Loin d'être une source d'enrichissement, les œuvres présentes chez Lumon distillent un sentiment d'horreur implicite, agissant comme un instrument de contrôle, d'endoctrinement et de manipulation psychologique. Au-delà de la sphère corporative, les œuvres d'art présentes dans les domiciles des personnages reflètent davantage les identités et les réalités fragmentées de ceux qui vivent sous l'influence de Lumon, offrant des indices visuels sur les tensions latentes qui subsistent au-dessus de l'étage de la dissociation (« Severed Floor »).
À l'instar de l'utilisation de l'iconographie politique et religieuse dans notre propre monde, les choix artistiques de Lumon sont conçus pour façonner la perception. Les employés dissociés, dépourvus de tout souvenir de leur vie extérieure, sont particulièrement vulnérables à cette forme de conditionnement visuel. Lorsque les seules images qu'ils perçoivent divinisent Kier Eagan — le fondateur de Lumon — ou dépeignent leurs collègues comme des menaces potentielles, leur sens de la réalité s'en trouve inévitablement altéré. En pénétrant sur leur lieu de travail, les employés de Lumon sont confrontés à un impressionnant bas-relief de Kier, qui rappelle étrangement les reliefs de l'ère soviétique à l'effigie de Lénine et de Marx. De cette manière, l'art devient un vecteur silencieux de l'idéologie de Lumon, dominant son environnement et s'inscrivant dans le subconscient de ceux qu'il cherche à asservir.
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Au cœur de Lumon
L'art de l'optique et du design
Les œuvres produites par le département Optics and Design (O&D) de Lumon font office d'outils d'endoctrinement essentiels, conçus pour modeler la perception et les croyances des employés « séparés ». Ces pièces, aux représentations souvent grandioses et empreintes de déférence envers Kier Eagan, transforment le fondateur de l'entreprise en une figure quasi mythologique. L'acte de création lui-même s'inscrit dans le processus de conditionnement, renforçant la loyauté par la participation. En concevant physiquement l'imagerie qui glorifie Kier, les employés du département O&D ne se contentent pas de consommer de la propagande, ils la fabriquent, assurant ainsi une omniprésence constante de son image.
« Kier Invites You to Drink of His Water »
Tout au long de Severance, de nombreuses œuvres s'inspirent explicitement du monde réel, mais l'une des imitations les plus fidèles est « Kier Invites You to Drink of His Water », un parallèle évident avec le tableau Le Voyageur contemplant une mer de nuages de Caspar David Friedrich. Dans l'œuvre originale de Friedrich, une figure solitaire se tient au sommet d'un pic, observant un paysage recouvert de brume. La scène est empreinte d'incertitude ; le chemin est obscurci et le voyageur est muni d'une canne. À l'inverse, la version de Kier dégage une assurance et une maîtrise absolues. Nulle canne n'est nécessaire, aucun brouillard n'entrave sa vision ; le territoire qui s'étend devant lui est vaste et luxuriant, évoquant un éden intact. Là où le « Voyageur » invite à l'introspection, « Kier Invites You to Drink of His Water » s'affirme comme une déclaration de domination.
Il est intéressant de noter que la peinture originale a également figuré sur certaines éditions de « Frankenstein » de Mary Shelley, un roman qui explore l'hubris scientifique et la nature humaine. Ce rapprochement confère une dimension supplémentaire à la réinterprétation de Kier, devenant un parallèle intentionnel avec les transgressions éthiques liées aux expérimentations de Lumon.
