L’ère du Club 57 de Keith Haring : l’art de la performance moderne

À la fin des années 1970 et au début des années 1980, la scène artistique de New York a vu l'émergence de Haring, un artiste qui allait bientôt devenir une voix emblématique de sa génération. Le parcours artistique de Haring a véritablement débuté dans les stations de métro animées de New York où, au milieu du chaos et de l'effervescence de la vie urbaine, il a trouvé son support sur les panneaux publicitaires inutilisés, recouverts de papier noir mat. Armé de craies blanches, Haring a commencé à créer ses dessins au trait, devenus iconiques depuis, une forme d'art public à la fois accessible et énigmatique. Ses lignes audacieuses et ses figures vives ont rapidement captivé l'attention de la ville, transformant les quais du métro en galeries improvisées où l'art rencontrait les usagers au quotidien.

L'œuvre de Haring était une manifestation explicite de ses convictions et de ses observations, abordant des sujets allant de la justice sociale et des questions politiques à la sexualité et l'épidémie du sida – des thèmes profondément personnels qui reflétaient le climat culturel et politique de l'époque. Son art est devenu une force fédératrice, dépassant les frontières conventionnelles du monde de l'art pour toucher des personnes de tous horizons. Son travail était à la fois un reflet de son époque et une réaction à celle-ci, un mélange vibrant de culture urbaine, d'activisme et d'innovation artistique. À mesure qu'il gagnait en notoriété, ses œuvres ont fait leur entrée dans les galeries et les musées, mais il est resté déterminé à maintenir l'accessibilité de son art pour tous.

Cette universalité a été parfaitement illustrée par son implication au sein du Club 57, situé dans l'East Village. Le travail de Haring au sein de cet établissement, impliquant souvent des performances en direct et des pièces collaboratives, a repoussé les limites de l'art conventionnel et de la performance, les fusionnant en une expérience immersive.

Club 57, situé dans le sous-sol d’une église polonaise au 57 St. Mark’s Place dans l’East Village de Manhattan, fut un épicentre majeur de la scène artistique underground new-yorkaise durant ses années d’activité. Fondé en 1979 par Stanley Strychacki, le Club 57 est rapidement devenu un refuge pour les artistes, musiciens et interprètes qui expérimentaient de nouvelles formes d’expression non conventionnelles. L’établissement était reconnu pour son absence de visée commerciale, ce qui permettait un environnement plus libre et créatif que celui d’autres lieux plus conventionnels tels que le Studio 54. Cette liberté a favorisé une atmosphère d’expérimentation artistique et de collaboration, particulièrement appréciée de Haring. Le Club 57 était renommé pour ses soirées à thème, ses projections de films et ses performances live. Le club adoptait l’éthique « DIY » (fait main) du mouvement punk, avec un clin d’œil appuyé au camp et au kitsch des décennies précédentes. Ses événements mettaient souvent à l’honneur la musique new wave, les films underground et les performances d’art d’avant-garde, reflétant les goûts divers et éclectiques de ses habitués. Parmi les autres artistes notables ayant fréquenté ou s’étant produits au sein du lieu, on compte Madonna, Cyndi Lauper, Frank Holliday, Brooke Shields, The B-52s et RuPaul.

L’influence du Club 57 sur la scène artistique de New York et au-delà fut profonde. Il a offert un espace où l’underground pouvait s’épanouir à l’abri des pressions commerciales, cultivant des talents qui allaient par la suite exercer une influence majeure dans leurs domaines respectifs. Le mélange unique d’art, de musique et de performance du club a laissé une marque durable sur la culture de la ville. Malgré une durée d’existence relativement courte — il a fermé vers 1983 —, le Club 57 demeure le symbole d’une époque où la créativité et la communauté se rejoignaient de la manière la plus vibrante et dynamique qui soit.

Haring fut l'une des figures les plus marquantes associées au Club 57. Il y trouva une plateforme idéale pour exprimer son style unique d'art visuel et de performance, et y tint sa première exposition en 1978. À l'été 1979, il commença à organiser des lectures de poésie hebdomadaires au sein du club, écrivant dans son journal intime qu'il était « tombé dans la poésie et qu'elle l'avait englouti ». Sa poésie se distinguait de celle des autres : il se produisait souvent à l'intérieur d'un faux poste de télévision et, dans un cas précis, il se contenta de répéter les mots « Fat, Boy, Lick » dans des combinaisons différentes, assez longtemps pour que le public l'invective et lui lance de la bière. Il finit par transformer ce poème néo-dadaïste en une performance vidéo.

