Leigh Bowery au Tate Modern : Une célébration monumentale de la transgression et de la transformation

À une époque où la société britannique était rongée par l'homophobie et le conservatisme culturel, Bowery a fait de son corps un lieu de rébellion. Ses costumes élaborés, grotesques et d'une beauté saisissante – combinaisons dorées, masques de domination à paillettes, coiffes vertigineuses – confrontent le spectateur à un mélange de surréalisme de science-fiction et d'horreur-glamour inspirée du fétichisme. Par des proportions exagérées, des traits dissimulés et des éléments hypersexualisés ou androgynes, il a remis en question les idées conventionnelles de la beauté, du genre et de la bienséance. Ces tenues – présentées de manière spectaculaire au centre de l'exposition – évoquent la réaction viscérale qu'elles provoquaient jadis dans les clubs des années 1980, où la simple présence de Bowery était un acte de défi.

Pourtant, Bowery n'était pas qu'un simple spectacle ; il était un perturbateur des codes moraux. Ses performances, mêlant souvent humour et grotesque, forçaient le public à affronter les tabous entourant le corps queer, la maladie et l'érotisme. Il se délectait du choc, parfois au point de créer un malaise, simulant des fonctions corporelles sur scène ou se produisant à moitié nu en tenue fétichiste. Si son travail a trouvé un écho profond auprès d'une époque d'oppression queer, une partie de son répertoire était indéniablement immorale, allant de l'utilisation d'insultes raciales dans ses collections de vêtements à un usage bref mais inexcusable de blackface. L'exposition n'élude pas ces aspects problématiques, les contextualisant dans la quête de Bowery de repousser toutes les limites possibles tout en reconnaissant le tort causé par sa volonté de franchir la ligne.

Ce qui donne réellement vie à Bowery dans cette exposition, c'est la profusion de photographies, de films et d'éphémérides personnelles qui capturent sa présence hors normes. Sans eux, les vêtements seuls – bien qu'extraordinaires – n'auraient pas la pleine mesure de la personnalité infatigable de Bowery. L'exposition présente des photographies saisissantes de Nick Knight, des couvertures de magazines de The Face et de i-D, ainsi que des cartes postales intimes échangées avec des amis, dont l'artiste Trojan, dont l'œuvre est également présentée. Ces artefacts créent un sentiment d'intimité, plongeant le spectateur dans le cercle restreint de la scène underground londonienne des années 1980 et du début des années 90.

Mais ce sont les films qui insufflent le plus de souffle. Hail the New Puritan (1986) de Charles Atlas nous transporte dans le monde anarchique de la compagnie de danse de Michael Clark, où les costumes de Bowery transformaient le ballet en quelque chose de radical. Read Only Memory (1989) de John Maybury sert de capsule temporelle de l'énergie débordante de Bowery, tandis que des extraits de The Clothes Show nous rappellent comment il a infiltré les médias grand public. Plutôt que d'être submergé, le volume de matériel sert à renforcer l'étendue stupéfiante de l'influence de Bowery.

Bowery vivait selon l'éthique selon laquelle rien n'était interdit, cependant cette tendance à la transgressivité a parfois donné lieu à des provocations plus troublantes. Inspiré par son quartier dans le sud-est de Londres, Bowery s'est souvent approprié la mode sud-asiatique, ce qui non seulement déformait certains aspects de différentes cultures, mais était aggravé par sa décision de nommer l'une de ses collections avec une insulte raciale. L'exposition n'occulte pas ces détails plus sombres de la carrière de Bowery : ses performances d'inspiration nazie, censées critiquer l'autoritarisme, ont plutôt dévié vers une exploitation inconfortable, et sa brève incursion dans le blackface, bien qu'abandonnée par la suite suite aux critiques de ses amis, reste un aspect de son héritage qui ne doit pas être aseptisé.

Ces moments dépeignent le mythe de Bowery en tant que figure progressiste mais complexe. Oui, il a brisé les normes, mais il a aussi utilisé le choc pour le choc, parfois sans considérer le mal qu'il pouvait causer. L'exposition replace ces controverses dans le contexte plus large de la Grande-Bretagne des années 1980, où les tensions raciales et le sentiment anti-immigrés étaient endémiques. Cette exposition semble particulièrement importante aujourd'hui, car nombre de ces dialogues conservateurs autour de l'identité, de la morale et de la police de l'expression de soi refont surface. L'œuvre de Bowery, malgré tout son génie qui repousse les limites, n'était pas à l'abri des angles morts de son époque.

Leigh Bowery ! témoigne de l'ampleur réelle de son influence. De ses collaborations avec Lucian Freud – qui a peint Bowery à plusieurs reprises et a ainsi ancré sa présence dans le monde des beaux-arts – à son travail de stylisme pour le clip vidéo de 1990 Generations of Love, son impact s'est étendu au-delà des clubs, touchant la musique, la mode et l'art contemporain. Son club légendaire, Taboo, était à la fois un sanctuaire créatif pour les marginaux et un espace d'une exclusivité impitoyable. Sa politique de porte tristement célèbre demandait : « Vous laisseriez-vous entrer ? » – une question qui résonne dans l'exposition, où un grand miroir met les visiteurs au défi de confronter leur propre image sous le regard à la fois espiègle et brutal de Bowery.

Le groupe de Bowery, Minty, était une autre extension de sa vision artistique, avec des performances incluant des scènes de naissance simulées, des fluides corporels et un érotisme burlesque. Ces moments, documentés par des vidéos et des archives présentées sur grand écran dans l'exposition, saisissent le génie de Bowery à transformer la vie elle-même en performance. Comme le montre clairement l'exposition, son influence se reflète dans tout, des défilés d'Alexander McQueen à l'esthétique de RuPaul’s Drag Race.

Plus qu'une simple rétrospective, Leigh Bowery! est la résurrection triomphante, chaotique et parfois dérangeante d'un personnage qui a refusé toute catégorisation. L'exposition saisit l'énergie brute, l'humour noir, le choc et la splendeur de l'univers de Bowery. Elle ne cherche ni à le blanchir ni à le sensationnaliser, offrant plutôt un portrait complet d'un artiste qui vivait selon ses propres règles extrêmes. Le travail de Bowery portait sur la transformation — pas seulement celle des tissus et des formes, mais aussi celle de l'identité, de la perception et de l'être. Cette exposition fait ce que toutes les grandes rétrospectives devraient faire : elle ne se contente pas de présenter les œuvres d'un artiste, mais nous pousse à remettre en question nos propres limites, nos esthétiques et nos barrières personnelles.