Comment « Severance » utilise l'art pour communiquer le pouvoir, la propagande et la paranoïa

Loin d'être une source d'enrichissement, les œuvres de Lumon expriment un sentiment implicite d'horreur, servant d'outil de contrôle, d'endoctrinement et de manipulation psychologique. Au-delà de la sphère de l'entreprise, l'art que l'on trouve dans les maisons des personnages reflète également les identités fracturées et les réalités de ceux qui vivent sous l'influence de Lumon, offrant des indices visuels sur les tensions cachées qui existent au-dessus de l'Étage Segmenté.

À l'instar de l'utilisation de l'iconographie politique et religieuse dans notre propre monde, les choix artistiques de Lumon sont conçus pour façonner la perception. Les employés segmentés, n'ayant aucun souvenir de leur vie en dehors de l'entreprise, sont particulièrement vulnérables à cette forme de conditionnement visuel. Lorsque les seules images qu'ils voient divinisent Kier Eagan – le fondateur de Lumon – ou dépeignent leurs collègues comme des menaces potentielles, leur sens de la réalité est inévitablement déformé. Lorsque les employés de Lumon pénètrent sur leur lieu de travail, ils sont accueillis par un imposant bas-relief de Kier qui rappelle fortement les reliefs de l'ère soviétique représentant Lénine et Marx. De cette manière, l'art devient un garant silencieux de l'idéologie de Lumon, dominant son environnement et s'ancrant dans le subconscient de ceux qu'il cherche à contrôler.

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ATTENTION : DIVULGATION DE L'INTRIGUE

Kier vous invite à boire de Son eau

Dans l'ensemble de l'œuvre Severance, de nombreuses pièces s'inspirent explicitement du monde réel, mais l'une des imitations les plus fidèles est Kier vous invite à boire de Son eau, un parallèle évident avec Voyageur contemplant une mer de nuages de Caspar David Friedrich. Dans le tableau original de Friedrich, la figure solitaire se tient au sommet d'un pic, contemplant un paysage recouvert de brume. La scène est empreinte d'incertitude ; le chemin à suivre est obscurci et le voyageur tient un bâton de marche. En revanche, la version de Kier de cette image respire une confiance et une maîtrise absolues. Aucun bâton n'est nécessaire, et aucune brume n'obscurcit sa vue ; la terre devant lui est ouverte et luxuriante, évoquant un Éden intact. Là où Voyageur invite à l'introspection, Kier vous invite à boire de Son eau est une déclaration de domination.

Fait intéressant, le tableau original figurait également sur certaines éditions de Frankenstein de Mary Shelley, un roman qui explore l'hubris scientifique et la nature humaine. Ce lien ajoute une autre couche de signification à la réinterprétation de Kier, faisant écho intentionnellement aux transgressions éthiques des propres expérimentations de Lumon.

La sombre barbarie de l'optique et de la conception

Peu d'images dans Severance sont aussi marquantes que La sombre barbarie de l'optique et de la conception. Ce tableau d'une sauvagerie débridée représente les figures ensanglantées du Raffinement des Macro-données (RMD) et de l'Optique & Conception (O&C) engagées dans une lutte primale et macabre ; leurs visages sont tordus par la rage et l'un des personnages dévore le cœur d'un ennemi tombé. La composition du tableau s'inspire de diverses œuvres, dont : Les Philistins arrachant les yeux de Samson de Gioacchino Assereto, Judith décapitant Holopherne d'Artemisia Gentileschi et Le Supplice de Samson de Rembrandt. Le parallèle le plus évident semble être celui avec Saturne dévorant son fils (1820-3) de Francisco Goya, l'une des œuvres les plus tristement célèbres de sa série des Peintures noires. De la même manière que le chef-d'œuvre grotesque de Goya incarnait la paranoïa et la folie d'une société en déclin, La sombre barbarie canalise la cruauté calculée de Lumon Industries.

