La cote d'Andy Warhol : les prix records enregistrés en ventes aux enchères

En mai 2022, l'œuvre « Shot Sage Blue Marilyn » (1964) d'Andy Warhol a été adjugée 195 millions de dollars (158 millions de livres sterling) chez Christie’s New York, devenant l'œuvre du XXe siècle la plus chère jamais vendue. Cette pièce iconique représente Marilyn Monroe et incarne la fascination de Warhol pour la culture de la célébrité. La notoriété de l'œuvre est renforcée par son histoire : elle est l'une des cinq pièces ayant été visées par des coups de feu tirés par l'artiste de performance Dorothy Podmer en 1964. Bien qu'ayant été restaurée, cette sérigraphie demeure un témoignage de l'influence durable de Warhol et de la haute valeur accordée à son œuvre sur le marché de l'art actuel.

Suite à la vente record de Shot Sage Blue Marilyn lors des ventes de mai, l'œuvre White Disaster (White Car Crash 19 Times) (1963) d'Andy Warhol a été présentée lors de la Contemporary Evening Auction de Sotheby's en novembre 2022. Cette pièce, issue de la célèbre série « Death and Disaster » de l'artiste, bénéficie d'une provenance riche, ayant été proposée aux enchères pour la première fois en 1987 avant d'intégrer diverses collections privées. Cette vente marquait sa première apparition publique en 15 ans. Le tableau a atteint le résultat impressionnant de 71 millions de livres sterling, contribuant ainsi significativement à la solide performance globale du marché de l'art en 2022.

L'œuvre de Warhol Silver Car Crash (Double Disaster), issue de sa série Death and Disaster, a atteint un prix d'adjudication majeur chez Sotheby’s en 2013. Cette œuvre puissante réfléchit sur les thèmes de la tragédie et de l'histoire, faisant écho à la tradition de peintures emblématiques telles que Le Radeau de la Méduse de Géricault et Guernica de Pablo Picasso. Créée en 1963, année charnière pour Warhol, la pièce dépeint l'image argentée répétée d'un accident de voiture, transformant un événement tragique en une séquence cinématographique. Cette œuvre illustre parfaitement l'exploration de la mortalité et des médias de masse par Warhol.

Après avoir transformé l'image de Marilyn Monroe en d'innombrables sérigraphies, il était naturel pour Warhol de porter son attention sur Elvis Presley dans Triple Elvis (Ferus Type) (1963). Cette œuvre présente une représentation répétée, à taille réelle, d'Elvis dans une posture dramatique de cow-boy, dégainant son pistolet. La répétition confère à la pièce une qualité cinématographique, élevant Elvis, le roi du rock'n'roll, du rang d'icône pop à celui de figure quasi mythique. Le fond argenté évoque à la fois l'écran hollywoodien et l'esthétique ornée de l'Église catholique que Warhol fréquentait durant son enfance. Cette œuvre a atteint 51,6 millions de livres sterling chez Christie's en novembre 2014 et demeure l'une de ses pièces à la plus haute valeur sur le marché.

« Sixty Last Suppers » (1986) a été peinte durant la dernière année de la vie de Warhol et reflète sa fascination persistante pour les maîtres anciens. À l'instar d'œuvres telles que « The Last Supper (Pink) » et « The Camouflage Last Supper », cette pièce repose sur une reproduction du XIXe siècle de l'original de Léonard de Vinci. La technique de la sérigraphie de Warhol transforme ce chef-d'œuvre du XVIe siècle en une grille monumentale d'images répétées, inscrivant son travail dans un dialogue avec l'histoire de l'art occidental. En outre, les racines catholiques de Warhol ont pu influencer son exploration de la valeur de l'image unique par rapport à l'image répétée. Cette œuvre a atteint un prix d'adjudication de 46,2 millions de livres sterling en novembre 2017.

Peinte durant l'ultime année de la vie de Warhol, « Sixty Last Suppers » témoigne de l'attachement durable de l'artiste pour les maîtres anciens. Cette même année, Warhol a également produit « The Last Supper (Pink) » et « The Camouflage Last Supper » qui, comme l'œuvre présentée ici, sont fondées sur des reproductions d'une copie du XIXe siècle de la peinture originale de Léonard de Vinci.