The Grim Barbarity of Optics and Design
Peu d'images dans Severance sont aussi marquantes que « The Grim Barbarity of Optics and Design ». Tableau d'une sauvagerie sans retenue, il dépeint les silhouettes ensanglantées des départements Macrodata Refinement (MDR) et O&D engagées dans une lutte primaire et atroce ; leurs visages sont tordus par la rage, et l'une des figures dévore le cœur d'un ennemi terrassé. La composition de l'œuvre puise son inspiration dans diverses sources, notamment « Samson trahi par Dalila » de Gioacchino Assereto, « Judith décapitant Holopherne » d'Artemisia Gentileschi et « L'Aveuglement de Samson » de Rembrandt. Le parallèle le plus explicite semble être celui avec « Saturne dévorant son fils » (1820-1823) de Francisco Goya, l'une des œuvres les plus tristement célèbres de sa série des « Peintures noires ». Tout comme le chef-d'œuvre grotesque de Goya incarnait la paranoïa et la folie d'une société en déliquescence, « The Grim Barbarity » canalise la cruauté calculée de Lumon Industries.
La composition elle-même renforce ce sentiment de chaos et d'horreur. Le mouvement frénétique, le travail de clair-obscur rappelant Caravage et la brutalité pure de la scène représentée créent une atmosphère d'effroi implacable. Par sa violence brute, « The Grim Barbarity » témoigne des forces invisibles qui contrôlent les employés de Lumon. À l'instar de « Saturne dévorant son fils » de Goya, qui dépeint la terreur de Cronos face à la perspective d'être renversé par sa propre progéniture, cette peinture reflète la peur qu'éprouve Kier à l'idée que ses employés — naïfs et dépendants comme des enfants — se soulèvent contre lui.
Cette œuvre agit comme une arme psychologique utilisée par Lumon pour manipuler et diviser ses effectifs. Il existe différentes versions de « The Grim Barbarity », chacune altérée pour présenter des agresseurs différents portant les cordons d'identification propres à chaque département, garantissant ainsi que chaque équipe se perçoive comme la victime potentielle de ses collègues. Cette manipulation est mise en lumière par les employés « séparés » lors de la découverte de la peinture « The Macrodata Refinement Calamity ». En cultivant la peur et la méfiance, ces œuvres empêchent les employés séparés de jamais envisager la solidarité ou la rébellion.
Kier Taming the Four Tempers
« Kier Taming the Four Tempers » s'impose à la fois comme un sermon visuel et une directive psychologique. Sur cette œuvre, Kier Eagan est représenté en figure imposante, maniant un fouet pour dompter quatre aspects personnifiés de l'émotion humaine : le Chagrin (Woe), la Malveillance (Malice), l'Allégresse (Frolic) et l'Effroi (Dread), que nous voyons incarnés lors de la « waffle party » de Dylan dans la première saison. Chacun de ces tempéraments représente une facette de la psyché humaine, et leur soumission forcée élève Kier au-delà du simple rôle de chef d'entreprise pour en faire un maître omnipotent de la nature humaine elle-même.
L'imagerie s'inspire de l'art religieux de la Renaissance et du Baroque, en particulier de représentations telles que « Le Christ chassant les marchands du Temple » (vers 1600) d'El Greco et de la version du même sujet par Valentin de Boulogne. L'influence directe d'artistes comme El Greco et Valentin de Boulogne est manifeste dans le jeu de lumière dramatique, les figures allongées et la manière dont Kier manie le martinet, un geste qui lui confère une aura d'autorité divine. Cependant, là où l'acte du Christ dans ces œuvres classiques est interprété comme une purification morale, celui de Kier s'inscrit dans un contrôle totalitaire. Le fouet, symbole fréquent de discipline ou de purification dans l'iconographie religieuse, revêt ici un sens plus sinistre, celui d'une arme de sujétion.