La composition elle-même renforce ce sentiment de chaos et d'horreur. Le mouvement frénétique, l'éclairage en clair-obscur rappelant Caravage et la brutalité pure de la scène représentée créent tous une atmosphère de terreur incessante. Par sa violence sans filtre, La sombre barbarie évoque les forces invisibles qui contrôlent les employés de Lumon. Tout comme Saturne dévorant son fils de Goya dépeint la terreur de Cronos à l'idée d'être renversé par sa propre progéniture, ce tableau reflète la peur de Kier face à ses employés – naïfs et dépendants comme des enfants – qui se soulèveraient contre lui.

Ce tableau fonctionne comme une arme psychologique brandie par Lumon pour manipuler et diviser sa main-d'œuvre. Différentes versions de La sombre barbarie existent, chacune modifiée pour montrer différents agresseurs portant des lanières spécifiques à leur département et garantissant que chaque équipe se voie comme la victime potentielle de ses collègues. Cette manipulation se concrétise lorsque les employés séparés découvrent le tableau intitulé La calamité du Raffinement des Macro-données. En instillant la peur et la méfiance, ces œuvres empêchent les employés séparés d'envisager la solidarité ou la rébellion.

Kier Maîtrisant les Quatre Humeurs

Kier Taming the Four Tempers s’impose comme un sermon visuel et une directive psychologique. Dans cette peinture, Kier Eagan est représenté comme une figure imposante brandissant un fouet alors qu’il soumet quatre aspects personnifiés de l’émotion humaine : le Chagrin, la Malice, la Joie et la Terreur, que nous voyons s’incarner lors de la fête de Dylan avec des gaufres lors de la saison 1. Chacune de ces humeurs représente une facette du psychisme humain, et leur soumission forcée élève Kier au-delà du simple chef d’entreprise pour en faire un maître omnipotent de la nature humaine elle-même.

L’imagerie s’inspire de l’art religieux de la Renaissance et du Baroque, en particulier de représentations telles que Le Christ chassant les marchands du Temple du Gréco (vers 1600) et la réinterprétation de la même scène par Valentin de Boulogne. L’influence directe d’artistes comme El Greco et Valentin de Boulogne est manifeste dans l’éclairage dramatique, les figures allongées et le fait que Kier brandisse un fouet à neuf queues (cat-o’-nine-tails), un geste qui lui confère un air d’autorité divine. Cependant, là où l’acte du Christ dans ces œuvres classiques est présenté comme un acte de purification morale, celui de Kier est un acte de contrôle totalitaire. Le fouet, souvent un symbole de discipline ou de purification dans l’iconographie religieuse, prend ici une signification plus sinistre en tant qu’arme de subjugation.

Les quatre humeurs sont rendues avec une agonie exagérée, leurs corps torturés se tordant sous la domination de Kier. Le Chagrin tend la main comme pour implorer la clémence, la Malice semble défiante même dans la défaite, et la Joie est forcée à la soumission, signifiant que même le plaisir doit être maîtrisé. Pendant ce temps, la Terreur est représentée sous la forme d’un bélier ou d’une chèvre, un choix lourd de symbolisme. L’image de la chèvre sabbatique, souvent associée au démon Baphomet, suggère la représentation du mal en train d’être maîtrisé. Néanmoins, si la figure est plutôt un bélier, cela pourrait aussi correspondre davantage à la mythologie visée par Kier. Connus pour leur entêtement, les béliers sont des symboles naturels de résistance et de domination, mais ici la créature se recroqueville devant Kier, sa force réduite à l'impuissance sous son autorité. Cette transformation renforce l'idée que toute opposition à la vision de Kier est futile. De plus, les béliers restent des moutons, des animaux longtemps associés à la nécessité d'être guidés. Tout comme le Christ est souvent dépeint comme le berger menant son troupeau, Kier se positionne comme le souverain éclairé, seule figure capable d'apporter l'ordre au chaos. Le fouet à sa main n'est pas seulement un outil de discipline, mais un symbole de commandement divin, garantissant que même les disciples les plus têtus se soumettent à son règne.

