Les Guerilla Girls : l'art féministe peut-il transformer un marché dominé par les hommes ?

Le monde de l'art a longtemps été façonné par un réseau élitiste de collectionneurs, de conservateurs, de conseils d'administration de musées et de galeristes, qui ont historiquement influencé la valeur artistique, les tendances du marché et la reconnaissance culturelle. Dans les années 1980, cette structure de pouvoir était particulièrement rigide ; le prestige et le succès financier étaient souvent hérités plutôt que gagnés grâce à un système équitable. Il en résultait un cercle auto-entretenu qui favorisait principalement les artistes masculins, laissant aux femmes et aux artistes de couleur un accès limité aux grandes institutions et au succès commercial. Durant cette période, le monde de l'art était largement défini par des pratiques d'exclusion, les galeries et les musées privilégiant une vision étroite, dominée par les hommes et souvent eurocentrée de la grandeur artistique.

Depuis près de quatre décennies, les Guerrilla Girls œuvrent pour dénoncer ces inégalités, utilisant des critiques basées sur des données et des interventions visuelles provocatrices pour mettre en lumière les biais raciaux et de genre qui structurent le marché de l'art. L'une de leurs premières œuvres les plus marquantes, Only 4 Commercial Galleries in NY Show Black Women (1986), révélait la réalité de l'exclusion au sein du système des galeries commerciales. Des décennies plus tard, les chiffres demeurent profondément préoccupants. Un rapport d'Artnet de 2019 a montré qu'entre 2008 et 2019, les œuvres d'artistes femmes ne représentaient que 2 % des ventes aux enchères mondiales – un chiffre qui ne témoigne pas d'un manque de talent artistique, mais de la dévalorisation systémique du travail des femmes sur le marché. Même Georgia O’Keeffe, qui fut jusqu'en 2023 l'artiste femme la mieux vendue, reste éclipsée financièrement par des homologues masculins tels que Picasso, Warhol et Basquiat, dont les œuvres continuent d'atteindre des sommes record aux enchères.

La vente aux enchères effrénée de la banane de Maurizio Cattelan, Comedian, une œuvre conceptuelle consistant en une banane scotchée au mur, offre un commentaire saisissant sur les contradictions du monde de l'art. Le symbolisme phallique de la banane, élevé au rang de « grand art » et marchandisé pour le profit, semble presque trop évident lorsqu'on le compare à la dévaluation persistante des contributions des femmes au marché. Alors que cette pièce provocatrice s'est vendue 6,2 millions de dollars, les artistes femmes continuent de se battre pour la reconnaissance financière et institutionnelle – c'est une ironie d'autant plus amère que le spectacle et l'ironie atteignent des sommes à six chiffres, tandis que les inégalités systémiques restent contestées.

Cette disparité économique n'est pas fortuite ; elle est le résultat de l'inertie institutionnelle et d'un marché de l'art conçu pour récompenser ceux qui détiennent déjà le pouvoir. Bien que les initiatives visant à accroître la représentation aient accru la visibilité des artistes marginalisés, la simple visibilité ne suffit pas à démanteler les structures financières et institutionnelles qui perpétuent les inégalités. Une véritable équité dans le monde de l'art exige plus que l'inclusion ; elle nécessite une réévaluation fondamentale de la manière dont la valeur artistique est attribuée et de qui bénéficie du succès sur le marché.

Au fil des décennies, les Guerrilla Girls ont continuellement adapté leurs tactiques en réponse aux changements survenus à la fois dans le monde de l'art et dans les mouvements sociaux au sens large. Durant leurs premières années, leur militantisme était délibérément perturbateur et populaire : elles collaient des affiches provocantes At Night, infiltraient des vernissages en masque de gorille et utilisaient la satire pour dénoncer les pratiques d'exclusion de l'establishment artistique. En restant anonymes, elles s'assuraient que cette stratégie non seulement les protégeait des représailles professionnelles, mais renforçait également leur message fondamental : le problème résidait dans les structures de pouvoir du monde de l'art, et non pas uniquement dans les mauvais acteurs individuels.