Les quatre tempéraments sont rendus avec une agonie exagérée, leurs corps contorsionnés se tordant sous la domination de Kier. Le Chagrin tend la main comme pour implorer la clémence, la Malveillance semble provocatrice même dans la défaite, et l'Allégresse est contrainte à la soumission, signifiant que même le plaisir doit être contrôlé. Pendant ce temps, l'Effroi est dépeint sous les traits d'un bélier ou d'un bouc, un choix lourd de poids symbolique. L'image du bouc sabbatique, souvent associé au démon Baphomet, suggère la représentation d'un mal qui est terrassé. Néanmoins, si la figure est un bélier, cela pourrait davantage s'accorder avec la mythologie voulue par Kier. Connus pour leur obstination, les béliers sont des symboles naturels de résistance et de domination ; pourtant, ici, la créature se prosterne devant Kier, sa force réduite à l'impuissance sous son autorité. Cette transformation renforce l'idée que toute opposition à la vision de Kier est vaine. De plus, les béliers restent des ovins, animaux longtemps associés à la nécessité d'être guidés. Tout comme le Christ est souvent représenté en berger guidant son troupeau, Kier se positionne en souverain éclairé, seule figure capable d'ordonner le chaos. Le fouet qu'il tient n'est pas seulement un outil de discipline, mais le symbole d'un commandement divin, garantissant que même les plus indociles se soumettent à sa loi.
Ce récit visuel renforce la conviction fondamentale de l'entreprise selon laquelle les impulsions humaines sont des faiblesses à dompter. Tout comme Kier est représenté brisant l'esprit des Quatre Tempéraments, les employés « scindés » doivent eux aussi abandonner leur moi profond. Dans cet univers, l'individualité est une ennemie à vaincre. L'œuvre demeure un rappel que le véritable contrôle ne consiste pas simplement à obtenir l'obéissance, mais à remodeler la nature même de ceux qui servent.
Le triptyque derrière le bureau de Cobel
Dominant l'espace derrière le bureau de Harmony Cobel, le triptyque impose une présence qui pèse sur chaque conversation dans son bureau. Déployée sur trois panneaux, l'œuvre se déploie telle une prophétie visuelle, une tempête migrant vers un crescendo de chaos. Bien qu'elle ne fasse pas directement référence à une œuvre historique précise, sa structure rappelle celle des triptyques classiques, traditionnellement utilisés dans les retables religieux pour illustrer de grands récits moraux tels que la création, la chute et le jugement. Ici, les panneaux racontent une histoire de tension croissante et d'effondrement inévitable.
Le premier panneau est faussement serein. Le ciel est lourd d'une immobilité contre-nature, un moment de calme avant l'inéluctable. Cela reflète les premiers épisodes de la série, où Cobel est composée, méticuleuse et parfaitement maître du système qu'elle supervise. Dans le second panneau, le mouvement s'amorce avec des nuages qui s'agitent et une tempête qui se forme sans encore éclater. C'est le moment où des failles commencent à apparaître dans l'autorité rigide de Cobel, confrontée aux perturbations causées par la réintégration de Petey et la défiance d'Helly, bien qu'elle croie encore pouvoir contenir la situation. Puis, dans le panneau final, toute retenue disparaît ; la tempête atteint son apogée violent et le contrôle vole en éclats. Ce triptyque fait écho à l'arc narratif de Cobel tout au long de Severance, alors que son autorité se délite pour finalement s'effondrer ; à l'aube de la saison 2, elle n'est plus la responsable de l'étage des « severed ».
Peintures « inclusivement recanonisées »
Dans la deuxième saison de Severance, Lumon pousse sa culture d'entreprise performative à un niveau supérieur lorsque Milchick reçoit un « cadeau » : des portraits réimaginés de Kier Eagan où le fondateur de la société est représenté en homme noir. L'intention derrière ces peintures altérées est de tenter de faire en sorte que Milchick, l'un des rares employés noirs que nous voyons dans la hiérarchie interne de Lumon, se sente « inclus » dans l'histoire de l'entreprise. Mais loin d'être un acte de représentation, ce geste est une parodie grotesque et totalement déconnectée de l'inclusivité, exposant le détachement fondamental de l'entreprise vis-à-vis de la diversité et de l'égalité réelles.
