Préparer le terrain : l'incursion de Pablo Picasso dans le monde du ballet

Picasso a manifesté très tôt un intérêt pour la danse, comme en témoignent ses œuvres sur les danseurs de cirque des années 1900. Au cours des décennies suivantes, à partir des années 1910, Picasso a contribué à dix productions de ballets. La plupart d'entre elles ont été réalisées avec les Ballets Russes, une compagnie itinérante conçue par l'imprésario Sergei Diaghilev, active entre 1909 et 1929. La compagnie est aujourd'hui considérée comme la plus influente du XXe siècle, en grande partie en raison de son caractère avant-gardiste : elle a constamment commandé des œuvres et collaboré avec des artistes novateurs, notamment des musiciens tels qu'Igor Stravinsky, Claude Debussy et Erik Satie, ainsi que des artistes comme Vasily Kandinsky et Henri Matisse, outre Picasso lui-même. Même Coco Chanel a œuvré en tant que créatrice de costumes pour certaines des productions de la compagnie. Les Ballets Russes sont crédités d'avoir su insuffler un nouvel élan à l'art et à la passion pour le ballet. Picasso a été présenté à Diaghilev par l'écrivain Jean Cocteau, qui rédigeait alors le scénario de « Parade » et était le voisin de l'artiste à Rome. Picasso s'est tellement immergé dans le monde des arts de la scène qu'en 1918, il a épousé la danseuse des Ballets Russes Olga Khokhlova, qui devint sa première épouse et fut l'une de ses premières muses.

Picasso est intervenu sur divers aspects des productions de ballet, de la conception des décors et des rideaux de scène à la création des costumes. Sa dernière participation officielle au ballet remonte à 1962, mais la fascination de l'artiste pour le mouvement s'est étendue aux scènes bacchanales qu'il a créées entre les années 1940 et 1960. La dynamique de la danse a ainsi marqué une grande partie de l'œuvre de l'artiste, allant parfois jusqu'à nourrir son expression artistique même.

La première incursion officielle de Picasso dans le monde du ballet fut pour Parade, chorégraphié par Léonide Massine, sur une musique d'Erik Satie et un argument en un acte de Jean Cocteau. La première eut lieu le 18 mai 1917 au Théâtre du Châtelet à Paris. Picasso conçut à la fois les costumes et les décors de cette production, qui fut le tout premier ballet cubiste. D'autres aspects novateurs suivirent : le poète Guillaume Apollinaire qualifia le ballet de "sorte de surréalisme" dans le programme qu'il rédigea, inventant ainsi le terme trois ans avant que le surréalisme n'émerge en tant que mouvement artistique.

L'intrigue de Parade relate les tentatives infructueuses d'une troupe de saltimbanques pour attirer le public vers leur spectacle. Incorporant de nombreux éléments de divertissement populaire de l'époque, l'œuvre se déroule dans les rues de Paris. Le public découvrit tout d'abord le rideau de scène créé par Picasso pour la production, qui demeure à ce jour la plus grande œuvre de l'artiste. Il représente un groupe d'artistes sur une scène tandis que, sur la gauche, une jument ailée se tient aux côtés d'un poulain qui tète, avec une fée perchée sur son dos. Le cubisme synthétique comme analytique imprègnent ses contributions : le décor principal était une toile de fond monochrome dépeignant une perspective cubiste sur un boulevard parisien. L'artiste créa également des sculptures de 2,75 m de haut, composées de formes géométriques, pour incarner les personnages des Managers ; leur échelle jouait avec la perception de la taille des danseurs. Il conçut en outre un costume de cheval, et le travail des danseurs reposait en grande partie sur le jeu de jambes.

La réception de la représentation originale fut très mitigée, certaines parties du public manifestant leur désapprobation par des huées avant d'être couvertes par des applaudissements nourris. Une grande partie de la critique visait les costumes conçus par Picasso, dont beaucoup, rigides, entravaient le mouvement des danseurs. Néanmoins, Parade est aujourd'hui considéré comme l'une des meilleures performances artistiques du XXe siècle.

Quelques années plus tard, Picasso participe au projet Le Tricorne, également chorégraphié par Massine et commandé par Diaghilev. Créé en 1919, ce ballet se déroule en Espagne et intègre de nombreux éléments de danse espagnole, ce qui fait écho à l'héritage propre de Picasso. Le ballet s'inspire du roman Le Tricorne de Pedro Antonio de Alarcón, une histoire d'amour interdit entre un magistrat et l'épouse fidèle d'un meunier. Pour définir l'atmosphère, Picasso réalise un rideau de scène monumental, illustrant une scène de son pays natal : des femmes en costume traditionnel observant une corrida tandis qu'un jeune garçon vend des grenades. À l'arrière-plan, le décor aux tons pastel présente un paysage de village sous un ciel étoilé. Il conçoit également les costumes du ballet, fortement inspirés des tenues populaires espagnoles.

