerre des gangs faisait rage, que cela s'est passé. C'était une époque à la fois magnifique et terrible. » Pour Kehinde Wiley, les racines dans une communauté culturellement riche, mais socialement marginalisée, allaient fonder l'éthique artistique qui a réinventé la pratique moderne du portrait. Le chemin entre son quartier d'enfance et certaines des galeries les plus prestigieuses du monde n'a pas été droit ; c'est plutôt une histoire de talent exceptionnel, de dévouement et de volonté.

Élevé par sa mère, vendeuse de livres d'occasion, Wiley a manifesté très tôt une inclination naturelle pour la créativité. Entouré par l'énergie trépidante et la tapisserie visuelle diverse de son environnement, le jeune Wiley trouvait réconfort et inspiration dans le pouvoir transformateur de l'art. Cependant, ce n'étaient pas seulement les rues animées qui ont allumé sa passion ; c'étaient aussi les histoires des personnes qui habitaient ces rues — leurs luttes, leur résilience et leur esprit inébranlable.

L'exposition de Wiley à l'art a commencé grâce à l'engagement de sa mère à nourrir ses capacités créatives. Reconnaissant son talent, elle l'a inscrit à des cours d'art à l'âge de 11 ans, lui offrant un environnement stimulant où ses compétences artistiques pouvaient s'épanouir. Ses pairs et ses professeurs ont rapidement remarqué son don naturel, et il a bientôt attiré l'attention d'instituts d'éducation artistique prestigieux. À l'âge de 12 ans, il a participé à un camp d'art russe en Union soviétique, révélant soudain une approche et un style artistique qui ont considérablement élargi le vocabulaire artistique du jeune Wiley. La visite de lieux tels que l'Ermitage et le Palais d'Hiver a également exposé Wiley à de nouvelles formes artistiques, le confrontant pour la première fois à des Peintures emblématiques.

Alors que Wiley perfectionnait ses compétences artistiques, ses influences se sont étendues au-delà de la culture pop et de son environnement immédiat. Ayant décidé qu'il voulait poursuivre ses études, Wiley a monté sa première galerie dans sa ville natale de South Central Los Angeles, en Californie, pour y exposer ses premières œuvres. En vendant ces peintures à sa famille et à ses pairs, Wiley a pu réunir les fonds nécessaires pour subvenir aux premières années d'université.

Après avoir obtenu un Bachelor of Fine Arts au San Francisco Art Institute, puis un Master of Fine Arts à la School of Art de l'Université de Yale, Wiley a été exposé aux œuvres des figures canoniques de l'histoire de l'art, notamment les peintures incomparables du maître de la Renaissance Titian (le Titien) ; les représentations intemporelles du peintre néoclassique français Jean Auguste Dominique Ingres ; et les scènes opulentes et dynamiques dans l'œuvre de l'artiste flamand Peter Paul Rubens. Portant un intérêt particulier aux portraits peints par les Vieux Maîtres, Wiley s'est préoccupé du manque de représentation des Noirs dans ce registre culturel qui dépeint l'influence historique et le pouvoir. Simultanément en prise avec la culture Hip Hop et urbaine de New York et de Los Angeles qui l'entourait, ce mélange éclectique d'influences allait devenir plus tard la marque de fabrique de son style artistique singulier.

À sa sortie de Yale, Wiley a décroché une résidence d'artiste prestigieuse au Studio Museum in Harlem. En participant à deux expositions intitulées « Ironic Iconic » et « Black Romantic », les œuvres de Wiley ont rapidement gagné en visibilité. En tombant sur une photo d'identité judiciaire (mugshot) d'un jeune homme noir dans les rues de Harlem, Wiley a été inspiré à explorer les notions de subjectivité, d'agentivité et d'identité masculine noire — des thèmes qui allaient définir son corpus d'œuvres désormais célèbre. Avec ses peintures vives et personnelles d'hommes noirs en photo d'identité judiciaire, Wiley avait déniché sa voix artistique percutante.

