Y a-t-il encore eu des grandes artistes femmes ?

Des changements sismiques se sont sans aucun doute produits à la suite de l'œuvre fondamentale de Nochlin, mais ont-ils été suffisants ? En examinant comment le marché de l'art contemporain a réagi à la sous-représentation des artistes femmes, à la transformation de la réception des œuvres créées par des femmes et aux barrières qui ont été levées — et à celles qui demeurent —, nous dévoilons l'histoire vibrante de l'art féminin, aujourd'hui plus riche et complexe que jamais.

La réévaluation de la question posée par Nochlin appelle à un examen des changements systémiques qu'elle a provoqués, des réussites des artistes femmes actuelles et à une réflexion sur la trajectoire du monde de l'art contemporain dans son ensemble. Le défi de Nochlin continue de résonner, nous incitant à redéfinir ce que signifie réellement la grandeur dans l'art, et qui décide de cette définition.

En 1971, la universitaire Linda Nochlin publiait son essai fondateur, « Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes artistes femmes ? », qui abordait de front les obstacles systémiques qui avaient empêché les femmes d'obtenir la même reconnaissance que leurs homologues masculins dans le monde de l'art. Nochlin soutenait que l'absence de « grandes » artistes femmes dans l'histoire n'était pas due à un manque de talent, mais plutôt le résultat de barrières institutionnelles qui avaient refusé aux femmes les mêmes opportunités éducatives et professionnelles qu'aux hommes. Elle remettait en question la notion même de « grandeur », soulignant qu'il s'agissait d'une construction souvent biaisée par le genre et façonnée par des structures sociétales qui favorisaient les hommes.

L'article de Nochlin est devenu un texte essentiel de l'histoire de l'art féministe, catalysant les discussions sur l'inégalité des genres dans les arts et au-delà. Il a entraîné un réexamen du canon de l'histoire de l'art et a inspiré des générations de chercheurs et d'artistes à découvrir et à promouvoir le travail des artistes femmes qui avaient été négligées ou marginalisées. Comme on pouvait s'y attendre, l'accueil de l'œuvre de Nochlin fut mitigé, mêlant acclamation et controverse, car elle ébranlait des certitudes bien ancrées au sein de la communauté artistique et de la société en général.

La lutte pour la reconnaissance, mise en lumière par Nochlin, se poursuit aujourd'hui, même si le paysage a évolué. Le monde de l'art contemporain a sans aucun doute vu une visibilité et une représentation accrues des artistes femmes, avec davantage d'expositions, de rétrospectives et d'études critiques consacrées à leurs œuvres. Cependant, la quête de la parité des genres dans le monde de l'art est un cheminement continu, les questions de représentation, d'évaluation et d'inclusion restant omniprésentes. L'essai de Nochlin demeure une référence pour ceux qui participent à ces conversations, offrant une lentille critique à travers laquelle examiner les progrès et les défis persistants rencontrés par les artistes femmes.

Ces dernières années ont marqué une nette amélioration dans la manière dont les œuvres des artistes femmes sont étudiées, collectionnées et valorisées. La montée en puissance de l'appréciation pour les artistes féminines est visible dans les expositions contemporaines, où leurs œuvres sont présentées plus en évidence que jamais, et dans le nombre croissant d'expositions personnelles et de rétrospectives qui leur sont consacrées. En 1981, le premier musée entièrement dédié à la promotion des artistes femmes a ouvert ses portes à Washington, D.C. Depuis lors, le récit s'est élargi pour englober une gamme variée de voix féminines, et leurs contributions commencent désormais à être considérées comme faisant partie intégrante du tissu de l'art contemporain.

Cette visibilité accrue s'est traduite par une plus grande présence sur le marché, certaines artistes femmes réalisant des ventes records aux enchères et suscitant une demande plus forte auprès des collectionneurs. Cependant, bien que le marché de l'art ait fait des progrès considérables, il est toujours confronté à des obstacles persistants. Il n'y avait aucune artiste dans le top 40 des artistes en termes de valeur totale des ventes aux enchères entre 2000 et 2017, et 96 % des œuvres vendues aux enchères sont celles d'artistes masculins. En 2018, seulement 24 % des 27 000 artistes présentés dans les foires d'art étaient des femmes. En 2022, Forbes estimait l'écart de rémunération entre les genres dans le monde de l'art à environ 192 milliards de dollars, compte tenu du fait qu'entre 2008 et 2019, les œuvres produites par des femmes ne représentaient qu'environ 2 % de la valeur totale des ventes aux enchères. Seulement 29 % des lauréats du prix Turner ont été des femmes, et la première femme de couleur, Lubaina Himid, n'a remporté le prix qu'en 2017. Ces faits illustrent que l'affirmation de Nochlin reste valable, et que les artistes femmes sont toujours systématiquement sous-évaluées, tant sur le plan monétaire qu'en termes de prestige.

