La succession d'Andy Warhol perd son procès en Cour suprême concernant le droit d'auteur

Lynn Goldsmith a débuté sa carrière en photographiant les visages les plus emblématiques du rock, un accomplissement dont elle peut être fière, car peu de femmes travaillaient dans ce domaine à l'époque. Au fil de sa carrière, son travail a été exposé dans des publications telles que Time et Rolling Stone, ainsi qu'au National Portrait Gallery et au Museum of Modern Art. Parmi les célébrités qu'elle a immortalisées figuraient Led Zeppelin, Bob Dylan, James Brown et Prince.

En 1984, Vanity Fair a acquis une licence pour utiliser l'une des photographies de Goldsmith représentant Prince dans un article sur l'artiste. Lynn a accepté que sa photo ne soit utilisée « qu'une seule fois ». Elle a reçu un crédit en tant que source et 400 dollars. Elle était destinée à servir de « référence artistique pour une illustration ». Vanity Fair a engagé Andy Warhol pour réaliser cette illustration, publiant sa sérigraphie basée sur la photographie de Goldsmith. Au-delà de ce projet initial, Warhol a continué à utiliser l'image de Goldsmith pour recréer plusieurs œuvres, dont l'une a été cédée sous licence à Condé Nast pour leur numéro hommage, The Genius of Prince, rapportant 10 000 dollars à Warhol. Goldsmith n'a rien reçu.

En 2016, après avoir fait part de ses préoccupations à l'Andy Warhol Foundation (AWF) quant à une potentielle violation de ses droits d'auteur, la fondation l'a poursuivie en invoquant le « Fair use ». Goldsmith a répliqué par la « contrefaçon ».

En examinant les quatre facteurs du droit de citation (fair use), le tribunal de district avait initialement statué en faveur de Warhol, estimant que son œuvre remplissait les critères car elle était suffisamment « transformative ». Cependant, la Cour d'appel du Deuxième Circuit a infirmé cette décision, arguant que la législation sur le droit de citation était favorable à Lynn, citant « la finalité et la nature de l'utilisation », ce qui contredit l'idée que « toute œuvre dérivée ajoutant une nouvelle esthétique ou une nouvelle expression à son matériau source est nécessairement transformative ».

Pour les passionnés d'art et les collectionneurs, les conséquences potentielles des poursuites judiciaires intentées contre Andy Warhol pour la reproduction ou la création d'œuvres transformatrices peuvent avoir des répercussions catalytiques sur son marché. L'œuvre de Warhol est très appréciée pour son style distinctif et l'incorporation de figures de la culture populaire, ce qui a contribué à sa valeur sur le marché de l'art. Cependant, si de futurs litiges parvenaient à prouver une violation du droit d'auteur, cela pourrait soulever des questions sur l'authenticité et l'originalité de sa pratique artistique.

Le Pop Art trouve ses racines dans la réappropriation. Andy Warhol est célèbre pour ses sérigraphies produites en série représentant des célébrités, des objets du quotidien et des publicités, et il a bâti toute sa carrière sur cette approche. Bien que la publicité négative puisse être indésirable pour la Andy Warhol Foundation, ce différend juridique rappelle qu'en l'absence d'appropriation, nous serions privés de tout un mouvement artistique et de l'artiste qui en est devenu synonyme.

Les contestations juridiques contre Warhol pourraient susciter un sentiment de solidarité chez les passionnés d'art et les collectionneurs qui apprécient ses contributions révolutionnaires au monde de l'art. Ils pourraient considérer les poursuites comme une entrave à la liberté artistique ou comme une tentative d'imposer des interprétations rigides du droit d'auteur qui pourraient potentiellement freiner la créativité et les pratiques transformatrices. Les collectionneurs pourraient voir dans la possession des œuvres de Andy Warhol un moyen de préserver et de promouvoir l'esprit d'innovation artistique, remettant en question l'idée de frontières strictes en matière de droits d'auteur.

Dans le contexte de l'histoire de l'art, l'appropriation désigne le fait pour les artistes d'intégrer des objets, des images ou des idées préexistants, issus de diverses sources, dans leurs propres œuvres, souvent dans l'intention de transformer ou de recontextualiser le matériau d'origine. Cette pratique est un aspect fondamental de l'expression artistique à travers l'histoire de l'art, couvrant différents mouvements, cultures et périodes. En utilisant des matériaux existants, les artistes peuvent dialoguer avec le passé, remettre en question les normes établies, interroger la nature de l'originalité et créer de nouvelles significations.

