Top 10 des films avec une collection d'œuvres d'art sélectionnée

Le Black Panther de Ryan Coogler a fait une entrée fracassante sur grand écran en 2018, laissant une marque indélébile dans l'histoire du cinéma. Ce film révolutionnaire de Marvel a non seulement pulvérisé les records du box-office et captivé les spectateurs du monde entier, mais il a également redéfini les frontières de la représentation et de la narration artistique.

Avec sa représentation visuellement époustouflante d'une utopie africaine cachée, le Wakanda, Black Panther a offert une expérience afrofuturiste inédite, rehaussant les normes en matière de conception de production culturellement pertinente à Hollywood. La scénographe Hannah Beachler a évoqué l'importance de son travail lors d'un entretien avec Okayplayer, déclarant :

Plongeant les spectateurs dans un instant de réflexion, Black Panther offre une scène mémorable liée à l'art au sein des murs du « British Museum ». C'est là que le personnage d'Erik Killmonger (Michael B. Jordan) confronte un conservateur au sujet de l'exposition d'artefacts africains volés, déclenchant une exploration percutante de l'identité culturelle, du colonialisme, de la provenance et de l'importance de la préservation du patrimoine. La scène a été partiellement tournée sur place au célèbre High Museum of Art d'Atlanta. Tandis que les spectateurs sont immergés dans le dialogue entre Killmonger et le conservateur, le cadre du High Museum of Art sert de toile de fond, enrichissant la scène d'un lien tangible avec le monde de l'art, rehaussant l'authenticité du film et invitant le public à considérer la relation complexe entre l'art, l'histoire et le patrimoine.

Se déroulant dans les années 1950, Le Sourire de Mona Lisa explore les rôles de genre et les attentes sociétales au sein d'un prestigieux établissement universitaire de Nouvelle-Angleterre, tristement célèbre pour ses valeurs conservatrices. L'histoire suit la professeure d'histoire de l'art Katherine Watson (Julia Roberts) alors qu'elle met au défi ses étudiantes de remettre en question les rôles traditionnels des femmes et les attentes de la société. Le film aborde des thèmes tels que l'autonomisation des femmes, la quête de l'épanouissement personnel et le pouvoir transformateur de l'éducation.

Le film progresse jusqu'à offrir une scène marquante dédiée au célèbre artiste Jackson Pollock. Lors de ce moment clé, la professeure d'histoire de l'art Katherine Watson emmène ses étudiantes en excursion dans une exposition d'art contemporain. En entrant dans une galerie, elles découvrent l'une des toiles emblématiques de Pollock, Number 1 (Lavender Mist). Le directeur de la photographie expose la nature brute et expressive des œuvres de Jackson Pollock, reflétant l'esprit des jeunes femmes et leur désir de liberté personnelle. Cette scène sert de catalyseur à l'introspection et à la découverte de soi, car l'art de Pollock devient une métaphore pour se libérer des carcans de la tradition.

Parmi les films marquants qui intègrent magnifiquement l'art dans leurs récits, on trouve le classique de la comédie de 1997, Bean, avec l'incomparable Rowan Atkinson. Le film suit le personnage d'Atkinson, Mr. Bean, qui se retrouve dans une série de mésaventures lorsqu'il est chargé de protéger « La Mère de Whistler » de James Abbott McNeill Whistler.

Alors qu'il est chargé de la garde de l'œuvre, M. Bean éternue accidentellement sur le tableau, provoquant un incident malheureux où il tente de réparer son erreur par une série de tentatives de restauration dignes de Bean – comme frotter le tableau avec du diluant à laque. Cette séquence comique illustre habilement la relation délicate entre l'art et sa conservation, soulignant les efforts extrêmes que même quelqu'un comme M. Bean déploiera pour protéger et restaurer des œuvres d'art précieuses. Le tableau lui-même est une icône de l'art américain, et en présentant ce chef-d'œuvre, les cinéastes établissent un lien entre le monde de l'art et le chaos comique entourant M. Bean, créant une juxtaposition qui ajoute du mystère (et quelques rires supplémentaires) à l'intrigue.

Réalisé par le visionnaire Wes Anderson, The Grand Budapest Hotel est un conte fantaisiste centré sur le légendaire concierge Monsieur Gustave H. (Ralph Fiennes) et son jeune protégé, Zero Moustafa (incarné par Tony Revolori). Ensemble, ils se retrouvent mêlés à une série d'aventures liées à un tableau fictif inestimable de la Renaissance, Boy with Apple. La palette de couleurs singulière du film renforce encore cette atmosphère artistique. L'attention d'Anderson aux détails est palpable dans sa recréation méticuleuse des œuvres et leur agencement au sein du film. Chaque scène est composée avec soin, plongeant les spectateurs dans un univers visuellement époustouflant.