Au cœur de l'art de Wiley se trouve un style singulier qui fusionne le classique et le contemporain. Centrées sur des représentations majestueuses d'hommes et de femmes noirs, les œuvres emblématiques de Wiley sont des portraits grandeur nature, posés de manière à capturer un sens vif de l'individu. Les modèles de Wiley portent des marques reconnaissables, des maillots de football et des parures personnelles, racontant l'influence de la culture urbaine et hip-hop sur la mode et le style. Derrière ses modèles, Wiley crée des arrière-plans ornementés et élaborés qui font référence à un éventail de styles allant de l'art islamique au rococo, en passant par les textiles africains. Tout en faisant écho à l'immensité de ses influences culturelles, les arrière-plans de Wiley sont essentiels pour créer une interaction dynamique entre les figures et leur environnement.

En même temps, ces arrière-plans et ces postures méticuleusement rendus servent de commentaire visuel sur l'exclusion historique des sujets noirs des récits de l'histoire de l'art. Ce faisant, il élève ses modèles à un niveau de grandeur habituellement réservé aux aristocrates et à la noblesse, lançant ainsi un défi aux notions traditionnelles de représentation et de pouvoir.

Derrière chaque œuvre de Wiley se cache un lien personnel et un processus collaboratif. Issu des premières peintures de Wiley réalisées à Harlem, l'artiste a continué d'utiliser le casting de rue comme partie intégrante de son processus artistique. Au départ, cela consistait pour Wiley à aborder des gens dans les rues de Harlem pour leur demander de poser pour un portrait. Wiley présentait ensuite une sélection de portraits tirés de livres d'histoire de l'art, utilisant des œuvres classiques pour aider à déterminer la pose, les ornements et l'allure de ses modèles. En accordant à ses sujets le pouvoir d'influencer leurs propres représentations, Wiley subvertit activement une structure de pouvoir qui a longtemps étouffé la visibilité et l'influence des personnes noires.

De ses débuts à ses projets les plus récents, la trajectoire artistique de Wiley témoigne d'une exploration approfondie de l'identité et de la représentation à l'intersection de l'art, de la culture et de la politique.

Wiley a rapidement été reconnu pour ses portraits monumentaux de jeunes hommes afro-américains qu'il rencontrait dans les rues de Harlem. Vêtus de leurs tenues de rue, les arrière-plans ornés et les postures majestueuses de Wiley offraient un commentaire visuel percutant sur l'absence des corps noirs dans l'art majeur — et sur les structures de pouvoir coloniales qui l'entourent. Cela illustre l'élan continu de l'œuvre de Wiley, alors que sa peinture s'est déployée à travers différents pays, cultures et formes artistiques.

Le projet le plus ancien de Wiley s'intitule The World Stage. Cette entreprise l'a amené à voyager dans divers pays, notamment au Nigeria, au Brésil, en Haïti et en Jamaïque, pour y représenter des individus de cultures variées. Ces portraits célèbrent la diversité mondiale, la diaspora africaine et l'histoire culturelle spécifique de chaque nation.

Un moment charnière dans la carrière de Wiley s'est produit en 2017, lorsqu'il a été sollicité pour réaliser le portrait du président Barack Obama pour la National Portrait Gallery du Smithsonian. Cet exploit historique a propulsé Wiley sur la scène mondiale, confirmant son statut d'artiste pionnier : il est devenu le premier peintre afro-américain (à égalité avec Amy Sherald pour le portrait de Michelle Obama) à recevoir la commande d'un portrait présidentiel. L'œuvre montre le président Obama assis devant un fond luxuriant de feuillage, illustrant la capacité de Wiley à fusionner les traditions artistiques historiques avec des sujets contemporains afin de créer un commentaire social poignant.