Elle comporte des implications à la fois positives et négatives en ce qui concerne la crédibilité et l'influence créative. D'une part, elle peut être considérée comme un moyen de rendre hommage aux œuvres d'autres artistes, favorisant un sentiment de continuité et un patrimoine artistique partagé. Elle permet aux artistes de s'appuyer sur les idées d'autrui, repoussant les limites de la créativité et contribuant à l'évolution des pratiques artistiques. De plus, l'appropriation peut servir d'outil puissant pour critiquer les normes sociétales, les systèmes politiques ou les valeurs culturelles, ainsi que pour explorer les thèmes de l'identité. D'autre part, elle peut soulever des préoccupations concernant le plagiat, les droits de propriété intellectuelle et la sensibilité culturelle. Lorsqu'un artiste emprunte une œuvre à un autre sans la reconnaissance ou l'autorisation appropriée, cela peut entraîner des accusations de copie et nuire à la crédibilité de l'artiste qui s'approprie.

Des artistes comme Andy Warhol doivent une grande partie de leur notoriété à leurs reproductions et à leurs œuvres transformatrices. Même si c'est la première fois qu'une affaire de droit d'auteur artistique reçoit autant d'attention, la pratique consistant à modifier, voire à s'approprier des œuvres d'art, est en réalité très ancienne et peut être retracée jusqu'à certains des Maîtres Anciens.

Édouard Manet et le Titien

Plus de 300 ans après La Vénus d'Urbin du Titien, Manet dévoile Olympia en 1863. Ces deux œuvres ont suscité une controverse similaire concernant la nudité de leurs sujets, même si des détails et des contextes les distinguent l'une de l'autre. Cette récréation ou interprétation diminue-t-elle la valeur du statut de Maître Ancien pour Manet ? Ou bien offre-t-elle un complément d'enseignement à l'histoire de l'art par rapport à son prédécesseur ?

Francis Bacon et Diego Velázquez

Au XVIIe siècle, Diego Velázquez a créé Portrait du pape Innocent X, livrant une représentation saisissante des rouages internes et des figures clés du Vatican. Bien que ce tableau possède une nature traditionnelle et révérencieuse, Francis Bacon a introduit son style « macabre sacré » avec Étude d'après le portrait du pape Innocent X de Velázquez, ouvrant ainsi la voie à ses œuvres ultérieures représentant des hommes pieux.

Pablo Picasso et l'art africain

Bien qu'il ait nié leur influence ou leur inspiration, l'une des œuvres les plus marquantes de Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, est manifestement favorable aux masques que l'on trouve dans divers groupes tribaux et sous-régions d'Afrique. La tribu Dan de Côte d'Ivoire était déjà passée maître dans l'art d'extraire et d'abstraire les expressions faciales à travers ses masques, bien avant que l'on ne découvre l'interprétation qu'en fera Picasso. Des masques comme ceux-ci, ainsi que les sculptures ibériques, ont joué un rôle essentiel dans le développement du cubisme et de la période de Picasso influencée par l'Afrique.

Comme l'a exprimé la juge Elena Kagan, une décision de cette nature pourrait avoir des répercussions considérables, tant pour le marché que pour les artistes à l'avenir. En clarifiant les limites du droit de citation (fair use) et de l'art transformatif, l'arrêt de la Cour Suprême fournit des orientations aux artistes et créateurs concernant les questions de droits d'auteur. Cette clarté permet aux artistes de prendre des décisions plus éclairées lors de la création d'œuvres transformatives, en veillant à trouver un équilibre entre leur expression artistique et leurs obligations légales.

La décision est également un catalyseur pour des discussions plus larges sur la liberté artistique et la protection de la propriété intellectuelle. Elle met en lumière la tension délicate entre les droits des détenteurs originaux des droits d'auteur et la nature transformative de l'art. Ce dialogue peut influencer la manière dont les artistes abordent leur travail, les incitant à être plus attentifs aux implications potentielles en matière de droits d'auteur et à rechercher les autorisations ou licences appropriées lorsque cela est nécessaire.