Mise en scène : La contribution de Pablo Picasso au ballet

Picasso a exprimé un intérêt pour la danse dès son plus jeune âge, ce qui s'est manifesté dans ses œuvres de danseurs de cirque au début des années 1900. Au cours des années 1910, Picasso allait ensuite contribuer à dix productions de ballet au cours des décennies suivantes. La plupart d'entre elles l'ont été avec les Ballets Russes, une compagnie de ballet itinérante conçue par l'imprésario Sergei Diaghilev qui a existé entre 1909 et 1929. La compagnie est aujourd'hui considérée comme la plus influente du XXe siècle, en grande partie grâce à son caractère avant-gardiste : elle commandait et collaborait constamment avec des artistes révolutionnaires, y compris des musiciens tels que Igor Stravinsky, Claude Debussy et Erik Satie, ainsi que des artistes comme Vasily Kandinsky et Henri Matisse, en plus de Picasso lui-même. Même Coco Chanel a participé en tant que créatrice de costumes pour certaines productions de la compagnie. On attribue aux Ballets Russes le mérite d'avoir revigoré l'art et la passion pour le ballet. Picasso fut présenté à Diaghilev par l'écrivain Jean Cocteau, qui écrivait le scénario de Parade et était le voisin de l'artiste à Rome. Picasso fut tellement immergé dans le monde des arts du spectacle qu'en 1918 il épousa la danseuse des Ballets Russes Olga Khokhlova, qui devint sa première femme et fut l'une de ses premières muses.

Picasso s'impliqua dans divers aspects des productions de ballet, de la conception des décors et des rideaux de scène à la création des costumes. Sa dernière implication officielle dans le ballet remonte à 1962, mais la fascination de l'artiste pour le mouvement s'est étendue aux scènes bachiques qu'il créa entre les années 1940 et 1960. La dynamique de la danse a donc influencé une grande partie de l'œuvre de l'artiste, allant parfois jusqu'à alimenter son expression artistique même.

La première incursion officielle de Picasso dans le ballet date de Parade, dont la chorégraphie fut assurée par Leonide Massine, avec la musique d'Erik Satie et un scénario en un acte de Jean Cocteau. La première eut lieu le 18 mai 1917 au Théâtre du Châtelet à Paris. Picasso en conçut à la fois les costumes et les décors pour cette production, qui fut le tout premier ballet cubiste. D'autres aspects novateurs suivirent : le poète Guillaume Apollinaire décrivit le ballet comme « une sorte de surréalisme » dans le texte qu'il rédigea pour le programme, inventant ainsi le mot trois ans avant que le Surréalisme n'émerge comme mouvement artistique.

L'intrigue de Parade met en scène les tentatives infructueuses d'une troupe d'artistes pour attirer le public à leur spectacle. L'œuvre intégrait de nombreux divertissements populaires de l'époque et se déroulait dans les rues de Paris. La première impression que le public eut de Picasso fut le rideau qu'il créa pour la production, qui allait devenir la plus grande œuvre de l'artiste. Il représente un groupe d'artistes sur une scène tandis qu'à gauche, une jument ailée se tient aux côtés d'un poulain à la mamelle et d'une fée perchée sur son dos. Le Cubisme synthétique et le Cubisme analytique s'invitèrent ensuite dans ses contributions : le décor principal était un fond noir monochrome dépeignant une perspective cubiste d'un boulevard parisien. L'artiste réalisa également des sculptures de 2,75 m de haut, composées de formes géométriques, pour incarner les personnages des Managers – leur taille jouait avec la perception de la hauteur des danseurs. Il créa aussi un costume pour un cheval, et le travail des danseurs consistait principalement en des jeux de jambes.

L'accueil réservé à la représentation originale fut très mitigé, une partie du public sifflant bruyamment avant d'être couverte par des applaudissements enthousiastes. Une grande partie des critiques visaient les créations de costumes de Picasso, dont beaucoup étaient rigides, laissant un mouvement minimal aux danseurs. Néanmoins, Parade est aujourd'hui considérée comme l'une des meilleures performances artistiques du XXe siècle.

Quelques années plus tard, Picasso participa à Le Tricorne, également chorégraphié par Massine et commandé par Diaghilev. Créé en 1919, ce ballet se déroulait en Espagne et intégrait de nombreux éléments de la danse espagnole – ce qui, bien entendu, résonnait avec le patrimoine de Picasso. Le ballet est basé sur Le Tricorne de Pedro Antonio de Alarcón, une histoire d'amour interdite entre un magistrat et l'épouse fidèle d'un meunier. Pour asseoir l'ambiance, Picasso créa un rideau de scène monumental, représentant une scène de sa région natale : des femmes en tenue traditionnelle regardant un rodéo tandis qu'un jeune garçon vend des grenades. En arrière-plan, le décor était peint dans des tons pastel, figurant un paysage de village sur fond de ciel étoilé. Il réalisa également les costumes du ballet, fortement inspirés des tenues populaires espagnoles.