Haring commença par la suite à animer une série de soirées de performance qu'il baptisa « Acts of Live Art ». Très attiré par la danse et le mouvement, il intégra ces éléments à ses performances. Bon nombre d'entre elles ne furent jamais documentées, et certaines ont totalement échappé aux historiens de l'art. Afin d'attirer le public lors de ces événements, Haring créait souvent des invitations et des brochures pour le club, lesquelles étaient photocopiées et largement distribuées. Au-delà de la création et de la promotion de ses propres œuvres, Haring joua un rôle essentiel en tant qu'organisateur d'expositions ; il fut commissaire invité pour des expositions, notamment sur la xérographie ou sur l'art érotique et pornographique, et concevait des flyers invitant les artistes à soumettre leurs œuvres pour les présenter. Cela témoigne de l'approche démocratisante de l'art propre à Haring, comme l'a rappelé son amie et directrice du Club 57, Ann Magnuson : « Il m'a dit : "Je veux que tu me donnes une œuvre d'art", et quand j'ai répondu que je n'étais pas artiste, il a répliqué sans hésiter : "Si, tu l'es". Voilà tout Keith. Même si vous pensiez être incapable de faire quelque chose, il croyait en vous, et alors, vous y parveniez. »

L'œuvre de Haring offre une étude fascinante à la croisée du graffiti et de la performance, deux formes qui ont fondamentalement remodelé le monde de l'art à la fin du XXe siècle, et que Haring a su fusionner en un style unique, à la fois accessible et profondément significatif. Le graffiti – souvent perçu comme un acte de rébellion et une forme d'art urbain – était au cœur du langage artistique de Haring. Il a commencé à dessiner dans des espaces publics, et son style caractéristique, immédiatement reconnaissable grâce à ses lignes fluides et audacieuses ainsi qu'à ses figures vives et simplistes, captivait le regard et se distinguait dans le paysage urbain. Cette dimension publique de son art était essentielle ; pour Haring, le graffiti ne se résumait pas à l'acte de peindre, mais consistait avant tout à dialoguer avec un public élargi, au-delà des cadres traditionnels des galeries et des musées.

La performance constituait un autre élément clé de l'œuvre de Haring, qui privilégiait le processus et l'expérience de création artistique plutôt que le seul résultat final. Les interventions de Haring dans l'espace public relevaient elles-mêmes d'une forme de performance, l'artiste dessinant fréquemment devant un public. Cette dimension performative était exacerbée lors de ses expositions organisées, où il lui arrivait de peindre en direct, transformant l'acte créatif en un véritable spectacle public. La fusion du graffiti et de la performance dans l'œuvre de Haring a brisé les barrières entre l'artiste et le public. Son travail était interactif et communautaire, invitant les spectateurs non seulement à observer, mais à participer activement au processus artistique. Une telle approche était radicale à l'époque et a contribué à redéfinir le rôle de l'artiste dans la société. Haring était convaincu que l'art devait être accessible à tous, et ses œuvres constituaient un défi direct à l'exclusivité du monde de l'art.

La préservation et la célébration de l'héritage de la période influente de Keith Haring au Club 57 ont été largement négligées jusqu'à l'exposition du Museum of Modern Art (MoMA) intitulée "Club 57: Film, Performance, and Art in the East Village, 1978–1983." Cette exposition, qui s'est tenue du 31 octobre 2017 au 8 avril 2018, a offert un regard complet sur le phénomène culturel unique que fut le Club 57. Elle s'est concentrée sur les œuvres interdisciplinaires issues de ce foyer d'activité artistique, incluant le film, la performance, les arts visuels et la musique. L'exposition présentait les œuvres de Keith Haring aux côtés de celles de ses contemporains, illustrant comment le Club 57 a servi de creuset à diverses formes d'expression créative. Elle a souligné à quel point le club était un espace où des artistes comme Keith Haring pouvaient expérimenter librement de nouvelles formes d'art, jouant un rôle essentiel dans leur développement artistique et dans la structuration du mouvement artistique plus large de cette époque. Les créations de Keith Haring pour cette période demeurent populaires, comme en témoigne leur inclusion dans la collection Uniqlo x Keith Haring de 2019.

Un autre aspect important de la préservation de l'héritage de Keith Haring réside dans le travail continu de ses contemporains, tel que Scharf : les deux artistes partageaient un appartement à l'époque du Club 57, et Scharf a continué à créer et à faire évoluer la série des Cosmic Closets/Caves, initiée dans les années 1980. Ces installations immersives reflètent les thèmes ludiques, colorés et psychédéliques qui prévalaient dans l'art et la culture de la scène de l'East Village. Le dévouement constant de Scharf pour ce style démontre l'influence durable de l'environnement créatif du Club 57 sur les artistes qui en faisaient partie, garantissant que l'héritage de ce moment charnière de l'histoire de l'art new-yorkais continue d'inspirer et d'influencer l'art et la culture contemporains.

L'esprit d'expérimentation, de collaboration et d'engagement social qui définissait le Club 57 demeure pertinent. Le groupe de rock Bastille a récemment rendu hommage au club et à Keith Haring dans l'une de ses dernières chansons. L'héritage de Keith Haring témoigne du pouvoir de l'art dans l'espace public et de sa capacité à connecter, provoquer et inspirer au-delà des communautés et des générations.