En appliquant sa technique de la sérigraphie à un chef-d'œuvre du XVIe siècle et en le reproduisant sous la forme d'une grille monumentale d'images répétées, Warhol a placé son travail en dialogue avec le canon de l'histoire de l'art occidental qui l'a précédé. Par ailleurs, Warhol faisait ainsi référence à ses propres racines dans l'Église catholique, interrogeant peut-être la valeur d'une image unique confrontée à la multiplicité.

Dans Four Marlons (1966), Warhol poursuit son exploration de la culture des célébrités en mettant en scène Marlon Brando tel qu'il apparaît dans le film des années 1950 « The Wild One », où l'acteur incarnait le chef emblématique d'un gang de motards rebelles. Contrairement à ses œuvres antérieures, Warhol imprime l'image de Brando sur une toile non apprêtée, renonçant aux couleurs vives et aux arrière-plans pour laisser transparaître le charisme brut de l'acteur. Créée en 1966, cette œuvre témoigne de l'apogée créative de Warhol, période durant laquelle il utilisait la sérigraphie pour puiser dans l'imagerie publicitaire et hollywoodienne, forgeant ainsi un style nouveau qui défiait les normes artistiques traditionnelles. Cette approche novatrice allait asseoir le statut d'icône de Warhol lui-même, faisant écho à la renommée de ses sujets. Four Marlons a atteint 43,8 millions de livres sterling chez Christie's en novembre 2014.

Peint en 1963, l'année même de Triple Elvis, l'œuvre Double Elvis [Ferus Type] de Warhol a été adjugée pour la somme impressionnante de 41,2 millions de livres sterling, bien qu'elle ait obtenu un résultat légèrement inférieur à son homologue. Ce double portrait grandeur nature capture Elvis Presley dans une pose de pistolero tirée du western de 1960, Flaming Star, dans lequel il tenait le rôle principal. L'œuvre illustre la fascination profonde de Warhol pour la culture de la célébrité et les icônes américaines, représentant le cow-boy à la fois comme une figure romantique et héroïque. Double Elvis demeure une œuvre majeure de l'héritage artistique de Warhol, témoignant de son exploration pérenne de la célébrité et de la culture populaire.

« Men In Her Life » (1962), adjugée plus de 39,1 millions de livres sterling chez Phillips en 2010, rend hommage à l'actrice hollywoodienne Elizabeth Taylor et à l'obsession du public américain pour sa vie privée. Warhol utilise une image tirée du magazine LIFE représentant Taylor avec son troisième époux, Mike Todd, aux côtés d'autres figures marquantes d'Hollywood, Debbie Reynolds et Eddie Fisher. Bien que l'image choisie par Warhol semble illustrer romance et amitié, elle préfigure la liaison amoureuse complexe qui conduisit les médias à vilipender l'actrice. La répétition du motif par Warhol insuffle du mouvement, tandis que la palette en noir et blanc contraste avec ses toiles aux couleurs vives, caractéristiques de cette même année.

L'une des œuvres les plus politiquement engagées d'Andy Warhol, « Race Riot » (1964), reproduit une photographie issue d'une marche pour les droits civiques organisée en 1963 à Birmingham, en Alabama. La manifestation, visant à s'opposer aux lois ségrégationnistes, a basculé dans la violence lorsque la police a lâché des chiens d'attaque et utilisé des lances à incendie contre les manifestants. Ces images saisissantes, capturées par le photographe Charles Moore, ont fait la une des journaux du monde entier, poussant le président John F. Kennedy à mettre en œuvre des réformes juridiques historiques. En reproduisant ces images, Warhol ne se contente pas d'immortaliser ce moment d'injustice ; il assoit également son importance dans l'histoire de l'art, un principe fondamental au cœur de l'ensemble de son œuvre. « Race Riot » a été adjugée 37,2 millions de livres sterling en mai 2014.

Autre œuvre majeure de la série Death and Disaster d'Andy Warhol, Green Car Crash (Green Burning Car I) (1963) a défrayé la chronique en atteignant 36,2 millions de livres sterling chez Christie's en 2007, un montant remarquable pour le marché de l'art cette année-là. Dans cette œuvre, Warhol utilise la répétition pour transformer une scène tragique en une pièce iconique du Pop Art, employant sa technique de sérigraphie caractéristique pour reproduire inlassablement une image issue d'un journal filmé jusqu'à ce que son impact s'estompe. Warhol a d'ailleurs noté : « Quand vous voyez une image atroce encore et encore, elle ne produit plus aucun effet », un sentiment étrangement pertinent dans le cycle d'actualités en continu d'aujourd'hui.