La Documenta 7 de Cassel

La documenta 7 fut placée sous le commissariat de Rudi Fuchs et a réuni 182 artistes. Fuchs a cherché à rétablir la dignité de l'art contemporain en se concentrant sur son indépendance esthétique plutôt que sur son impact socio-politique. Cette approche marquait une rupture avec les précédentes éditions de la documenta, qui mettaient en avant l'art comme vecteur de changement social. L'exposition de Fuchs, dépourvue de titre formel ou de cadre théorique, reposait sur des métaphores poétiques et soulignait des valeurs traditionnelles telles que la beauté et l'individualisme artistique. Il a principalement mis en avant des peintures et des sculptures grand format, réduisant la présence de l'art conceptuel et de la performance. Fait notable, une seule installation vidéo fut présentée, contrastant avec les tendances de l'époque. Pour cette raison, elle a été critiquée pour son manque d'innovation, privilégiant des artistes plus établis. Ce virage vers des valeurs conservatrices dans l'art a coïncidé avec des changements sociétaux plus larges au début des années 1980, notamment le début du mandat de Helmut Kohl en tant que chancelier d'Allemagne et un éloignement des idéaux révolutionnaires des années 1960 et 1970. Cette période a également vu le regain d'importance des musées et l'essor d'un marché de l'art international florissant, favorisant des œuvres plus conventionnelles et commercialisables.

La documenta a présenté des artistes tels que Cy Twombly, Ed Ruscha, Francesco Clemente, Gilbert et George, ainsi que Robert Mapplethorpe. Parmi les autres points forts, on peut citer :

Pour sa contribution à l’exposition, Andy Warhol a envoyé trois de ses Oxidation Paintings, qualifiés de « parmi les rares exceptions réjouissantes à la morosité et à la grandiloquence générale de l’exposition ». Ces œuvres ont été réalisées en recouvrant des toiles de peinture au cuivre, sur lesquelles ses assistants urinaient ensuite. L’acidité de l’urine oxydait alors le métal contenu dans la peinture, créant un effet de miroitement. Bob Colacello, chroniqueur de la Factory, a affirmé que Warhol percevait ces pièces comme une parodie de Jackson Pollock, précisément le genre de clin d’œil ironique dont la documenta 7 fut accusée de manquer.

Judd a créé une imposante sculpture en extérieur à Cassel : un parallélogramme tridimensionnel ouvert, réalisé en acier autopatinable recouvert de mousse, structuré par des divisions droites internes formant une base rectangulaire. L’œuvre, qui fait écho à la linéarité élégante de l’architecture traditionnelle japonaise, s’intègre subtilement au parc. Par sa conception, la sculpture dialogue avec son environnement et la perspective du spectateur, se muant en une silhouette selon l’angle de vue et les conditions lumineuses. Sous d’autres angles, sa partie centrale semble se dissoudre, créant une illusion d’ouverture sur les éléments et les variations de la lumière solaire. Haute d’environ 1,80 mètre, elle invite le public à la traverser, suscitant un sentiment de douce surprise au gré de cette interaction inattendue.

Jean-Michel Basquiat fut l'artiste le plus jeune jamais exposé à la documenta, à l'âge de seulement 21 ans, avec trois peintures présentées, dont « Arroz Con Pollo ». L'année 1982 fut charnière dans la carrière de Basquiat, marquant son ascension fulgurante dans le monde de l'art. Cette période l'a vu produire certaines de ses œuvres les plus marquantes, lesquelles ont joué un rôle essentiel dans l'établissement de son héritage en tant que figure majeure de l'art contemporain.

Pour illustrer la manière dont la documenta 7 a privilégié la peinture, Keith Haring a soumis des toiles pour l'exposition. Il a introduit ses propres écrits dans le catalogue de l'exposition par une citation de Jean Dubuffet : « La peinture a sur le langage des mots un double avantage. D'abord, elle évoque les objets avec plus de force et les approche de bien plus près. Ensuite, elle ouvre une porte plus large sur l'extérieur, sur la danse intérieure du monde des idées du peintre. »

Haring a également contribué à la section Fashion Moda – une boutique présente au sein de la foire, préfigurant le Pop Shop. Il y a créé les badges « radiant baby » et « barking dog », qui étaient vendus à la poignée au prix d'un mark allemand l'unité.

Marina Abramović y figurait en duo avec Ulay. Leur performance lors de la documenta 7 s'inscrivait dans le prolongement naturel de leurs travaux antérieurs axés sur l'exécution de tâches, se muant ici en un mélange d'alchimie thérapeutique et de méditation cérémonielle. Ce rituel, investi dans la salle en coupole de l'Orangerie, était ouvert au public sans pour autant dépendre de lui. Assis aux extrémités d'une table polie, à distance des spectateurs retenus par une fine corde, ils composaient une scène aussi sereine que puissante. Une fontaine à eau à proximité, contenant des sédiments de feuilles d'or, soulignait les vertus purificatrices de l'or et était mise à la disposition des visiteurs. Dans cette configuration, Abramović et Ulay restaient immobiles et absorbés, se faisant face durant des sessions d'une journée entière – un motif qu'ils reproduiront plus tard dans la célèbre œuvre The Artist Is Present.

Robert Longo a envoyé l'une de ses figures dansantes issue de la série Men In The City, intitulée « Final Life II ». Les œuvres de ces séries allaient devenir emblématiques des années 1980, représentant des hommes et des femmes en tenue d'affaires dans des poses exagérées et contorsionnées, dansant ou semblant chuter. Ces figures monumentales, dessinées en monochrome, créent un contraste saisissant entre leur mouvement dynamique et leur tenue formelle, reflétant une critique de la tension propre au monde capitaliste moderne des années 1980. Ce thème a trouvé un écho dans la culture populaire, notamment au cinéma, où il a souvent souligné des thématiques liées au pouvoir et aux modes de vie urbains toxiques. La pièce fut mise en dialogue avec d'autres œuvres monochromes lors de la documenta 7, favorisant ainsi une fois de plus une forme de conversation entre artistes.

Bien que la documenta 7 ait été initialement critiquée pour son manque perçu d'expérimentation, cette exposition a su démontrer une influence et une pertinence durables. Les thèmes et motifs explorés par les artistes ont non seulement résisté à l'épreuve du temps, mais ont également pavé la voie au succès pérenne de leurs carrières. La manifestation a mis en lumière des œuvres qui, avec le recul, se sont révélées précurseurs des tendances de l'art contemporain, confirmant ainsi son rôle majeur dans l'évolution du monde de l'art.

De nombreux exemples témoignent des contributions notables d'artistes dont les travaux présentés lors de l'exposition ont préfiguré leurs succès futurs et leur influence durable. La participation de Haring à la section Fashion Nova, par exemple, a servi de précédent à son emblématique Pop Shop. Les figures dansantes captivantes de Longo exposées lors de la manifestation continuent de résonner au sein de la culture visuelle contemporaine. Abramović a plus tard atteint une notoriété virale grâce à une performance avec Ulay, rappelant les œuvres marquantes qu'elle avait présentées à cette occasion. Basquiat, le plus jeune artiste de la documenta 7, est devenu à titre posthume l'un des artistes les plus influents et les plus cotés de tous les temps.

Dans l'ensemble, la capacité de la documenta 7 à identifier et à présenter des artistes qui allaient connaître un succès durable et redéfinir les normes artistiques témoigne de l'influence profonde et pérenne de l'exposition dans le domaine de l'art contemporain. Les contributions des artistes continuent de faire écho, démontrant l'impact durable de l'exposition et sa prescience dans la reconnaissance et la présentation de développements artistiques fondamentaux.