Au-delà de la toile traditionnelle, les portraits de Wiley ont également pris vie sur différents types de matériaux. Dans une réinterprétation vibrante de l'art ecclésiastique, Wiley a également créé des portraits en vitrail de ses modèles contemporains, situant sa critique dans un contexte qui interroge la relation historique entre la race, la religion et le pouvoir. Sa série Iconic fait écho à ces thèmes, se composant de portraits d'autels plus petits inspirés de l'iconographie byzantine du XVe siècle. Tout au long de cette série, Wiley remplace les noms des saints canonisés par ceux de ses modèles sur le cadre doré.

L'expérimentation formelle de Wiley a continué de se déployer lorsqu'il s'est aventuré au-delà des limites des espaces d'exposition traditionnels. S'inspirant de ses peintures équestres du début des années 2000, il a collaboré avec le Virginia Museum of Fine Arts à un projet d'art public qui représente un défi manifeste à la domination des monuments historiques. S'inspirant de la statue du général de l'armée confédérée James Ewell Brown créée en 1907, la réponse de Wiley est Rumours of War(2016-2019), une statue équestre monumentale d'un jeune homme afro-américain. Explorant l'esthétisation du pouvoir et les représentations de la masculinité noire, cette statue a remis en question les récits exclusifs de l'art public et a intégré le message de Wiley dans le paysage visuel de l'espace public.

À travers différentes galeries, pays et formats, le parcours artistique de Wiley retrace une interrogation incisive des structures de pouvoir – et une volonté inébranlable de les reconfigurer.

Si les premières œuvres de Wiley représentaient exclusivement des jeunes hommes, ses peintures ultérieures de la série An Economy of Grace l'ont également amené à explorer l'identité féminine noire. Peut-être un signe de sa confiance croissante en tant que peintre, ces portraits offrent un commentaire similaire sur le pouvoir et la représentation que ses peintures d'hommes, se taillant une place pour une représentation affirmée des femmes noires dans un domaine historiquement dominé par les Blancs.

Reprenant son processus de casting dans la rue à New York, la série An Economy of Grace dépeint des femmes afro-américaines comme des sujets de grâce, de pouvoir et de beauté. Elles s'inspirent de portraits historiques de femmes aristocratiques et de la haute société réalisés par Jacques-Louis David, Thomas Gainsborough et John Singer Sargent, choisis par Wiley et le Louvre. Cependant, les représentations de femmes par Wiley se sont éloignées de sa tendance à peindre les sujets dans leurs propres vêtements. Dans le cadre d'une collaboration très médiatisée, Riccardo Tisci de Givenchy a créé des robes sur mesure pour chaque modèle de Wiley, ajoutant ainsi un parallèle supplémentaire aux œuvres classiques auxquelles elles font référence. Ce faisant, Wiley confère à ses modèles un niveau de statut et de subjectivité qui renverse le scénario de l'art moderne comme de l'art classique.

Dans une société qui marginalise et objectifie souvent les femmes noires, les œuvres de Wiley proposent un puissant contre-récit, réaffirmant leurs histoires et affirmant leur place au premier plan de la représentation artistique. Les représentations que Wiley fait des femmes noires en position d’autorité et de force défient les stéréotypes dominants qui les ont historiquement confinées à des rôles réducteurs. Ses portraits présentent ces femmes avec une prestance royale, parées de vêtements somptueux et entourées d’un symbolisme riche, invitant les spectateurs à remettre en question et à démanteler les idées préconçues qui leur sont imposées.

Faisant écho à ses portraits d'hommes, la mise en valeur de la beauté et de la complexité des sujets féminins noirs démantèle également l'idée d'une expérience noire monolithique. Chaque portrait devient une célébration de l'individualité, soulignant la diversité au sein de la féminité noire et défiant les limites étroites des attentes sociétales.

La vision et la pratique artistiques de Wiley dépassent largement les États-Unis. Alors qu'il a tissé des liens et noué des collaborations dans le monde entier, l'œuvre de Wiley est devenue une capsule éloquente de l'expérience Noire, retraçant la portée de la diaspora africaine et défiant les limites culturelles imposées par les histoires coloniales européennes.