Les artistes femmes restent largement sous-représentées dans les galeries et musées majeurs, et la sous-évaluation historique de l'art féminin continue d'influencer la dynamique du marché, souvent au détriment de la reconnaissance économique et professionnelle des artistes femmes. De plus, les femmes dans l'art sont confrontées à des défis intersectionnels, où la race, la classe et la sexualité se croisent avec le genre pour aggraver les disparités. Le marché contemporain a certes évolué depuis l'essai de Nochlin, les artistes femmes y jouant un rôle de plus en plus important. Néanmoins, le démantèlement complet des barrières qu'elle avait identifiées est toujours en cours. Le monde de l'art continue de se pencher sur ces questions, cherchant à créer un environnement équitable où la question posée par Nochlin perdrait sa pertinence, car la réponse serait évidente dans les réussites et la reconnaissance des artistes femmes.

Les femmes qui ont eu la chance de surmonter les préjugés bien ancrés dans le monde de l'art se sont taillé des espaces de succès, gagnant l'attention et le respect dans des sphères qui ignoraient autrefois leurs contributions. Ces réussites sont importantes, non seulement pour les accomplissements individuels des artistes, mais aussi pour ce qu'elles symbolisent : le démantèlement progressif des biais de genre dans ce milieu. Par leurs styles distincts et leurs carrières marquantes, ces femmes redéfinissent le discours et inspirent les futures générations d'artistes à exiger et à attendre une reconnaissance égale sur le marché de l'art et au-delà.

Georgia O'Keeffe est un exemple de ce phénomène, son œuvre ayant atteint à la fois une reconnaissance critique et un succès commercial. Ses peintures singulières, notamment ses fleurs monumentales et ses paysages du Sud-Ouest, se sont vendues à des sommes records, assurant sa place parmi les artistes les plus célébrées de l'histoire de l'art américain. Elle a réalisé l'œuvre la plus chère vendue par une femme artiste aux enchères : son tableau Jimson Weed/White Flower No. 1, vendu 44,4 millions de dollars en 2014. Bien que ce soit remarquable, ce montant reste inférieur de plus de 400 millions de dollars au record d'adjudication pour un artiste homme : Salvator Mundi de Leonardo Da Vinci, vendu 450,3 millions de dollars en 2017.

Dans le domaine de l'art contemporain, Jenny Saville a brisé des plafonds de verre avec ses représentations audacieuses et viscérales de la forme humaine. Elle est l'artiste femme vivante la plus cotée, et ses peintures atteignent régulièrement des prix élevés aux enchères, reflétant un marché de plus en plus réceptif aux messages puissants véhiculés par les œuvres des femmes. Si la présence de Saville sur le marché de l'art témoigne des changements d'attitude et de l'appréciation croissante des perspectives uniques offertes par les femmes, une analyse plus poussée révèle les biais persistants. Alors que son tableau Propped s'est vendu 12,4 millions de dollars en 2018, cette somme est éclipsée par le record pour un artiste homme vivant : un Flag de Jasper Johns vendu 110 millions de dollars en 2010. Lors de la même vente où Saville a marqué l'histoire, moins de 10 % des autres œuvres provenaient d'artistes femmes.

Les expositions historiques ont également joué un rôle essentiel dans le remodelage des perceptions, surtout dans le milieu universitaire. Des artistes comme Artemisia Gentileschi, autrefois éclipsée par ses contemporains masculins, ont été mises en lumière grâce à des expositions dédiées qui soulignent leur maîtrise et leur apport à l'histoire de l'art. En 2021, la National Gallery de Londres lui a consacré une exposition complète, la première organisée au Royaume-Uni. Fait notable, cependant, le musée ne possède dans ses collections que les œuvres de huit femmes artistes. De même, Frida Kahlo, célèbre pour ses autoportraits profondément personnels et symboliques, a fait l'objet de nombreuses rétrospectives – dont une en 2018 au Victoria & Albert Museum.

