Toutefois, Just Stop Oil, sans doute le visage le plus visible de la contestation contemporaine axée sur l'art, a récemment annoncé qu'il mettait un terme à ses tactiques perturbatrices. Après trois années d'interventions très médiatisées, le collectif a déclaré qu'une ultime action était prévue le 26 avril sur Parliament Square à Londres, date à laquelle le groupe cessera d'opérer sous son nom actuel. Cette décision intervient alors que le gouvernement britannique adopte formellement la revendication initiale de Just Stop Oil visant à mettre fin à l'octroi de nouvelles licences pétrolières et gazières.
Un héritage d'iconoclasme
La destruction politisée des images n'est pas une nouveauté. Pendant la Réforme protestante, les iconoclastes ont effacé des œuvres religieuses pour condamner l'opulence et l'idolâtrie supposée de l'Église. Des siècles plus tard, en 1914, la suffragette Mary Richardson s'en est prise au couteau de boucher à la « Rokeby Venus » de Velázquez, la déclarant contraire à la réalité de la privation des droits des femmes. Son acte a cristallisé l'idée que les œuvres peuvent être instrumentalisées pour dramatiser l'injustice. En 1974, lorsque Tony Shafrazi a maculé de peinture rouge le « Guernica » de Picasso en signe de protestation contre le massacre de Mỹ Lai, sa cible n'était pas la peinture elle-même, mais la violence qu'elle représentait, en réponse aux atrocités commises au Vietnam.
La mécanique du spectacle moderne
Les activistes climatiques d'aujourd'hui s'inscrivent consciemment dans cette lignée, comme en témoignent de manière frappante les actions de Just Stop Oil. Fondé en 2022, le groupe a fait des institutions artistiques le théâtre de certaines de ses interventions les plus controversées. L'un des actes de dégradation d'œuvres les plus scrutés a eu lieu le 14 octobre 2022, lorsque deux militants ont jeté de la soupe sur les Tournesols de Vincent van Gogh à la National Gallery, avant de se coller au mur sous le tableau. Bien que l'œuvre fût protégée par une vitre et indemne, l'incident a rapidement fait la une de l'actualité mondiale et des réseaux sociaux. Des actions similaires menées tout au long de l'année 2022 ont visé « La Charrette de foin » de Constable à la National Gallery, « Thomson's Aeolian Harp » de Turner à Manchester, et « Pêchers en fleurs » de Van Gogh à la Courtauld Gallery. Des manifestants ont même brisé la vitre protégeant la « Vénus à son miroir » de Velázquez à l'aide de marteaux de sécurité, lors d'une attaque chorégraphiée visant à ne pas endommager la toile elle-même.
Pour Just Stop Oil, le spectacle est une finalité, conçue pour bousculer l'indifférence du public et la lassitude médiatique. L'efficacité de ces protestations repose sur leur visibilité. Just Stop Oil recherche une réaction émotionnelle qui replace la crise climatique au cœur du débat culturel et politique. Pour les personnes impliquées, les enjeux justifient de telles tactiques, leurs interventions n'étant pas perçues comme des actes de profanation, mais comme des actes désespérés de préservation.
Pourquoi l'art ?
Les institutions culturelles se présentent depuis longtemps comme des espaces apolitiques dédiés à la préservation et à la célébration de la culture. Pourtant, en réalité, les musées et les galeries s'inscrivent au sein de réseaux d'influence financière, politique et idéologique plus larges. Bon nombre des principales institutions artistiques du Royaume-Uni, dont le British Museum et la National Portrait Gallery, ont historiquement bénéficié du mécénat de compagnies pétrolières et gazières telles que BP et Shell. Bien que BP ait mis fin à ses partenariats avec plusieurs institutions culturelles britanniques majeures entre 2016 et 2023, l'héritage du mécénat des énergies fossiles perdure, non seulement dans les registres de financement, mais aussi dans la perception du public. Ces relations ont suscité des critiques constantes de la part de groupes environnementaux, d'artistes et d'universitaires, qui soutiennent que de tels parrainages s'apparentent à une forme de « greenwashing », permettant aux industries extractives de redorer leur réputation par leur association avec la « haute » culture. Les militants cherchent à attirer l'attention sur cette infrastructure sous-jacente. En ciblant des œuvres hautement visibles et symboliquement chargées, ils obligent le public et les médias à faire face aux liens inconfortables entre la conservation culturelle et la destruction de l'environnement. Les partisans de ces actions soutiennent qu'une intervention radicale est le seul moyen de rompre une apathie généralisée.
Les critiques, cependant, soulignent des recherches indiquant qu'une perturbation extrême peut durcir l'opposition. L'étude publiée en 2022 par le climatologue Michael E. Mann suggère que les tactiques agressives peuvent aliéner les observateurs modérés, renforçant l'image des militants en tant qu'extrémistes. Les analyses historiques des mouvements sociaux font écho à cette ambivalence : si les manifestations spectaculaires galvanisent les soutiens, elles peuvent simultanément rebuter les indécis. À ce jour, la preuve que la dégradation d'œuvres d'art produit systématiquement des résultats positifs demeure peu concluante.
Campagnes alternatives
Si certaines formes sensationnalistes d'activisme artistique peuvent efficacement mettre en lumière des priorités sociétales malavisées et susciter de vives réactions émotionnelles, elles risquent également de radicaliser les mouvements au point de les couper du soutien du grand public. À l'inverse, il est largement démontré qu'une contestation non destructrice, centrée sur l'art, peut produire un impact durable. Entre 2007 et 2016, des artistes et des militants ont ciblé le mécénat de BP auprès des galeries Tate par une série d'interventions imaginatives. Sans recourir au vandalisme, ils ont mis en scène des spectacles de performance dans les halls des musées, diffusé des lettres ouvertes signées par des centaines de créateurs et organisé des pétitions qui ont marqué l'imaginaire collectif. Cette pression cumulative a convaincu BP de rompre ses liens avec la Tate, marquant une victoire historique pour le militantisme artistique. De même, la croisade de la photographe Nan Goldin contre le financement des grands musées par la famille Sackler a mêlé expositions, conférences publiques et dialogue stratégique avec les administrateurs. En documentant le lien entre la philanthropie artistique et la crise des opioïdes, Goldin a contraint des institutions telles que le Louvre et le Metropolitan Museum of Art à retirer le nom des Sackler de leurs galeries. Ces campagnes démontrent que, lorsqu'ils ciblent les institutions en exerçant une pression soutenue, les militants peuvent obtenir des réformes sans avoir recours à des spectacles sensationnalistes.
Les militants pour le climat continuent de redéfinir le rôle de l'art en tant que catalyseur de transformation. La dégradation d'œuvres provoque et perturbe inévitablement, mais à mesure que le spectacle s'intensifie, le sens risque de se dissiper. Pour que l'activisme artistique dépasse le stade de l'indignation, il doit combler le fossé entre le symbolisme et la substance. Si le ciblage des œuvres déclenche indéniablement le débat, l'histoire démontre que les campagnes les plus efficaces sont celles qui maintiennent une pression constante dans le temps, mobilisent un public plus large et exigent des comptes aux institutions.
