L'ère du Club 57 de Keith Haring : l'art-performance moderne

À la fin des années 1970 et au début des années 1980, la scène artistique de New York a vu émerger Haring, un artiste qui allait bientôt devenir la voix emblématique de sa génération. Le parcours artistique de Haring a véritablement commencé dans les stations de métro animées de New York où, au milieu du chaos et de l'encombrement de la vie urbaine, il a trouvé sa toile sur les panneaux publicitaires inutilisés recouverts de papier noir mat. Armé d'une craie blanche, Haring a commencé à créer ses dessins au trait désormais iconiques, une forme d'art public à la fois accessible et énigmatique. Ses lignes audacieuses et ses figures vives ont rapidement capté l'attention de la ville, transformant les quais de métro en galeries improvisées où l'art rencontrait le navetteur quotidien.

L'œuvre de Haring était une manifestation explicite de ses convictions et de ses observations, abordant des sujets allant de la justice sociale et des enjeux politiques à la sexualité et à l'épidémie de SIDA – des thèmes profondément personnels et reflétant le climat culturel et politique de l'époque. Son art est devenu une force fédératrice, transcendant les frontières conventionnelles du monde de l'art pour toucher des personnes de tous horizons. Son travail était à la fois un reflet et une réaction à son temps, un mélange vibrant de culture de rue, d'activisme et d'innovation artistique. Alors qu'il gagnait en notoriété, ses œuvres ont fait leur chemin dans les galeries et les musées, mais il est resté déterminé à maintenir son art accessible à tous.

Cette universalité a été superbement mise en valeur par son implication dans Club 57, situé dans l'East Village. Le travail de Haring y était souvent lié à des performances en direct et à des pièces collaboratives, repoussant les limites de l'art et de la performance conventionnels, les fusionnant en une expérience immersive.

Club 57, niché au sous-sol d'une église polonaise au 57 St. Mark's Place dans l'East Village de Manhattan, fut un épicentre majeur de la scène artistique underground de New York durant ses années d'activité. Fondé en 1979 par Stanley Strychacki, le Club 57 est rapidement devenu un refuge pour les artistes, musiciens et performeurs qui expérimentaient de nouvelles formes d'expression peu conventionnelles. Il était réputé pour son absence de motivation commerciale, ce qui permettait un environnement plus libre et créatif comparé à d'autres lieux grand public comme le Studio 54. Cette liberté a favorisé une atmosphère d'expérimentation artistique et de collaboration, dont Haring appréciait particulièrement l'esprit. Le Club 57 était célèbre pour ses soirées à thème, ses projections de films et ses spectacles. Le club épousait l'éthique « faites-le vous-même » du mouvement punk, tout en rendant hommage au camp et au kitsch des décennies précédentes. Ses événements mettaient souvent en vedette de la new wave, des films d'art et d'essai et des performances artistiques d'avant-garde, reflétant les goûts divers et éclectiques de sa clientèle. Parmi les autres artistes notables qui fréquentaient ou se produisaient sur ce lieu, citons Madonna, Cyndi Lauper, Frank Holliday, Brooke Shields, The B-52s et RuPaul.

L'influence du Club 57 sur la scène artistique de New York et au-delà fut profonde. Il a offert un espace où l'underground pouvait s'épanouir loin des pressions commerciales, cultivant des talents qui allaient avoir un impact majeur dans leurs domaines respectifs. Le mélange unique d'art, de musique et de performance du club a laissé une marque durable sur la culture de la ville. Malgré sa durée de vie relativement courte — il a fermé ses portes vers 1983 — le Club 57 demeure un symbole d'une époque où la créativité et la communauté se rencontraient de la manière la plus vibrante et dynamique qui soit.

Haring fut l'une des figures les plus notables associées au Club 57. Il y a trouvé une plateforme idéale pour son style unique d'art visuel et de performance, et y a tenu sa première exposition en 1978. Durant l'été 1979, il commença à organiser des lectures de poésie hebdomadaires au club, écrivant dans son journal qu'il était « tombé dans la poésie et celle-ci l'avait avalé. » Sa poésie se distinguait : il se produisait souvent depuis l'intérieur d'un faux poste de télévision et, dans un cas célèbre, il se contentait de répéter les mots « Fat, Boy, Lick » en différentes combinaisons jusqu'à ce que le public lui lance des insultes et lui jette de la bière. Il a fini par transformer ce poème néo-dada en performance vidéo.

