10 faits sur l'effet de mise au point mobile de David Hockney

David Hockney a entamé un chapitre transformateur de son parcours artistique après avoir déménagé dans les paysages californiens d’une splendeur éclatante. C’est là qu’il fit la rencontre du maître imprimeur renommé, Kenneth Tyler, qui avait déjà collaboré avec des sommités de l’art telles que Jasper Johns, Frank Stella et Roy Lichtenstein. Leur partenariat singulier a su marier la maîtrise technique inégalée de Tyler à l’exploration insatiable d’Hockney. Le point culminant de leur collaboration fut l’œuvre Moving Forward. Ce chef-d’œuvre résonne non seulement avec la palette californienne lumineuse, mais reflète également l’esprit et les teintes des racines d’Hockney dans le Yorkshire, exposant un mélange de formes et de couleurs vibrantes, sublimé par le talent de Tyler.

En tant que sa collection d'estampes la plus vaste, elle démontre non seulement une quantité, mais aussi une profondeur d'expérimentation inégalée. Sa diversité, couvrant 26 estampes, témoigne de la quête incessante de Hockney pour repousser les limites de l'estampe, faisant de cette série une référence incontournable de l'art contemporain. Au-delà des techniques, la série offre également un aperçu de l'adaptabilité de Hockney. Alors que de nombreux artistes trouvent leur créneau et s'y cantonnent, l'œuvre Moving Focus révèle un artiste en dialogue constant avec son médium, n'ayant pas peur de changer, d'évoluer et de redéfinir son langage artistique.

Plutôt que de baigner ses œuvres dans la nostalgie ou la rigueur académique, le choix du médium par Hockney confère à la série une accessibilité rafraîchissante. C'est comme s'il démantelait les barrières du « high art », invitant les spectateurs à pénétrer dans un univers plus franc. À travers cette série, Hockney remet en question les notions traditionnelles et convie le public à découvrir l'art moderne depuis un point de vue plus intime : le sien.

En 2002, Le Kunstmuseum Luzern a organisé la première rétrospective consacrée à Hockney en Suisse, incluant de nombreuses œuvres issues de Moving Forward. D'autres institutions artistiques renommées à travers le monde, notamment le Museum of Modern Art, la Tate Collection et la National Gallery of Australia, présentent fièrement des œuvres issues de cette série.

Un motif récurrent dans l’œuvre de Hockney est la représentation intime des personnes qui lui sont les plus proches. Sa mère, une figure d’une immense importance personnelle, apparaît fréquemment dans ses œuvres, témoignant d’un lien familial profond. De même, ses amis proches et ses relations intimes, dépeints avec une grande profondeur émotionnelle, offrent une fenêtre sur le monde personnel de Hockney, révélant ses attachements, ses souvenirs et ses expériences.

Cependant, la série présente également des natures mortes d’intérieurs méticuleusement réalisées, chacune racontant l’histoire d’espaces qui ont marqué l’artiste. Ce ne sont pas de simples pièces, mais des sanctuaires de souvenirs, riches en petits détails. Tout aussi prégnante dans cette série est la romance de Hockney avec les paysages. Ils ne sont pas en reste face à ses sujets humains, mais se tiennent côte à côte, soulignant son respect pour le monde naturel.

Les chaises, aussi banales puissent-elles paraître, revêtent une importance particulière dans la série. Ces objets du quotidien ancrent bon nombre des compositions de Hockney et possèdent leur propre poids. Dans des œuvres comme Tyler Dining Room, nous voyons les chaises servir de sujets d'appui à un récit plus vaste. Cependant, dans Two Pembroke Studio Chairs, elles captent l'attention, chacune avec son style individuel et contrastant avec l'arrière-plan, suggérant son propre dialogue sur l'espace, la présence et l'occupation.

Plutôt que de simplement imiter la vie, Hockney a utilisé des teintes éclatantes pour en offrir une interprétation profondément personnelle. Avec une toile inondée de nuances de bleus lumineux, de rouges flamboyants et de verts vibrants, il est allé bien au-delà de la simple représentation. Il est clair que son intention n'était pas seulement de dépeindre la réalité, mais de l'imprégner d'émotion, permettant ainsi aux spectateurs de percevoir le monde à travers le prisme passionné et vif de Hockney lui-même. Ses choix de couleurs, même s'ils peuvent paraître exagérés à certains, offrent un aperçu de la psyché de l'artiste — là où les émotions s'entremêlent aux indices visuels.

Cette série pourrait tout aussi bien être un hommage aux principes cubistes et à l'influence de Picasso. Alors que l'on observe l'utilisation caractéristique de la fragmentation chez Hockney dans ses compositions colorées, sa perspective se manifestant dans les pentes, les motifs rayés et les dessins, c'est dans les images vibrantes de Celia que l'on perçoit les plus grandes résonances de la technique de Picasso employée dans Moving Focus. Ces œuvres présentent le corps reconfiguré d'une manière qui rappelle le penchant du maître ancien pour l'abstraction ; tout en conservant une qualité singulière, largement due à l'application de la couleur et au choix du médium par Hockney.

Dans Red Celia, ces techniques sont subtilement présentées, presque cachées à la vue de tous. Au premier coup d'œil, les spectateurs ne remarqueront peut-être qu'un seul profil du sujet — son profil de côté. Cependant, après un examen plus attentif, une vue de face est également présente, mais elle est quelque peu effacée par l'intense nuance de rouge. Cette double perspective ajoute non seulement de la profondeur au portrait, mais démontre également la maîtrise de Hockney en matière de superposition technique.

Tout au long de la série, on perçoit un clin d'œil évident aux grands maîtres du passé, tout en étant indéniablement ancrée dans le contemporain. C'est cette juxtaposition de l'ancien et du nouveau qui rend la série particulièrement captivante. Qu'il s'agisse de l'hommage subtil à Picasso ou des techniques d'estampe innovantes qu'il a employées, la capacité de Hockney à créer un pont entre différentes époques artistiques est une caractéristique déterminante de la série Moving Focus.

Bien que les spectateurs puissent reconnaître les nombreuses leçons de perspective de Hockney tout au long de cette série, ses estampes centrées sur l'Hotel Acatlán pourraient être celles qui ont le plus grand impact visuel. Il faut considérer que l'estampe originale a été créée en combinant deux feuilles de papier afin d'obtenir le résultat final : une vue panoramique simple, mais impressionnante. Dans Hotel Acatlán: Two Weeks Later, Hockney présente une vue de la même zone, mais cette fois avec un point de vue complètement différent de celui d'auparavant. Comparé à Hotel Acatlán: First Day, Hockney permet aux spectateurs d'examiner la cour de l'hôtel presque à vol d'oiseau, contrastant avec l'approche plus observatrice et moins immersive qu'il avait adoptée au départ.

Cette notion semble confirmée dans Hotel Acatlán: Second Day, où Hockney se rapproche de la cour, montrant une plus grande familiarité avec l'environnement. Il est également intéressant de noter que les couleurs deviennent de plus en plus vibrantes dans chaque estampe. Cela illustre non seulement la capacité de Hockney à vous entraîner dans sa perspective, mais suggère également la valeur croissante qu'il accorde à ces expériences et à ce que signifie se familiariser avec ces lieux au fil du temps.