Bien que d'origine nigériane par son père, le parcours artistique de Wiley est profondément influencé par ses expériences au Sénégal. Après avoir visité Dakar pour la première fois à 19 ans, ce lieu est devenu l'un des premiers sites de création pour sa série The World Stage Series, où il s'est immergé dans la scène artistique vibrante et s'est inspiré du riche patrimoine culturel du pays. En 2019, Wiley a établi sa résidence artistique Black Rock à Dakar, un projet inspiré de sa résidence au début de sa carrière à Harlem. La résidence est ouverte à tout artiste dont le travail est en lien avec l'Afrique, les anciens résidents — les Black Rock 40 — ayant organisé une exposition collective très médiatisée au centre culturel Douta Seck, dans le centre-ville de Dakar, l'année dernière.

La France a également joué un rôle essentiel dans le parcours artistique de Wiley, à la fois comme source d'inspiration et comme lieu d'exposition. Alors que sa série The World Stage: France explorait l'histoire coloniale de la France en Afrique, le Musée de l'Orangerie à Paris a accueilli une grande exposition de ses œuvres en 2022. Cette exposition présentait des pièces de sa série DOWN, qui s'est achevée en 2008 et constitue une série troublante de portraits et de sculptures de corps Noirs s'inspirant des formes picturales des guerriers et des saints déchus. Tout en perturbant le récit de l'art classique, cette série est également imprégnée d'un message déchirant sur la violence, la douleur et l'injustice infligées aux communautés Noires à travers l'histoire, ainsi que sur la perte individuelle qui en découle.

L'engagement mondial de Wiley s'étend au-delà de pays spécifiques, car il continue de collaborer avec des artistes, des institutions et des communautés du monde entier. Les grandes expositions de Wiley témoignent de son engagement à réimaginer et redéfinir la représentation Noire dans le contexte des traditions artistiques classiques. A New Republic (2015-2017) était une rétrospective marquante qui a circulé aux États-Unis, débutant au Brooklyn Museum, et comprenait plus de 60 œuvres où Wiley plaçait des sujets Noirs dans des poses habituellement réservées à la noblesse et au pouvoir européens, contestant ainsi les normes historiques du portrait.

Une autre série significative, The World Stage (2006-2014), a impliqué les voyages de Wiley dans des pays comme le Brésil, la Chine et Israël, où il a collaboré avec des populations locales pour créer des portraits hybrides culturellement qui combinaient l'histoire de l'art occidentale avec des motifs régionaux, célébrant à la fois les identités individuelles et la diversité culturelle. Son travail récent, An Archaeology of Silence (2022), présenté à la Biennale de Venise, explore les thèmes du traumatisme, du deuil et de la résilience à travers des représentations monumentales de figures Noires dans des poses inspirées des représentations classiques du sacrifice.

Par le biais d'expositions, d'installations publiques et de programmes de résidence, il est devenu un ambassadeur mondial de l'art contemporain et de la représentation Noire, favorisant les dialogues et les connexions qui transcendent les frontières.

Même si sa carrière artistique ne montre aucun signe de ralentissement, les 22 années de Wiley au premier plan de l'art contemporain lui ont déjà valu des accomplissements majeurs. De ses distinctions en tant que portraitiste présidentiel à son message immuable d'émancipation et de subversion, il compte parmi les artistes et penseurs les plus respectés de notre époque. Et à travers ses portraits envoûtants et ses installations publiques qui ont redéfini le paysage visuel et culturel américain, Wiley a laissé une empreinte indélébile.

Bien qu'il ait été influencé par les Maîtres anciens et les figures emblématiques de l'histoire de l'art, il serait inexact de considérer l'œuvre de Wiley comme une simple continuité. En s'appropriant le format d'une manière qui redéfinit les limites de la représentation, Wiley est allé plus loin. Selon les mots de sa contemporaine de Yale et artiste Mickalene Thomas : « Kehinde Wiley a maîtrisé les peintures de maîtres. »