Ce récit visuel souligne la croyance fondamentale de l'entreprise selon laquelle les pulsions humaines sont des faiblesses à dompter. Tout comme Kier est montré en train de briser l’esprit des Quatre Humeurs, les employés ciselés doivent, eux aussi, se défaire de leur moi intérieur. Dans ce monde, l’individualité est un ennemi à conquérir. La peinture rappelle que le véritable contrôle ne réside pas seulement dans l'obéissance, mais dans la refonte même de la nature de ceux qui servent.

Le triptyque derrière le bureau de Cobel

Dominant l'espace derrière le bureau d'Harmony Cobel, le triptyque impose une présence menaçante à chaque conversation dans son bureau. S'étalant sur trois panneaux, la peinture se déploie comme une prophétie visuelle, une tempête qui migre vers un crescendo de chaos. Bien qu'il ne fasse pas directement référence à une œuvre historique unique, sa structure rappelle les triptyques classiques, traditionnellement utilisés dans les retables religieux pour dépeindre de grands récits moraux tels que la création, la chute et le jugement. Ici, les panneaux racontent une histoire de tension croissante et d'effondrement inévitable.

Le premier panneau est trompeusement serein. Le ciel est lourd d'une immobilité contre-nature, un moment de calme avant l'inévitable. Cela reflète les premiers épisodes de la série, où Cobel est posée, méticuleuse et totalement maîtresse du système qu'elle supervise. Dans le deuxième panneau, le mouvement apparaît avec des nuages qui s'agitent et une tempête qui se forme, mais qui n'a pas encore éclaté. C'est là que les fissures commencent à apparaître dans l'autorité rigide de Cobel alors qu'elle fait face aux perturbations causées par la réintégration de Petey et la défiance d'Helly, mais elle croit pouvoir contenir la situation. Puis, dans le panneau final, toute retenue est perdue ; la tempête atteint son paroxysme violent et le contrôle est brisé. Cela reflète l'arc narratif de Cobel tout au long de Severance, alors que son autorité se désagrège et finit par s'effondrer, et qu'à la saison 2, elle n'est plus la gestionnaire de l'étage des « sévérés ».

Des tableaux recanonisés dans un souci d'inclusion

Dans la deuxième saison de Severance, Lumon porte sa culture d'entreprise performative à un niveau supérieur lorsque Milchick se voit offrir en « cadeau » des portraits revisités de Kier Eagan, dans lesquels le fondateur de l'entreprise est représenté comme étant noir. L'intention derrière ces tableaux modifiés est de tenter de faire en sorte que Milchick, l'un des rares employés noirs que nous voyons dans la hiérarchie interne de Lumon, se sente « inclus » dans l'histoire de l'entreprise. Cependant, loin d'être un acte de représentation, ce geste est une parodie grotesque et insensible de l'inclusivité, exposant le détachement fondamental de l'entreprise vis-à-vis de la diversité et de l'égalité réelles.

L'expression même de « recanonisation dans un souci d'inclusion » souligne l'absurdité de l'entreprise. Plutôt que d'offrir à Milchick une reconnaissance significative, Lumon réécrit littéralement l'histoire, comme si la représentation pouvait être fabriquée rétroactivement par une imagerie révisionniste. Cet acte rappelle les initiatives de diversité d'entreprise qui privilégient l'image à la substance, utilisant des gestes superficiels pour masquer l'absence de véritable changement structurel. Cette manœuvre transforme ce qui aurait pu être un moment d'inclusion authentique en une sinistre démonstration de blackface d'entreprise, où l'histoire elle-même est remodelée pour s'adapter au récit fabriqué par la société. La réaction de Milchick est révélatrice ; même l'employé modèle ultime est momentanément abasourdi par l'absurdité pure et simple des tableaux. Son silence à ce moment traduit une prise de conscience tacite que la vision que Lumon a de lui, malgré sa loyauté, est aussi performative que leurs efforts en matière de diversité.

La Victoire Exaltée de Cold Harbor

Révélée dans le final de la saison 2 de Severance, La Victoire Exaltée de Cold Harbor sert à la fois de déclaration et d'avertissement. Grandiose et d'un ton militant, cette nouvelle peinture est la première chose que les Innies voient en sortant de l'ascenseur. À l'instar des tableaux de Kier réimaginés qui tapissent les couloirs de l'entreprise, elle déforme la réalité en mythe, remodelant le rôle de Mark dans l'achèvement de Cold Harbor en quelque chose de prédestiné. Alliés, adversaires et victimes sont liés ensemble dans la composition, tissés dans un récit auquel on ne peut échapper.

