Qui est poursuivi en justice ?
Lynn Goldsmith a débuté sa carrière en photographiant les visages les plus emblématiques du rock and roll, une réalisation dont elle peut s'enorgueillir si l'on considère la rareté des femmes exerçant dans ce domaine à l'époque. Au fil de sa pratique, son travail a été publié dans Time, Rolling Stone, la National Portrait Gallery et le Museum of Modern Art. Parmi les célébrités qu'elle a immortalisées figurent Led Zeppelin, Bob Dylan, James Brown et Prince.
En 1984, Vanity Fair a acquis auprès de Goldsmith une licence pour l'une de ses photographies de Prince afin de l'utiliser dans un article qui lui était consacré. Lynn a consenti à ce que son cliché soit utilisé « une seule fois ». Elle a reçu le crédit de la source ainsi que 400 dollars. L'image devait servir de « référence artistique pour une illustration ». Vanity Fair a engagé Andy Warhol pour cette illustration, publiant ainsi sa sérigraphie basée sur la photographie de Goldsmith. Au-delà de ce projet initial, Andy Warhol a continué à utiliser l'image de Goldsmith pour recréer plusieurs œuvres, dont l'une fut concédée sous licence à Condé Nast pour leur numéro hommage, The Genius of Prince, rapportant 10 000 dollars à Andy Warhol. Goldsmith, elle, n'a rien reçu.
En 2016, après avoir exprimé ses inquiétudes à l'Andy Warhol Foundation (AWF) quant à une éventuelle violation de ses droits d'auteur, la fondation l'a poursuivie en justice en invoquant le « fair use ». Goldsmith a répliqué en portant plainte pour « contrefaçon ».
Aperçu du dossier
En examinant les quatre facteurs du fair use, le tribunal de district a initialement statué en faveur de Warhol, estimant que son œuvre remplissait les critères nécessaires en raison de son caractère « transformatif ». Toutefois, la Cour d'appel du second circuit a infirmé cette décision, arguant que le droit relatif au fair use tranchait en faveur de Lynn en invoquant « la finalité et la nature de l'usage », réfutant ainsi l'idée selon laquelle « toute œuvre secondaire apportant une nouvelle esthétique ou une nouvelle expression à son matériau source est nécessairement transformative ».
Après des années de litige, la Cour suprême a tranché en faveur de Goldsmith le 18 mai 2023, déclarant que l'œuvre d'Andy Warhol ne pouvait être considérée comme transformatrice et que, quand bien même elle l'aurait été, elle aurait tout de même enfreint le premier facteur du « fair use », selon un vote majoritaire de sept voix contre deux.
Selon leurs propres termes, « Le premier facteur du fair use dans le droit d'auteur — qui traite de « l'objet et du caractère » de « l'utilisation faite d'une œuvre » — ne s'intéresse pas au caractère distinctif et à la nouveauté du portrait d'Andy Warhol. Ce qui importe sous ce facteur, c'est en réalité une décision commerciale : de l'avis de la majorité, la concession de licence de la sérigraphie par Andy Warhol à un magazine fait obstacle au fair use. »
La décision a eu des effets polarisants sur les juges concernés.
En mars 2024, près d'un an après cette décision historique, la Andy Warhol Foundation a discrètement accepté — dans un dossier conjoint déposé devant le tribunal fédéral de Manhattan — de verser 21 000 dollars à Goldsmith (incluant environ 10 250 dollars pour une licence Condé Nast de 2016 et près de 11 000 dollars de frais de justice) afin de mettre un terme au différend.
Quelle pourrait être l'incidence de cette situation sur le marché des œuvres de Warhol ?
Pour les passionnés d'art et les collectionneurs, les conséquences potentielles des poursuites judiciaires visant Andy Warhol pour la reproduction ou la création d'œuvres transformatives pourraient avoir des répercussions majeures sur son marché. L'œuvre d'Andy Warhol est hautement considérée pour son style distinctif et l'intégration de figures de la culture populaire, autant d'éléments ayant contribué à sa valeur sur le marché de l'art. Toutefois, si de futures contestations juridiques parvenaient à démontrer une violation du droit d'auteur, cela pourrait soulever des interrogations quant à l'authenticité et à l'originalité de sa pratique artistique.
Le Pop Art trouve ses racines dans la re-représentation. Andy Warhol est reconnu pour ses sérigraphies produites en série mettant en scène des célébrités, des objets du quotidien et des publicités, une approche sur laquelle il a bâti toute sa carrière. Bien que cette publicité négative puisse être indésirable pour l'Andy Warhol Foundation, ce litige rappelle que l'absence d'appropriation nous priverait d'un courant artistique entier et de l'artiste qui en est devenu synonyme.
Les défis juridiques contre Andy Warhol pourraient susciter un sentiment de solidarité parmi les amateurs d'art et les collectionneurs qui apprécient ses contributions novatrices au monde de l'art. Ces derniers pourraient percevoir ces poursuites comme une entrave à la liberté artistique ou comme une tentative d'imposer des interprétations rigides du droit d'auteur, susceptibles de nuire à la créativité et aux pratiques transformatives. Les collectionneurs peuvent voir dans la possession d'œuvres d'Andy Warhol un moyen de préserver et de promouvoir l'esprit d'innovation artistique, tout en remettant en question la notion de frontières rigides du droit d'auteur.
