Les films d'Andy Warhol : Top 10 des œuvres réalisées par le pionnier du Pop Art

Sleep (1963) est l'un des films les plus emblématiques et expérimentaux de Warhol. Évitant la narration traditionnelle et les conventions cinématographiques, le film propose un postulat apparemment simple : un plan continu et ininterrompu de cinq heures et vingt et une minutes de John Giorno, ami proche et amant occasionnel de Warhol, dormant. Par sa durée prolongée et l'accent mis sur le quotidien, Sleep met à l'épreuve la patience du spectateur et redéfinit le concept de spectacle cinématographique. Plutôt qu'une intrigue dynamique ou des changements de décors, le public est invité à méditer sur les mouvements subtils et les rythmes d'un Human Body endormi. Le film illustre l'approche avant-gardiste de Warhol en matière de cinéma, repoussant les limites et suscitant des débats sur la nature du film, du temps et de l'art.

Dans une veine similaire, Empire (1964) est un film muet en noir et blanc qui présente un plan fixe de huit heures de l'Empire State Building, allant de la fin de l'après-midi à près de 3 heures du matin. Sans arc narratif, développement de personnages ou dialogues, Empire défie les attentes cinématographiques conventionnelles. En se concentrant sur le gratte-ciel emblématique de New York et sur ses lumières et son ambiance évoluant lentement dans le ciel nocturne, Warhol invite les spectateurs à s'immerger dans le passage du temps et les subtils changements du paysage urbain. Le film devient moins une question du monument lui-même qu'une question de l'expérience et de l'endurance du spectateur. Dans sa simplicité austère, Empire incarne l'objectif de Warhol de remettre en question et de redéfinir les frontières cinématographiques traditionnelles.

Chelsea Girls (1966) s'impose comme l'un des films de Warhol privilégiant la narration. Il offre un aperçu kaléidoscopique de la vie des résidents du célèbre Chelsea Hotel à New York. Le film est présenté en écran partagé, avec deux projections 16 mm simultanées côte à côte, souvent avec des bandes sonores qui se chevauchent, plongeant le spectateur dans une cacophonie de conversations et de scénarios. Les vignettes variées, mettant en scène les superstars et les associés de Warhol, oscillent entre des moments de réalité brute et de drame construit, capturant une mosaïque fascinante de la vie bohème des années 1960. Les scènes diverses et souvent explicites de Chelsea Girls explorent en profondeur les thèmes de la sexualité, de la consommation de drogues et de la quête d'identité, illustrant le style cinématographique audacieux et voyeuriste de Warhol. Par sa présentation avant-gardiste et ses portraits intimes, le film offre un instantané socioculturel de son époque et un commentaire sur les frontières floues entre la réalité et la performance.

Vinyl (1965) est une œuvre pivot qui marie l'esthétique avant-gardiste du réalisateur aux récits de la contre-culture des années 1960. Adapté librement, il s'agit de la première transposition cinématographique du roman dystopique d'Anthony Burgess, Orange Mécanique. Le film abandonne une intrigue linéaire au profit d'une approche plus fragmentée et expérimentale, se déroulant dans un environnement dépouillé et presque claustrophobe. À l'instar du roman et du film ultérieur de Stanley Kubrick, Vinyl montre le protagoniste subir une série d'exercices « rééducatifs » torturants. Tout au long du film, Edie Sedgwick, une autre des superstars de Warhol, reste assise sans rien faire, ajoutant à l'aura désorientante du film. Vinyl constitue un commentaire provocateur sur la conformité, la rébellion et les complexités de l'existence moderne, et son influence sur Kubrick prouve la capacité de Warhol à établir un langage visuel puissant qui marque les générations futures.

My Hustler(1965) est une exploration saisissante de la sexualité, du désir et de la marchandisation de l'humain, se déroulant sur fond de Fire Island à New York. Le film est centré sur les interactions d'un prostitué masculin, connu sous le nom de « Hustler », et de ses clients, mettant en lumière les dynamiques de pouvoir et les complexités inhérentes à leurs relations. Avec son objectif voyeuriste, Warhol plonge dans le réseau complexe d'attraction, de manipulation et de transaction, juxtaposant le cadre idyllique de la plage avec les réalités brutes des interactions humaines. Bien que le récit soit plus structuré que beaucoup d'autres films de Warhol, My Hustler conserve son style caractéristique, capturant des moments et des émotions francs et remettant en question les conventions cinématographiques traditionnelles. À travers sa représentation crue des relations humaines dans un contexte marchandisé, le film offre un commentaire profond sur la nature du désir et l'essence transactionnelle du lien humain.