Le terme même d'« inclusivement recanonisées » souligne l'absurdité de la démarche. Plutôt que d'offrir à Milchick une reconnaissance significative, Lumon réécrit littéralement l'histoire, comme si la représentation pouvait être fabriquée rétroactivement par le biais d'une imagerie révisionniste. L'acte rappelle ces initiatives de diversité en entreprise qui privilégient l'image au détriment du fond, utilisant des gestes superficiels pour masquer l'absence de changement structurel réel. Cette manœuvre transforme ce qui aurait pu être un moment d'inclusion authentique en une sinistre démonstration de « blackface » d'entreprise, où l'histoire elle-même est remodelée pour correspondre au récit fabriqué par la société. La réaction de Milchick est révélatrice ; même le plus dévoué des employés est momentanément stupéfait par l'absurdité pure de ces peintures. Son silence à cet instant témoigne d'une prise de conscience tacite : le regard que Lumon porte sur lui, malgré sa loyauté, est tout aussi performatif que ses efforts en matière de diversité.
L'Exaltation victorieuse de Cold Harbor
Dévoilée dans l'épisode final de la saison 2 de Severance, L'Exaltation victorieuse de Cold Harbor fait office de manifeste et d'avertissement. D'une tonalité grandiose et militante, cette nouvelle œuvre est la première chose que les « Innies » découvrent en sortant de l'ascenseur. À l'instar des tableaux réimaginés de Kier qui ornent les couloirs de la société, elle distord la réalité pour en faire un mythe, transformant le rôle de Mark dans l'achèvement de Cold Harbor en une destinée toute tracée. Alliés, adversaires et victimes sont inextricablement liés dans cette composition, tissés au sein d'une narration inéluctable.
Au centre, Mark flotte dans les eaux glacées de Woe’s Hollow, la main levée pour frapper la touche finale. Le cadre lui-même est majeur ; Woe’s Hollow est profondément enraciné dans la doctrine de Kier, un lieu à la fois de règlement de comptes et de transcendance. En y plaçant Mark, l'œuvre fait de lui un instrument de la vision de Lumon, sanctifiant ses actes par le mythe de l'entreprise.
Autour de lui se déploie un ensemble soigneusement agencé. À gauche se trouvent les membres du MDR : Irving, Helly, Dylan et Petey. Bien que chacun ait défié Lumon à sa manière, la peinture ne les dépeint pas comme des rebelles. Ils sont au contraire présentés comme les alliés de confiance de Mark, essentiels à sa « victoire ». Même les actes de rébellion peuvent être détournés, et le message est clair : l'histoire appartient à ceux qui en contrôlent le récit. Devon se tient à l'écart, son corps subtilement détourné, marquant un refus silencieux mais puissant de la vision proposée par le tableau. Ricken est également présent ; bien que son influence ait été déterminante dans l'éveil de Mark, Lumon l'absorbe ici dans sa propre version des faits. En arrière-plan, d'autres figures émergent : Harmony Cobel, Mark W., Gwendolyn Y. et Dario R. – autant de victimes du système.
Sur la droite, la peinture retrouve sa structure. C'est le domaine de la loyauté, celui des figures qui renforcent la hiérarchie que Lumon s'efforce de préserver, notamment M. Milchick et Natalie. La proximité de Mme Casey avec Mark est l'élément le plus saisissant ; sa présence, à la fois intime et tragique, est ici dépeinte comme si elle avait sa place à ses côtés. Au-dessus de ces personnages, les Eagan président à la scène ; élevés au rang de figures divines, ils renforcent la doctrine de Lumon selon laquelle ils sont les seuls à dicter le cours de l'histoire.
L'Exaltation victorieuse de Cold Harbor est une affirmation de contrôle. Elle transforme les actes de Mark en destin, s'assurant que même la dissidence soit intégrée à l'héritage de Lumon.
