Grace Jones : Muse et Icône de l'Avant-Garde

Jones est née en 1948 en Jamaïque, avant de déménager avec sa famille à Syracuse, New York. Sa jeunesse fut marquée par une éducation religieuse stricte, qu'elle crédita plus tard comme une influence majeure sur son personnage rebelle. Les années de formation de Jones furent synonymes de répression, un contraste frappant avec le caractère flamboyant qu'elle allait devenir, préparant ainsi le terrain pour sa transformation ultérieure en icône avant-gardiste.

Jones a commencé sa carrière comme mannequin dans les années 1970, se distinguant rapidement par son allure androgyne et saisissante qui remettait en question les canons de beauté de l'époque. Sa carrière de mannequin l'a menée à Paris, où elle est devenue une muse pour des créateurs comme Yves St. Laurent et des photographes tels que Helmut Newton. Son look distinctif et sa personnalité intrépide capturaient l'essence de l'avant-garde, faisant rapidement d'elle une figure incontournable des cercles élites de la mode et de l'art. Durant la fin des années 1970 et les années 1980, Jones s'est tournée vers la musique et le cinéma, refusant d'être cantonnée à une seule forme artistique. Sa musique, fusion audacieuse de reggae, de funk et de new wave, reflétait son style éclectique et peu conventionnel. Des albums comme Slave to the Rhythm ont été acclamés par la critique, la présentant comme une artiste sans peur qui transcendait les genres. Elle a également marqué le cinéma, avec des rôles dans des films comme le James Bond A View to a Kill, où sa présence imposante et son style visuel unique étaient indéniables.

Le charme de Jones a traversé les générations, et elle demeure un symbole de créativité et d'indépendance farouche. Son influence est visible dans le travail de nombreux artistes contemporains et créateurs de mode, qui puisent leur inspiration dans sa capacité à se réinventer constamment tout en restant fidèle à elle-même. Au XXIe siècle, elle continue de se produire, démontrant son aptitude durable à captiver le public grâce à son personnage magnétique.

L'image de Jones a souvent été qualifiée de « néo-cubiste », un terme qui capture parfaitement les lignes anguleuses et les formes géométriques devenues synonymes de son style. Sa capacité à évoquer une œuvre d'art moderne vivante – surtout à une époque auparavant dominée par des canons de beauté plus conventionnellement féminins – était révolutionnaire. La taille imposante de Jones, 179 cm, et son allure androgyne très marquée ont défié et redéfini les normes sociétales de la beauté et de la féminité. Jones est devenue une icône dans les années 1980, une période d'expression de soi et d'exploration vibrantes dans la mode et l'identité. Ses vêtements carrés et structurés, avec des épaulettes marquées, et sa manière unique de se comporter ont joué un rôle majeur dans l'influence du mouvement travesti de cette époque. Jones transformait les vêtements en déclarations d'affirmation de soi, tout en estompant les frontières entre les esthétiques de la mode masculine et féminine. Son impact a été profond, touchant non seulement l'industrie de la mode, mais aussi le discours culturel plus large sur le genre et l'identité.

L'aspect visuel de l'œuvre de Jones, qui suscite toujours une admiration générale, est en grande partie le résultat de sa collaboration avec l'illustrateur, photographe et graphiste français Jean-Paul Goude. Leur partenariat était une fusion de visions artistiques : l'approche avant-gardiste de Goude en matière d'art visuel complétait l'inclination naturelle de Jones pour l'inhabituel. Ensemble, ils ont créé certaines des images les plus emblématiques de la culture contemporaine, des images qui continuent d'influencer la mode et la photographie.

Au-delà de son apparence unique, la musique de Jones a également inspiré une multitude d'artistes dans divers genres. Son influence s'étend à de grandes icônes de la pop comme Madonna, Björk, Beyoncé, Annie Lennox, Lorde et Lady Gaga – chacune ayant intégré des éléments du style et de la personnalité de Jones dans ses propres performances et son image publique. Le dénominateur commun chez toutes ces artistes est un sens de l'expression de soi sans peur et une démarche artistique qui repousse les limites, des caractéristiques propres à Jones. En remettant en question les normes et en défendant un style singulier qui mariait l'art et la mode, Jones a ouvert des portes pour que les générations futures d'artistes puissent s'explorer et s'exprimer sans entraves. Son héritage dans les mondes de l'art, de la mode et de la musique témoigne du pouvoir de l'individualité et de l'attrait durable de la créativité avant-gardiste.

Jones a rencontré Andy Warhol pour la première fois au milieu des années 1970, bien que les circonstances exactes leur échappent. Unis par des amis communs et une passion partagée pour l'avant-garde, leur rencontre marque le début d'une amitié significative et durable. Grace Jones a résumé l'essence de cette connexion dans ses mémoires avec une déclaration simple mais profonde : « Une minute, vous ne le connaissez pas, et la suivante, si. » Tous deux étaient réputés pour leur amour des personnalités flamboyantes, des styles de vie exubérants et des œuvres révolutionnaires. En 1978, Ronald Galella a capturé une photo mémorable du duo à la soirée de première de *Grease* au Studio 54. En 1983, Warhol note lui avoir fait un discours sur la nécessité d'être « plus normale ». Leur collaboration artistique a commencé en 1984, avec Warhol la photographiant pour Vogue et pour la couverture du magazine Interview. Warhol, dans son journal, a noté avec amusement que Jones était en retard de manière significative pour leur rendez-vous, la retrouvant finalement en plein déballage d'une séance de folie shopping de manteaux de fourrure de luxe. Une photo de cette séance a été transformée plus tard en la photographie surpiquée de Jones par Warhol, aujourd'hui dans la collection de la Tate, tandis qu'une autre image ornait la couverture du numéro d'octobre 1984 d'Interview.