Pour en savoir plus sur la vision cinématographique d'Anderson, consultez une analyse visuelle de The Grand Budapest Hotel.

Dans Skyfall de Sam Mendes, l'art devient un élément qui intensifie l'atmosphère d'élégance et de mystère du film. Le long-métrage présente une collection d'œuvres qui sert de décor à plusieurs scènes clés, faisant écho à la nature complexe des personnages et au monde dans lequel ils évoluent.

C'est à la National Gallery de Londres que Bond (Daniel Craig) retrouve Q (Ben Whishaw) au milieu de la splendeur des œuvres classiques de la galerie. Ce lieu ajoute non seulement une touche de sophistication à leur rencontre, mais suggère également un choc entre la tradition et la modernité, faisant écho aux thèmes explorés tout au long du film.

La scène s'ouvre sur Le Vaisseau fantôme de J.M.W. Turner, placé au centre, derrière les cordons de velours vert de la galerie, sous le regard de Bond et de Q. Avant que leur échange ne commence, on peut également apercevoir deux œuvres derrière le duo. À gauche, on distingue Expérience sur un oiseau dans la pompe à air de Joseph Wright of Derby, et à droite, Promenade matinale de Thomas Gainsborough.

Ces œuvres font-elles écho aux thèmes plus sombres du film ? Leurs sujets servent-ils de métaphore pour certains personnages du long métrage ? Ces sélections artistiques contribuent à l'impact visuel du film et offrent des couches symboliques supplémentaires que les spectateurs peuvent décrypter pour une expérience vraiment immersive.

L'esthétique gothique, les performances emblématiques et un récit captivant sont au premier plan dans Batman (1989) de Tim Burton. L'interprétation qu'a donnée Burton du film de super-héros a permis un portrait plus étrange et maniaque du Joker (Jack Nicholson).

Le Joker et son équipe font irruption au musée de Gotham, semant le chaos dans toute une collection d'œuvres d'art, le tout sur les airs entraînants de Prince. Ils ont apporté leur touche contemporaine aux œuvres, vandalisant tout ce qu'ils pouvaient atteindre. Enfin, presque tout.

Une seule œuvre a été sauvée, probablement en raison de l'affinité du Joker pour le macabre.

La œuvre de Francis Bacon, tout comme celle du Joker, incarne un sentiment de réalité déformée et de trouble intérieur. L'imagerie troublante de Bacon reflète l'esprit chaotique et tordu du méchant, soulignant leurs thèmes communs de folie, d'angoisse existentielle et d'un désir de repousser les limites. La nature émotive des œuvres de Bacon fait écho à la propre descente dans les ténèbres du Joker et sert de représentation visuelle de sa psyché fracturée. L'inclusion de l'art de Bacon par Tim Burton a efficacement amplifié la profondeur psychologique du personnage de Jack Nicholson, créant une interprétation saisissante et riche sur le plan thématique.

Dans le film biographique de 2002, Frida, Salma Hayek livre une interprétation captivante de l'artiste mexicaine emblématique Frida Kahlo. Réalisé par Julie Taymor, le film propose un portrait intime et profondément personnel de la vie de Kahlo, tel qu'il est vécu à travers son propre regard. Tout au long du film, les spectateurs suivent le parcours de Kahlo alors qu'elle fait face aux attentes sociétales concernant le genre, lutte contre les contraintes imposées par sa santé physique, et navigue dans les complexités de sa relation passionnée mais tumultueuse avec son mari, Diego Rivera.

Le film présente une collection de ses chefs-d'œuvre les plus profonds, chaque tableau servant de représentation visuelle d'une phase spécifique de sa vie. Le public a l'occasion de voir Kahlo peindre ces œuvres, ou celles-ci sont intégrées dans des scènes pour révéler les événements et les émotions qui ont influencé chaque pièce. Cette approche permet aux spectateurs d'établir un lien profond avec le récit du film et de mieux comprendre l'importance et le symbolisme derrière l'art de Kahlo. Frieda and Diego Rivera est amené To Life dans le film, apparaissant d'abord comme une image fixe de l'œuvre, la scène se transformant ensuite en douceur en une reconstitution en direct. Cette technique comble le fossé entre l'expression artistique de Kahlo et ses expériences vécues, offrant une représentation visuelle captivante de l'interaction entre son art et sa vie personnelle.