Cependant, à mesure que leur influence grandissait, leur présence au sein même des institutions qu'elles s'efforçaient de condamner augmentait également. Aujourd'hui, les affiches, les portfolios et les œuvres conceptuelles des Guerrilla Girls font partie des collections des grands musées, notamment le MoMA, la Tate Modern et le Centre Pompidou. Ce changement soulève la question suivante : un collectif activiste peut-il conserver son tranchant radical lorsque son travail est adopté – et même marchandisé – par les institutions d'élite qu'il cherchait initialement à démanteler ? Certains critiques soutiennent que leur absorption dans le courant dominant risque d'émousser l'impact de leur message, réduisant leur critique à un artefact historique plutôt qu'à un appel à l'action. Les Guerrilla Girls, cependant, rejettent cette idée, considérant plutôt leur reconnaissance institutionnelle comme une occasion d'insérer une critique subversive de l'intérieur. Comme elles l'ont elles-mêmes déclaré : « Que faites-vous lorsque le monde de l'art que vous avez passé votre vie à attaquer vous accueille soudainement ? Eh bien... vous injectez votre critique directement dans la structure. »

Leur exposition récente à la Hannah Traore Gallery marque une nouvelle évolution dans leur parcours – cette fois, une entrée dans l'espace de la galerie commerciale. Traore, jeune galeriste déterminée à amplifier les voix sous-représentées, voit cette exposition comme un moyen de présenter le militantisme des Guerrilla Girls à une nouvelle génération. Or, le marché de l'art contemporain prospère grâce à l'exclusivité, au spectacle et au profit – des valeurs fondamentalement opposées à l'éthique des Guerrilla Girls. À mesure que leurs affiches et estampes deviennent des objets de collection recherchés, leur critique risque d'être désamorcée, transformée d'un acte de résistance en une marchandise désirable. Cette tension entre militantisme et acceptation institutionnelle n'est pas propre aux Guerrilla Girls ; c'est un défi auquel sont confrontés tous les mouvements radicaux lorsqu'ils naviguent sur la fine ligne qui sépare la visibilité de la complicité. La question demeure : peut-on changer le monde de l'art de l'intérieur, ou la participation à ses structures dilue-t-elle inévitablement la force de la critique ?

Malgré les contradictions inhérentes à la relation de l'art féministe avec le marché commercial, son potentiel pour catalyser un changement significatif ne doit pas être sous-estimé. L'art a longtemps servi d'outil d'activisme, non seulement en reflétant les injustices sociétales, mais aussi en faisant pression sur les institutions pour qu'elles les reconnaissent et y remédient. Les Guerrilla Girls, en particulier, ont joué un rôle essentiel pour exposer les biais profondément ancrés dans le monde de l'art, forçant les musées, les galeries et les collectionneurs à confronter leurs pratiques d'exclusion. Leur travail a remodelé les conversations autour de la représentation, obligeant les institutions à repenser leurs décisions de curation et leurs politiques d'acquisition. Au cours des deux dernières décennies, on a observé une augmentation mesurable du nombre d'artistes femmes et BIPOC exposées dans les grandes institutions, et le montant dépensé aux enchères pour des œuvres d'artistes femmes a augmenté de 174,2 % entre 2008 et 2021. Cependant, même si des progrès se dessinent lentement, des limites importantes subsistent. Le rapport The Art Basel and UBS Art Market Report 2024 montre que les œuvres d'artistes femmes ne représentent que 39 % des ventes en galerie, tandis que les œuvres d'artistes femmes noires américaines ne représentent que 0,1 % de toutes les ventes aux enchères entre 2008 et mi-2022.

La décision de Hannah Traore d'exposer les œuvres des Guerrilla Girls s'inscrit dans un mouvement plus large de galeries indépendantes et de musées qui cherchent à remettre en question ces déséquilibres historiques. Des espaces comme le sien offrent des opportunités aux artistes sous-représentées et aux militantes pour engager de nouveaux publics et étendre leur portée au-delà des gardiens traditionnels des institutions. Pourtant, même ces efforts s'inscrivent dans une économie de l'art plus vaste qui privilégie les retours financiers au changement social. Le défi n'est donc pas seulement d'accroître la visibilité, mais de remodeler fondamentalement la manière dont la valeur est attribuée au sein du monde de l'art.