L'année 1986 marque un sommet dans leur amitié. À cette époque, Jones était une superstar, forte de plusieurs albums et rôles au cinéma. Bien que Warhol l'ait immortalisée dans de multiples sérigraphies et photographies durant cette période, leur amitié n'était pas confinée à la toile ou au studio ; c'était un lien authentique et durable qui a influencé à la fois leurs vies et leurs œuvres. Ils ont assisté ensemble au mariage d'Arnold Schwarzenegger et de Maria Shriver, arrivant si tard que la cérémonie était presque terminée. La représentation de Jones par Warhol dans son art a contribué de manière notable à son image publique, et vice-versa. Leur lien fut une source d'inspiration et de créativité, illustrant la puissance des collaborations artistiques.

C'est par l'intermédiaire de Warhol que Jones rencontra Haring pour la première fois, amorçant ainsi une collaboration fructueuse dont témoignent nombreux clips de Jones. La relation entre leurs œuvres est un exemple frappant de l'intersection dynamique entre la peinture, le body art et la performance. Haring, célèbre pour son art graffiti vibrant et engagé socialement, trouva en Jones une muse parfaite, dont la physicalité était idéale pour son style expressif. Leur collaboration transforma Jones en une toile vivante, illustrant le mélange parfait entre la vision artistique de Haring et la forme humaine. Haring utilisa la silhouette imposante de Jones pour créer des motifs complexes reprenant les thèmes fétiches de Haring : la naissance, le mouvement, la mort et la sexualité. Cette fusion du body art et de la performance a ouvert de nouvelles voies quant à l'interaction possible entre la musique et les arts visuels.

En 1986, d'autres artistes rejoignirent cette collaboration : Haring peignit alors directement sur le corps de Jones, qui allait être photographiée par Robert Mapplethorpe – Warhol était présent pour immortaliser l'intégralité du processus. Plus tard cette année-là, Haring note dans ses journaux avoir dessiné Jones pour la première fois, alors qu'il n'avait auparavant fait que dessiner « sur » elle. Le partenariat entre Keith Haring et Grace Jones reste un jalon dans l'histoire de l'art moderne et de la culture pop. Il a remis en question les perceptions conventionnelles sur l'endroit où l'art pouvait être exposé et ce qu'il pouvait représenter. Leur collaboration fut une célébration de la créativité, de l'individualité et de l'abolition des frontières entre les différentes disciplines artistiques.

Les portraits de Jones réalisés par Chris Levine marquent un chapitre distinct dans la représentation visuelle de cette figure emblématique. Reconnu pour son utilisation de la lumière et de l'holographie pour créer des œuvres éthérées et multidimensionnelles, Levine a apporté une perspective nouvelle à la capture de l'essence de Jones. Son travail avec Jones s'éloigne des images audacieuses qui lui sont habituellement associées, la présentant plutôt d'une manière plus contemplative, presque surnaturelle. La technique de Levine, qui implique souvent le jeu de la lumière, de l'ombre et parfois de l'impression lenticulaire, ajoute de la profondeur et un sentiment de tranquillité à ses portraits de Jones.

Cette approche crée un récit visuel qui invite les spectateurs à explorer les aspects les plus subtils de la personnalité et de la présence de Jones. Les images la capturent dans des moments d'immobilité, contrastant fortement avec sa personnalité publique dynamique. Dans ses portraits, Levine encapsule l'attrait durable de Jones, la dépeignant comme une figure intemporelle qui transcende les limites conventionnelles du temps et de l'espace. Cette représentation s'aligne sur les aspects surréalistes de l'art de Jones elle-même. Les portraits semblent saisir plus que sa simple ressemblance physique ; ils pénètrent les éléments spirituels et énigmatiques de son caractère – ajoutant non seulement au récit visuel de l'héritage de Jones, mais servant également de témoignage de la nature évolutive de l'art et de sa capacité à présenter continuellement des sujets familiers de manière innovante.

L'attrait de Jones transcende les générations et elle demeure un symbole de créativité et d'indépendance farouche. Son influence est palpable dans l'œuvre de nombreux artistes contemporains et créateurs de mode, qui s'inspirent de sa capacité à se réinventer constamment tout en restant fidèle à elle-même. Sa faculté d'adaptation, d'évolution et d'influence à travers les décennies dans les univers effrénés de la musique, de la mode et du cinéma confirme son statut d'icône intemporelle, dont l'œuvre et la personnalité continuent de résonner auprès des nouvelles générations d'artistes et de publics.

En 2020, la toute première exposition d'art centrée sur Jones a été présentée au Nottingham Contemporary au Royaume-Uni. Sa relation avec Warhol a fait l'objet d'une exposition à la Warhol Foundation en 2021, mettant en avant Jones « comme une sensation culturelle, présentant sa carrière des années 1970 aux années 1980. La galerie comprend des portraits réalisés par Warhol, plus de 30 photographies et des dizaines d'archives liées à Jones et aux années formatrices de sa carrière. » Celles-ci ne font que souligner davantage la pertinence et l'impact de l'art de Jones sur la société contemporaine.