Haring commença ensuite à animer une série de soirées performances qu'il baptisa « Acts of Live Art ». Très intéressé par la danse et le mouvement, il les intégra à ses représentations. Beaucoup d'entre elles n'ont jamais été documentées, et certaines sont complètement perdues pour les historiens de l'art. Afin d'attirer du public à ces performances, Haring créait souvent des cartons d'invitation et des brochures pour le club, qui étaient photocopiés et largement diffusés. Au-delà de la simple création et promotion de ses propres œuvres, Haring joua un rôle essentiel en tant qu'organisateur d'expositions : il fut commissaire invité de plusieurs expositions, notamment sur les photocopies (Xerox) ainsi que sur l'art érotique et pornographique, et créait des flyers invitant les artistes à soumettre leurs œuvres. Ceci est une preuve supplémentaire de l'attitude démocratique de Haring envers l'art, comme son amie et directrice du Club 57, Ann Magnuson, s'en souvenait : Keith lui avait dit : « Je veux que tu me donnes une œuvre d'art », et quand elle répondit qu'elle n'était pas artiste, il répliqua sans hésiter : « Si, tu l'es. » Et voilà Keith en quelques mots. Même si vous ne pensiez pas pouvoir faire quelque chose, il croyait que vous le pouviez, et alors vous le faisiez. »

L'œuvre de Haring est une étude fascinante de l'intersection entre le graffiti et la performance artistique, deux formes qui ont fondamentalement remodelé le monde de l'art à la fin du XXe siècle. Haring a réussi à fusionner ces deux courants pour créer un style unique, à la fois accessible et profondément significatif. Le graffiti – souvent perçu comme un acte de rébellion et une forme d'art urbain – était au cœur du langage artistique de Haring. Il a commencé à dessiner dans des lieux publics, et son style emblématique, facilement reconnaissable grâce à ses lignes fluides et audacieuses et ses figures simplistes et lumineuses, attirait l'œil et se démarquait dans le paysage urbain. Cet aspect public de son travail était essentiel : pour Haring, le graffiti ne concernait pas seulement l'acte de peindre, mais aussi l'engagement avec un public plus large, en dehors des cadres traditionnels des galeries et des musées.

La performance artistique était un autre élément clé de l'œuvre de Haring ; il appréciait le processus et l'expérience de la création artistique, pas seulement le résultat final. Les interventions de Haring dans l'espace public étaient elles-mêmes une forme de performance, l'artiste dessinant souvent devant un public. Cet aspect performatif était accentué lors de ses expositions et événements organisés, où il peignait parfois en direct, transformant l'acte de création artistique en un spectacle public. La fusion du graffiti et de la performance dans l'œuvre de Haring a fait tomber les barrières entre l'artiste et le public. Ses œuvres étaient interactives et communautaires, invitant les spectateurs non seulement à observer, mais à participer activement au processus artistique. Cette approche était radicale à l'époque et a contribué à redéfinir le rôle de l'artiste dans la société. Haring croyait que l'art devait être accessible à tous, et son travail constituait un défi direct à l'exclusivité du monde de l'art.

La préservation et la célébration de l'héritage de la période influente de Keith Haring au Club 57 ont été largement négligées, jusqu'à l'exposition du Museum of Modern Art (MoMA) intitulée « Club 57: Film, Performance, and Art in the East Village, 1978–1983 ». Cette exposition, qui s'est tenue du 31 octobre 2017 au 8 avril 2018, offrait un aperçu complet du phénomène culturel unique qu'était le Club 57. Elle s'est concentrée sur les œuvres interdisciplinaires issues de ce foyer d'activité artistique, incluant le cinéma, la performance, les arts visuels et la musique. L'exposition présentait des œuvres de Haring aux côtés de celles de ses contemporains, illustrant comment le Club 57 servait de creuset pour diverses formes d'expression créative. Elle a souligné que le club était un espace où les artistes comme Haring pouvaient expérimenter librement de nouvelles formes d'art, ce qui a joué un rôle essentiel dans leur développement artistique et dans le façonnement du mouvement artistique plus large de cette époque. Les créations de Haring pour cette période restent également populaires, comme en témoigne leur présence dans la collection Uniqlo x Keith Haring 2019.

Un autre aspect important de la préservation de l'héritage de Haring est le travail continu de ses contemporains, comme Scharf : les deux artistes partageaient un appartement à l'époque du Club 57, et Scharf a continué à créer et à faire évoluer la série Cosmic Closets/Caves, qui a débuté dans les années 1980. Ces installations immersives reflètent les thèmes ludiques, colorés et psychédéliques qui prévalaient dans l'art et la culture de la scène de l'East Village. Le dévouement constant de Scharf à ce style démontre l'influence durable de l'environnement créatif du Club 57 sur les artistes qui en faisaient partie et garantit que l'héritage de ce moment pivot de l'histoire de l'art new-yorkais continue d'inspirer et d'influencer l'art et la culture contemporains.

L'esprit d'expérimentation, de collaboration et d'engagement social qui définissait le Club 57 reste pertinent. Le groupe de rock Bastille a récemment rendu hommage au club et à Haring dans l'une de ses dernières chansons. L'héritage de Haring est un témoignage du pouvoir de l'art dans les espaces publics et de sa capacité à créer des liens, à provoquer et à inspirer différentes communautés et générations.