Plus récemment, l'artiste britannique contemporaine Tracey Emin a également marqué les esprits, non seulement par ses œuvres autobiographiques et provocatrices, mais aussi par ses contributions à la conception d'espaces publics. Le design d'Emin pour les portes de la National Portrait Gallery à Londres est une réussite qui souligne son influence et la reconnaissance des artistes femmes dans les commandes publiques – un domaine historiquement dominé par les hommes. Créée pour pallier le déséquilibre entre les sexes que la galerie admet, son œuvre est révélatrice d'une évolution vers un monde de l'art plus inclusif. Yayoi Kusama est un autre excellent exemple contemporain, ses installations immersives et ses collaborations dans la mode continuant de captiver des publics bien au-delà des cercles artistiques.

Bien que toutes ces réussites méritent d'être largement célébrées, il est également essentiel de reconnaître que la majorité des artistes ayant obtenu une reconnaissance dans le monde de l'art sont blancs et cisgenres. Cela reflète des inégalités systémiques plus larges qui vont au-delà du genre, englobant la race, la nationalité et l'identité de genre – les artistes de couleur et ceux issus de la communauté LGBTQ+ rencontrent souvent des niveaux de partialité et d'exclusion supplémentaires. Cette disparité met en lumière la nécessité d'un monde de l'art plus inclusif qui non seulement s'attaque à l'inégalité des genres, mais cherche aussi activement à démanteler les biais raciaux et queer. Reconnaître et promouvoir un éventail diversifié d'artistes est fondamental pour créer un écosystème artistique qui représente véritablement la richesse de l'expérience et de l'expression humaines.

La question provocatrice de Nochlin a joué un rôle essentiel dans l'encouragement d'une réévaluation du canon de l'histoire de l'art et dans la mise en lumière des contributions souvent négligées des femmes. Les biais institutionnels que Nochlin critiquait sont aujourd'hui activement remis en cause par des initiatives et des appels à la parité des genres dans les musées, les galeries et les autres environnements du marché de l'art.

Cela se manifeste par la reconnaissance que reçoivent désormais des peintres historiques comme Gentileschi, Élisabeth Vigée Le Brun et Sofonisba Anguissola, dont les œuvres font l'objet d'une réévaluation par les universitaires et les institutions, leur accordant une place de choix dans les annales de l'histoire de l'art. Leurs récits et leurs œuvres sont revisités, révélant une richesse qui avait été occultée dans les narrations traditionnellement dominées par les hommes. En 2020, le Musée du Prado à Madrid a organisé une exposition marquante intitulée Sofonisba Anguissola et Lavinia Fontana : Histoire de deux peintres. Cette exposition, qui s'inscrivait dans le cadre des célébrations du bicentenaire du musée, présentait 65 œuvres issues de plus de 20 collections d'Europe et d'Amérique. C'était la première fois que des œuvres clés de ces deux célèbres peintres de la Renaissance étaient présentées ensemble, mettant en lumière leurs carrières autrefois célébrées, mais qui avaient été obscurcies avec le temps. Anguissola et Fontana étaient toutes deux largement reconnues de leur vivant, mais avaient été largement oubliées dans le récit historique. Aujourd'hui, universitaires et institutions réévaluent leurs contributions et rehaussent leurs œuvres, révélant une profondeur longtemps négligée au profit de leurs homologues masculins.

Cette réévaluation s'inscrit dans un mouvement plus large visant à reconnaître l'impact profond de maîtres du XXe siècle tels qu'O'Keeffe, Kahlo et Bridget Riley, dont la maîtrise technique et l'inventivité sont reconnues plus que jamais. À l'ère contemporaine, le succès d'artistes comme Emin et Saville marque un changement majeur, car elles remettent en question les idées conventionnelles de la féminité et affirment la puissance des voix féminines dans l'art. Leurs succès commerciaux et critiques démontrent que le marché de l'art, bien qu'encore imparfait, est capable de promouvoir les artistes femmes.

Malgré ces progrès, le chemin vers la correction du déséquilibre des genres dans le monde de l'art est loin d'être terminé. Les réalisations de ces pionnières servent de phare de progrès et de rappel du travail qu'il reste à accomplir. Le monde de l'art continue d'être confronté à des problèmes systémiques qui limitent l'accès et la reconnaissance pour de nombreuses artistes femmes, en particulier celles qui doivent également faire face à des biais croisés liés à leur identité raciale et de genre. La question de Nochlin demeure un appel à l'action, incitant à un dialogue continu et à des efforts concertés pour créer un monde de l'art équitable, diversifié et inclusif – où la grandeur n'est pas définie par le genre, mais par le pouvoir transformateur de l'œuvre elle-même.