Le film sur l'effervescence de la mode nous donne un aperçu du parcours d'Andrea Sachs (Anne Hathaway), aspirante journaliste qui découvre son nouveau travail exigeant, mais passionnant, d'assistante auprès de sa puissante patronne, Miranda Priestly (Meryl Streep), la rédactrice en chef d'un magazine de mode prééminent.

C'est au tour d'Andy d'apporter « le livre » chez Miranda. Alors que sa collègue lui explique gracieusement, étape par étape, comment s'acquitter de cette tâche, l'arrivée d'Andy dans la maison de Miranda la met en situation. Alors qu'elle peine à décider dans quel placard ranger le pressing et sur quelle table déposer « le livre », on peut apercevoir l'Harbor #3 d'Alex Katz à quelques mètres seulement de l'entrée.

Il est curieux qu'une œuvre d'art réputée pour sa tranquillité soit placée presque immédiatement à l'entrée de la maison des Priestly. Tout au long du film, les spectateurs peuvent percevoir le style de vie trépidant et glamour de Miranda, même si cela se fait au détriment de ses relations interpersonnelles. Au fur et à mesure que la scène avance, les filles de Miranda guident malicieusement Andy à l'étage, ce qui l'amène à surprendre une dispute amoureuse entre le personnage de Meryl Streep et son mari. L'inclusion de Harbor #3 pourrait refléter le désir d'évasion et de paix intérieure de Miranda au milieu du tourbillon chaotique de l'industrie de la mode.

The Accountant est un film d'action qui pousse à la réflexion, examinant les frontières floues entre le héros et le méchant à travers l'histoire de Christian Wolff (Ben Affleck), un comptable à l'intelligence supérieure qui semble ordinaire, mais qui possède en réalité des compétences de combat mortelles. Bien qu'il soit sans aucun doute un atout dans le milieu criminel, Christian parvient à mener une vie par ailleurs normale où il gère sa neurodivergence grâce à une éducation très stricte.

Finalement, le personnage d’Affleck se retrouve en cavale pour éviter des rencontres dangereuses avec ses adversaires et les autorités. Comme il est toujours préparé pour ces scénarios compte tenu de la vraie nature de son travail, il se rend à sa caravane pour récupérer des armes et une bande dessinée parmi ses essentiels. Clairement, lorsqu’il ne falsifiait pas les comptes pour les grands cartels, Christian Wolff collectionnait des actifs de passion durant son temps libre. Une fois dans la caravane, les spectateurs peuvent remarquer l'œuvre de Renoir, Woman With Parasol And Child On A Sunlit Hillside, accrochée au mur à côté du personnage d’Anna Kendrick, Dana Cummings, alors qu'elle tente de comprendre exactement à qui elle a affaire. Au fur et à mesure que la scène progresse et qu'un plan se déplace dans la chambre de Wolff, on aperçoit Free Form de Jackson Pollock au plafond, au-dessus du lit.

Les œuvres d'art de ce film sont aussi inattendues que les retournements de situation, mais elles offrent au public une touche de raffinement et d’élégance contrastant avec l'intrigue brute. Le film présente également A Friend In Need (Dogs Playing Poker) de Cassius Coolidge, qui constitue une sorte d’Ode à l'amitié qui se développe entre Dana et Christian tout au long du film. Ces visuels ont contribué à créer une composition équilibrée, soulignant la division entre la criminalité brute et la sophistication du monde de l’art.

La comédie culte des années 80, Ferris Bueller’s Day Off, suit Ferris Bueller (Matthew Broderick), un lycéen charismatique, qui sèche les cours pour se lancer dans une aventure épique dans la ville de Chicago. Alors que Ferris et ses amis parcourent la ville, ils se retrouvent à faire irruption lors d'une sortie scolaire dans un musée d'art. Ce moment marquant illustre à merveille la relation entre l'art et le cinéma entre les murs de l'Art Institute of Chicago. La scène du musée est ici un point essentiel qui crée un moment permettant aux spectateurs de ressentir l'impact émotionnel des œuvres à travers le regard des personnages. Le public est également invité à partager son expérience sur la manière dont l'art peut influencer l'introspection et notre perception du monde.

La séquence muséale du film présente une sélection impressionnante d'artistes, parmi lesquels Georges Seurat, Grant Wood, Jackson Pollock et Alberto Giacometti. Cependant, ce sont les trois toiles de Picasso qui volent véritablement la vedette devant Ferris et ses amis. Ces trois interprétations uniques de la vision de Picasso captivent l'intérêt des adolescents insouciants et des spectateurs investis dans leur expérience.

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