Le rideau de scène créé par Picasso fut accroché au Four Seasons Restaurant à New York pendant 55 ans, mais il est désormais exposé au New York Historical Society Museum and Library, constituant la plus grande œuvre de Picasso aux États-Unis.

Adaptation d'une pièce napolitaine du XVIIIe siècle, Pulcinella est une comédie d'erreurs classique, composée par Stravinsky – elle marque le début de sa période néoclassique. Massine en fut le danseur principal, créant à la fois le livret et la chorégraphie. Une fois de plus, Picasso fut chargé de concevoir les costumes et les décors. Ce dernier point causa quelques difficultés à l'artiste, car il fut contraint de redessiner à plusieurs reprises sur l'insistance de Diaghilev. Finalement, ils optèrent pour une scène de Naples la nuit, avec vue sur le Vésuve. Ses dessins de costumes s'inspiraient fortement de l'époque d'origine et des traditions folkloriques napolitaines. Le ballet fut créé à l'Opéra de Paris le 15 mai 1920.

Encore une collaboration entre Picasso, Diaghilev et Cocteau, ce ballet en un acte fut chorégraphié par Bronislava Nijinska sur une musique de Darius Milhaud. Se déroulant sur la Côte d'Azur, la performance met en scène des nageurs, des joueurs de tennis et des haltérophiles – tous costumés par Chanel. Picasso fut beaucoup moins impliqué cette fois-ci, Diaghilev et Cocteau ayant seulement demandé son autorisation pour reproduire son tableau de 1922, Deux Femmes Courant Sur La Plage, sur le rideau de scène, ce que l'artiste a accepté. À This Time, Picasso fut moins impliqué.

Cette même année, Picasso s'est séparé des Ballets Russes pour la première fois en travaillant sur Mercure, pour lequel il a conçu le décor et les costumes. Le ballet a été commandé par la compagnie des Soirées de Paris, une tentative de courte durée du comte Étienne de Beaumont pour concurrencer Diaghilev. Travaillant à nouveau avec Massine, cette représentation a marqué l'éloignement de Picasso du cubisme, ses créations étant souvent considérées comme une évolution vers ses phases surréaliste et néoclassique. Basé sur le dieu Mercure, le ballet offre peu d'intrigue, se concentrant principalement sur l'impact visuel à travers une série de tableaux vivants. Mercure passerait en réalité pour une satire voilée de Cocteau, qui aurait exagéré son rôle dans le succès de Parade.

Picasso a conçu un rideau de scène composé de taches de couleurs sourdes suggérant un paysage, lequel se dressait derrière les figures peintes d'un Arlequin jouant de la guitare et d'un Pierrot tenant un violon, le tout souligné de noir. Une lyre, attribut de Mercure, repose à leurs pieds. Les toiles de fond étaient en grande partie monochromes, composées d'éléments mobiles que les danseurs réarrangeaient. La controverse est apparue lorsque des Dadaïstes comme André Breton ont boycotté la représentation. Ce serait la dernière incursion majeure de Picasso dans le monde du ballet.

De manière similaire à Le Train Bleu, Picasso a été largement absent de la production, se contentant d'autoriser la société à reproduire un rideau basé sur un de ses dessins existants.

Lors de sa dernière incursion dans le monde du ballet, Picasso a peint le décor pour la recréation de l'Icare de Serge Lifar, inspiré par le récit tragique d'Icare dans la mythologie classique. Ce décor montre une figure chutant vers le bas, portant des ailes, ce qui préfigure ce qui allait se produire. C'était un sujet que Picasso connaissait bien, l'ayant déjà abordé dans The Fall Of Icarus en 1958, une œuvre peinte au siège de l'UNESCO.

L'incursion de Picasso dans le monde du ballet a marqué un chapitre important de sa carrière, démontrant sa créativité sans limites et sa capacité à transcender les médiums artistiques. Ses contributions au ballet n'étaient pas de simples prolongements de son art visuel, mais des chefs-d'œuvre autonomes qui mariaient son style à la fluidité et à la grâce de la danse. Par ses scénographies innovantes, ses costumes et ses collaborations, Picasso a laissé une empreinte sur le monde du ballet, influençant des générations de créateurs et de chorégraphes. Son héritage dans ce domaine est un rappel éloquent de sa polyvalence en tant qu'artiste et de son impact profond, non seulement dans les arts visuels, mais aussi dans les arts du spectacle. Le parcours de Picasso avec le ballet souligne le caractère intemporel de son œuvre et confirme son statut de véritable polymathe, dont l'influence continue d'inspirer et de résonner dans le monde de tous les arts.