Blow Job (1964) est l'un des films les plus provocateurs et énigmatiques de Warhol, illustrant parfaitement son style cinématographique minimaliste et audacieux. Le film ne se compose que d'un plan continu du visage de son sujet, l'acteur DeVeren Bookwalter, capturant ses expressions et ses réactions variées. Malgré les implications explicites de son titre, le film demeure une étude de la retenue, car le spectateur ne voit jamais l'acte lui-même, seulement les réactions de Bookwalter. Cette approche place le public dans une position de voyeurisme intense, le forçant à se confronter à ses propres interprétations. Par cette présentation épurée, Warhol remet en question les récits et les normes cinématographiques traditionnelles, se concentrant plutôt sur la force de la suggestion et le pouvoir de l'imagination du spectateur.

Blue Movie (1969) se distingue par sa représentation franche de l'intimité sexuelle et son rôle pionnier dans l'« Âge d'or de la pornographie » qui a débuté à la fin des années 1960. Ce film a ouvert des brèches considérables en remettant en question les normes sociales et les lois sur la censure, en offrant une description explicite d'une relation sexuelle entre ses deux protagonistes principaux, Viva et Louis Waldon. L'intention de Warhol n'était pas purement de choquer, mais plutôt de présenter le sexe comme un fait quotidien, éliminant le tabou entourant sa représentation cinématographique. Le film est tout aussi important pour son approche minimaliste, caractéristique du style de Warhol, axée sur les moments banals et apparemment anodins de la vie de ses personnages. Il a marqué à la fois un jalon culturel et un baromètre de l'« Été de l'amour » de 1969.

L'une des entreprises cinématographiques les plus ambitieuses de Warhol, Lonesome Cowboys, se situe à la frontière entre la satire, l'art et le commentaire social. Récit libre de Romeo And Juliet sur fond de paysage aride de l'Arizona, le film subvertit avec malice les codes du western américain classique. Plutôt que des cowboys traditionnels et des récits de la Frontière, Warhol présente au spectateur un groupe de cowboys homosexuels et désoeuvrés, engagés dans une série de scènes nonchalantes, souvent improvisées, qui tour à la fois en dérision et rendent hommage au machisme du genre. Mettant en vedette des superstars de Warhol telles que Viva, Taylor Mead et Joe Dallesandro, le film juxtapose l'Ouest américain sauvage avec des interactions affectées et désinvoltes, créant un tableau surréaliste et provocateur. En remettant en question les représentations traditionnelles de la masculinité et le mythe du cow-boy, Lonesome Cowboys offre une perspective singulière et subversive sur la culture et le cinéma américains, illustrant le talent de Warhol pour réinterpréter et remodeler les récits populaires.

Flesh (1968), réalisé par Paul Morrissey sous la bannière de production d'Andy Warhol, est un ajout notable au canon des films de Warhol qui plonge au cœur du milieu difficile du paysage urbain de New York à la fin des années 1960. Le film met en vedette Joe Dallesandro, l'une des superstars les plus emblématiques de Warhol, interprétant un gigolo nommé Joe qui évolue dans un monde de relations transactionnelles, vendant son corps aussi bien aux hommes qu'aux femmes sur fond de scène contre-culturelle de la ville.

Distinct du cinéma grand public, Flesh adopte un style « vérité », capturant des moments francs qui brouillent la frontière entre réalité et fiction. Le récit déambule à travers les rencontres de Joe avec divers personnages, dont une femme toxicomane, une mannequin et un artiste ; chaque interaction met en lumière diverses facettes de la sexualité humaine, du désir et de la vulnérabilité. Warhol et Morrissey n'hésitent pas devant le contenu explicite, l'utilisant pour souligner les thèmes de la marchandisation, de l'exploitation et de la quête humaine de connexion. Flesh est emblématique de la philosophie cinématographique plus large de Warhol, privilégiant l'authenticité et l'observation sans filtre aux récits léchés, tout en repoussant les limites de ce que le cinéma pouvait dépeindre et représenter.

Heat (1972) est un film produit par Andy Warhol et réalisé par Paul Morrissey, qui devint le cinéaste principal du studio de Warhol à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Heat est librement inspiré du classique de 1950, Sunset Boulevard. Dallesandro y incarne Joey Davis, une ancienne enfant star qui tente de relancer sa carrière à Hollywood. Il s'installe dans un motel géré par une ancienne reine du cinéma, interprétée par Sylvia Miles. Le film retrace leur relation tumultueuse, Joey l'utilisant pour se faire une place dans le monde du spectacle.

Le film est une satire d'Hollywood et de son obsession pour la jeunesse, la beauté et la célébrité. Comme dans beaucoup de collaborations Warhol-Morrissey, la narration est moins structurée que dans les films grand public, se concentrant plutôt sur les interactions franches de ses personnages. C'est un témoignage du style distinctif des productions de la Factory d'Andy Warhol durant cette période, marqué par un mélange de réalisme brut, d'humour noir et une critique acerbe de la culture populaire et des normes sociétales. Le film explore le désespoir et jusqu'où les gens sont prêts à aller pour la gloire, tout en commentant la superficialité de l'industrie du divertissement.