Le rideau de scène créé par Picasso est resté suspendu au Four Seasons Restaurant à New York pendant 55 ans, mais il est aujourd'hui conservé à la New York Historical Society Museum and Library, constituant la plus grande œuvre de Picasso aux États-Unis.

Adaptation d'une pièce napolitaine du XVIIIe siècle, Pulcinella est une comédie classique de quiproquos, composée par Stravinsky, qui a inauguré sa période néoclassique. Massine en était le danseur principal et en a conçu le livret ainsi que la chorégraphie. Une fois de plus, Picasso fut chargé de créer les costumes et le décor. Ce dernier a d'ailleurs causé quelques difficultés à l'artiste, contraint de redessiner plusieurs fois le projet à la demande de Diaghilev. Finalement, ils optèrent pour une scène représentant Naples de nuit, avec le Vésuve en arrière-plan. Ses créations de costumes s'inspiraient largement de l'époque d'origine et des traditions populaires napolitaines. Le ballet a été présenté pour la première fois à l'Opéra de Paris le 15 mai 1920.

Fruit d'une nouvelle collaboration entre Picasso, Diaghilev et Cocteau, ce ballet en un acte a été chorégraphié par Bronislava Nijinska sur une musique de Darius Milhaud. Se déroulant sur la Côte d'Azur, le spectacle met en scène des nageurs, des joueurs de tennis et des haltérophiles, tous costumés par Chanel. L'implication de Picasso fut cette fois-ci nettement plus limitée, Diaghilev et Cocteau lui ayant seulement demandé l'autorisation de reproduire son tableau de 1922, « Deux Femmes Courant Sur La Plage », sur le rideau de scène, ce à quoi l'artiste consentit.

Cette même année, Picasso se détache pour la première fois des Ballets Russes pour travailler sur Mercure, dont il conçoit les décors et les costumes. Ce ballet fut commandé par la compagnie des Soirées de Paris, une tentative éphémère du comte Étienne de Beaumont pour rivaliser avec Diaghilev. Collaborant de nouveau avec Massine, Picasso s'éloigne ici du cubisme ; ses créations sont souvent perçues comme une évolution vers ses phases surréaliste et néoclassique. Inspiré par le dieu Mercure, le ballet possède une intrigue ténue, privilégiant l'impact visuel à travers une succession de tableaux vivants. On dit par ailleurs que « Mercure » constitue une satire voilée de Cocteau, qui aurait exagéré son rôle dans le succès de « Parade ».

Picasso a conçu un rideau de scène aux touches de couleurs sourdes évoquant un paysage, disposé derrière les figures peintes d'un Arlequin jouant de la guitare et d'un Pierrot au violon, tous deux cernés de noir. Une lyre, attribut de Mercure, gît à leurs pieds. Les décors, essentiellement monochromes, étaient composés d'éléments mobiles que les danseurs déplaçaient eux-mêmes. Une polémique éclata lorsque des dadaïstes, dont André Breton, boycottèrent la représentation. Il s'agira de la dernière incursion majeure de Picasso dans l'univers du ballet.

Tout comme pour « Le Train Bleu », Picasso ne fut que très peu impliqué dans la production, se contentant d'autoriser la compagnie à reproduire un rideau à partir d'un dessin existant.

Pour sa dernière contribution au monde du ballet, Picasso a peint le décor de la recréation de l'œuvre Icare de Serge Lifar, inspirée par le récit tragique d'Icare issu de la mythologie classique. On y voit une figure chutant, vêtue d'ailes, une préfiguration de ce qui allait suivre. Il s'agit d'un sujet que Picasso connaissait bien, l'ayant déjà abordé en 1958 avec The Fall Of Icarus, une œuvre peinte pour le siège de l'UNESCO.

L'incursion de Picasso dans l'univers du ballet constitue un chapitre majeur de sa carrière, illustrant sa créativité sans bornes et sa capacité à transcender les médiums artistiques. Ses contributions au ballet n'étaient pas de simples prolongements de son œuvre plastique, mais des chefs-d'œuvre à part entière alliant son style à la fluidité et à la grâce de la danse. Par ses décors, ses costumes et ses collaborations novatrices, Picasso a durablement marqué le monde du ballet, influençant des générations de scénographes et de chorégraphes. Son héritage dans ce domaine témoigne de sa polyvalence d'artiste et de son impact profond, dépassant le cadre des arts visuels pour s'étendre aux arts de la scène. Le parcours de Picasso auprès du ballet souligne le caractère intemporel de son travail et assoit son statut de véritable polymathe, dont l'influence continue d'inspirer et de résonner dans l'ensemble du monde de l'art.