En son centre, Mark flotte dans les eaux glacées de Woe’s Hollow, la main levée pour frapper la dernière touche. Le cadre lui-même est significatif ; Woe’s Hollow est profondément enraciné dans la doctrine de Kier, un lieu de jugement et de transcendance. En plaçant Mark ici, il devient un instrument de la vision de Lumon, ses actions sanctifiées par le mythe de l'entreprise.

Autour de lui se trouve un ensemble savamment agencé. À gauche se tiennent les membres de MDR : Irving, Helly, Dylan et Petey. Bien que chacun ait défié Lumon à sa manière, la peinture ne les dépeint pas comme des rebelles. Ils sont plutôt présentés comme les alliés de droite de Mark, essentiels à sa « victoire ». Même les actes de désobéissance peuvent être réaffectés, et le message est clair : l'histoire appartient à ceux qui contrôlent son récit. Devon se tient à l'écart, son corps subtilement détourné, un rejet silencieux mais puissant de la vision que présente la peinture. Ricken est également présent ; son influence a été déterminante dans l'éveil de Mark, mais ici Lumon l'absorbe dans sa version des faits. En arrière-plan, d'autres figures émergent : Harmony Cobel, Mark W., Gwendolyn Y. et Dario R. – des victimes du système.

À droite, la peinture retrouve sa structure. C'est le domaine de la loyauté, des figures qui renforcent la hiérarchie que Lumon cherche à préserver, notamment M. Milchick et Natalie. La proximité de Mme Casey avec Mark est la plus frappante ; sa présence à la fois intime et tragique, et ici elle est représentée comme si elle avait sa place à ses côtés. Au-dessus de toutes ces figures, les Eagan règnent ; élevés en figures divines qui renforcent la doctrine de Lumon selon laquelle eux seuls dictent le cours de l'histoire.

La Victoire Exaltée de Cold Harbor est une affirmation de contrôle. Elle recadre les actions de Mark comme une destinée, s'assurant que même la désobéissance est intégrée à l'héritage de Lumon.

Les œuvres d'art dans la maison de Devon et Ricken

Un tableau en particulier, situé dans le couloir de Devon et Ricken, et bien en évidence derrière Devon lors de deux conversations clés avec Mark, attire l’attention. Il représente une femme vêtue d’une robe claire pastel et portant un chapeau, qui regarde au loin, tandis qu’un homme barbu en costume blanc et chapeau se tient les bras croisés, le regard baissé. L’arrière-plan est ambigu, laissant peut-être entrevoir d'autres figures et une balustrade contre laquelle ils semblent s'appuyer.

Le tableau s’inspire des « Filles sur le pont » d’Edvard Munch, une œuvre célèbre pour son caractère onirique et ses sous-tons mélancoliques. La femme dans le tableau de Severance ressemble fortement à deux des figures féminines de l'œuvre de Munch, tandis que l’homme en blanc pourrait être une réinterprétation masculine de la troisième fille. Dans le contexte du foyer de Devon et Ricken, cette œuvre prend une signification intrigante. Alors que Ricken s'entoure d'images qui renforcent son propre ego, cette pièce est introspective et notablement dépourvue de sa présence. Les échos de l'art de Munch, avec sa préoccupation pour l'anxiété existentielle et l'ambiguïté, suggèrent que sous la surface idyllique de leur maison, des incertitudes plus profondes persistent.

Les tableaux de Severance renforcent implicitement la domination plus explicite exercée par Lumon. Ils endoctrinent, intimident et trompent en donnant à la philosophie de Lumon un air de légitimité. Comme toutes les grandes œuvres, ils racontent une histoire, mais dans ce cas, c'est une histoire de contrôle, de peur et d'une mythologie soigneusement orchestrée, conçue pour maintenir les personnes séparés sous contrôle.