L'appropriation dans l'histoire de l'art
Dans le contexte de l'histoire de l'art, l'appropriation désigne le procédé par lequel les artistes intègrent des objets, des images ou des idées préexistants issus de sources variées au sein de leurs propres œuvres, souvent dans l'intention de transformer ou de recontextualiser le matériau original. Cette pratique constitue un aspect majeur de l'expression artistique à travers l'histoire de l'art, traversant différents courants, cultures et époques. En utilisant des matériaux existants, les artistes engagent un dialogue avec le passé, remettent en cause les normes établies, interrogent la nature de l'originalité et génèrent de nouveaux sens.
Elle comporte des implications à la fois positives et négatives en matière de crédibilité et d'influence créative. D'une part, elle peut être perçue comme un hommage aux œuvres d'autres artistes, favorisant un sentiment de continuité et un héritage artistique partagé. Elle permet aux artistes de s'appuyer sur les idées d'autrui, repoussant ainsi les limites de la créativité et contribuant à l'évolution des pratiques artistiques. De surcroît, l'appropriation peut servir d'outil puissant pour critiquer les normes sociétales, les systèmes politiques ou les valeurs culturelles, tout en explorant les thématiques liées à l'identité. D'autre part, elle peut soulever des préoccupations concernant le plagiat, les droits de propriété intellectuelle et la sensibilité culturelle. Lorsqu'un artiste emprunte à l'œuvre d'un autre sans reconnaissance ou autorisation appropriée, cela peut donner lieu à des accusations de copie et fragiliser la crédibilité de l'artiste qui s'approprie ces éléments.
Des artistes comme Andy Warhol ont bâti leur renommée en grande partie sur des reproductions et des œuvres transformatives. Bien qu'il s'agisse peut-être de la première affaire de droits d'auteur dans le domaine de l'art à susciter une telle attention, la pratique consistant à modifier ou à s'approprier des œuvres est en réalité fort ancienne et peut être retracée jusqu'à certains Maîtres anciens.
Édouard Manet et Titien
Plus de 300 ans après la « Vénus d'Urbin » de Titien, Manet dévoilait en 1863 son « Olympia ». Si ces deux œuvres partagent une controverse similaire concernant la nudité de leurs sujets, des détails et un contexte propre distinguent néanmoins chacune d'elles. Cette recréation ou interprétation retire-t-elle à Manet son statut de Maître ancien ? Ou apporte-t-elle un enseignement complémentaire à l'histoire de l'art par rapport à son prédécesseur ?
Francis Bacon et Diego Velázquez
Au XVIIe siècle, Diego Velázquez a peint le « Portrait du pape Innocent X », livrant une représentation saisissante des rouages internes et des figures marquantes du Vatican. Bien que cette œuvre soit empreinte d’une nature traditionnelle et révérencieuse, Francis Bacon a imposé son style « sacré macabre », notamment avec son « Study After Velázquez's Portrait Of Pope Innocent X », ouvrant ainsi la voie à ses œuvres ultérieures mettant en scène des hommes d'Église.
Pablo Picasso et l'art africain
Bien qu'il ait toujours nié toute influence ou inspiration, l'une des œuvres les plus marquantes de Picasso, « Les Demoiselles d'Avignon », témoigne d'une affinité évidente avec les masques propres à divers groupes tribaux et sous-régions d'Afrique. La tribu Dan de Côte d'Ivoire maîtrisait déjà l'art d'extraire et d'abstraire les expressions faciales à travers ses masques bien avant que Picasso n'en propose sa propre interprétation. De tels masques, tout comme les sculptures ibériques, ont joué un rôle fondamental dans le développement du cubisme et de la période africaine de l'artiste.
La portée de cette décision pour l'avenir
Comme l'a souligné la juge Elena Kagan, une décision de cette nature peut avoir des conséquences considérables pour le marché comme pour les artistes à l'avenir. En clarifiant les limites du fair use et de l'« art transformatif », l'« arrêt de la Cour suprême » offre aux artistes et créateurs des lignes directrices concernant les questions de droit d'auteur. Cette clarté permet aux artistes de prendre des décisions plus éclairées lors de la création d'œuvres transformatives, en veillant à trouver un équilibre entre leur expression artistique et leurs obligations légales.
Cet arrêt sert également de catalyseur à des discussions plus larges sur la liberté artistique et la protection de la propriété intellectuelle. Il met en lumière la tension délicate entre les droits des détenteurs de droits d'auteur originaux et la nature transformative de l'art. Ce dialogue peut influencer la manière dont les artistes abordent leur travail, en les encourageant à être plus vigilants quant aux implications potentielles en matière de droit d'auteur et à solliciter, si nécessaire, les autorisations ou licences appropriées.