En dehors de Lumon
Le foyer de Burt et Fields
Les peintures ornant la demeure de Burt et Fields revêtent un intérêt particulier ; elles reflètent non seulement leur relation personnelle, mais font également écho aux thématiques majeures de Severance. Dans leur cuisine est suspendue l'œuvre « Agnello Clown » (1949), signée Robert Springfels. Elle représente une silhouette arborant un masque de clown, les bras croisés dans un geste d'autoprotection ou de détachement. Le clown est, de longue date, un symbole de tromperie et de dualité, et le masque suggère l'identité dissimulée d'un individu contraint de jouer un rôle tout en occultant sa véritable nature. Cette imagerie résonne avec la condition des « severed » (employés sectionnés), piégés dans une personnalité artificielle, incapables de concilier leur existence fragmentée. Par ailleurs, elle pourrait suggérer une forme de duplicité chez Burt, offrant un indice inquiétant sur ses intentions réelles vis-à-vis d'Irving. Le titre, Agnello, signifiant « Agneau de Dieu », évoque les thèmes du sacrifice et de la soumission, renforçant l'idée que les « Innies » sont prisonniers de leur propre corps, subissant un destin imposé par des forces qui les dépassent.
Pour renforcer davantage ce thème du déplacement, une seconde peinture, située dans leur couloir, représente une jeune fille de l'époque victorienne à côté d'un parcmètre moderne. La juxtaposition de vêtements d'époque et d'infrastructures urbaines contemporaines crée une contradiction visuelle, rappelant celle des « Innies », qui évoluent dans un environnement anachronique et surréaliste, fondamentalement en décalage avec la réalité. Cette œuvre évoque un sentiment d'isolement, comme si la jeune fille — à l'instar des employés de Lumon — avait été placée dans un monde qui ne lui appartient pas.
Au-dessus de leur table à manger se trouve une autre peinture de Springfels, « The Matriarch ». Nombre d'œuvres de Springfels possèdent une qualité dérangeante, mêlant souvent figures historiques et éléments modernes ou étranges, à l'image de Severance lui-même, où le passé et le présent — tout comme la sphère personnelle et le monde de l'entreprise — se confondent de manière troublante.
L'art dans le foyer de Devon et Ricken
Une peinture en particulier dans le couloir de Devon et Ricken, placée bien en vue derrière Devon lors de deux échanges clés avec Mark, attire l'attention. Elle représente une femme en robe et chapeau pastel clair contemplant l'horizon, tandis qu'un homme barbu en costume et chapeau blancs se tient les bras croisés, le regard dirigé vers le sol. L'arrière-plan est ambigu et semble suggérer la présence d'autres silhouettes et d'une rambarde sur laquelle les personnages paraissent s'appuyer.
Cette œuvre s'inspire du tableau « Edvard Munch », Jeunes filles sur le pont, célèbre pour sa qualité onirique et ses nuances mélancoliques. La femme présente dans la peinture de Severance rappelle fortement deux des figures féminines de l'œuvre de Munch, tandis que l'homme en blanc pourrait constituer une réinterprétation masculine de la troisième jeune fille. Dans le contexte du foyer de Devon et Ricken, cette peinture revêt une signification intrigante. Alors que Ricken s'entoure d'images renforçant son propre ego, cette pièce est introspective et notablement dénuée de sa présence. Les résonances avec l'art de Munch, marqué par une préoccupation pour l'angoisse existentielle et l'ambiguïté, suggèrent que sous la surface idyllique de leur intérieur subsistent des incertitudes plus profondes.
Les œuvres présentes dans Severance renforcent implicitement la domination plus explicite exercée par Lumon. Elles endoctrinent, intimident et trompent en conférant à la philosophie de Lumon une aura de légitimité. Comme toute grande œuvre d'art, elles racontent une histoire, mais il s'agit ici d'une histoire de contrôle, de peur et d'une mythologie soigneusement orchestrée, conçue pour maintenir les employés « sectionnés » sous tutelle.
