Premières expositions : Broadway et Victory Boogie Woogie
La première confrontation de Riley avec l’œuvre de Mondrian marqua un moment charnière de son développement artistique, initié par sa rencontre avec Broadway Boogie Woogie en 1942. Ce tableau, pièce majeure de la collection du Museum of Modern Art de New York, se distingue dans le corpus de Mondrian par sa grille vibrante de carrés colorés qui évoquent les rues animées de Manhattan et génèrent un rythme vivant, vibrant d’une énergie optique — un effet que Riley allait par la suite émuler. La composition dynamique et l’usage de la couleur impressionnèrent considérablement l’étudiante qu’elle était, révélant le potentiel de l’art abstrait à saisir l’essence de la vie moderne et de ses rythmes.
L’admiration de Riley pour le travail de Mondrian s’intensifia à la suite de son voyage à New York en 1965. À cette époque, le travail de Riley était présenté dans l’exposition The Responsive Eye au Museum of Modern Art ainsi que lors d’une exposition personnelle à la galerie Richard Feigen. C’est au cours de ce séjour qu’elle visita la demeure des collectionneurs Burton et Emily Hall Tremaine, où elle put découvrir en personne Victory Boogie Woogie (1944), la dernière toile de Mondrian. Cette œuvre laissa une impression profonde sur Riley, Hall Tremaine se remémorant la déclaration de l’artiste qualifiant la peinture de « plus grande influence sur son propre travail ». Victory condense les principes d’abstraction avancés de Mondrian, intégrant une palette vive et une surface fragmentée qui suggère un mouvement dynamique incessant, rappelant la musique boogie-woogie qui a inspiré cette œuvre tout comme Broadway Boogie Woogie. Cette rencontre souligna l’engagement de Riley envers le potentiel de l’art abstrait à exprimer le mouvement et l’émotion par le biais de formes géométriques et de la couleur, influençant ses explorations ultérieures de l’art optique et cinétique.
La fascination précoce de Riley pour l’œuvre de Mondrian, et plus particulièrement pour ces deux toiles, souligne un intérêt partagé pour la traduction de la vitalité et du rythme de la vie contemporaine à travers des compositions abstraites. Pour Riley, la capacité de Mondrian à distiller la musicalité et l’énergie urbaine au sein d’une abstraction géométrique a fait écho à sa propre quête artistique : créer des œuvres visuellement stimulantes, capables d’engager la perception du spectateur tout en évoquant une sensation de mouvement.
Riley à propos de « Mondrian : L'universel et le particulier »
Outre le fait d'être l'une des artistes les plus notables de notre époque, Riley est également une universitaire éminente. Elle a rédigé plusieurs essais sur Mondrian, dont « Mondrian: The Universal and The Particular » pour The Burlington Magazine en 1996. Elle s'y appuie sur les écrits de Mondrian pour avancer des thèses éclairées sur son œuvre : à savoir que sa vision artistique est profondément ancrée dans les concepts d'« équilibre dynamique » et d'« équivalence des dissemblables », qui offrent un aperçu profond de son approche de la peinture abstraite. Ces principes suggèrent un éloignement du canon de l'histoire de l'art, lequel cherche l'harmonie esthétique par le biais de spéculations idéalistes. Mondrian se concentre plutôt sur le pictural, où la forme, la ligne et la couleur interagissent au sein d'un cadre de balance et de contraste, évitant toute finalité ou résolution absolue. Son œuvre incarne un processus méticuleux consistant à engager ces éléments non comme des entités isolées, mais comme les parties d'un système visuel cohérent, qui n'est ni absorbé dans une totalité singulière, ni fragmenté en unités discrètes et autosuffisantes. Grâce à cette dynamique relationnelle complexe, les peintures de Mondrian transcendent les représentations traditionnelles, redéfinissant les éléments de l'art en fonction de leur impact collectif sur la perception spatiale et l'équilibre compositionnel.
Cette approche transformatrice est rendue possible par ce que Mondrian nommait la « destruction », un mécanisme essentiel de son processus créatif qui démantèle les identités conventionnelles de la couleur et de la forme. En soumettant ces éléments à un réseau de forces opposées au sein de la toile, Mondrian les réinvente en tant que composantes expressives d'un ordre pictural plus vaste. Chaque peinture devient un lieu de tension et de résolution, où l'interaction des éléments donne naissance à une harmonie visuelle complexe qui reflète le flux de la vie elle-même. Cette dualité — entre l'universel et le particulier, le statique et le dynamique — résume la quête de toute une vie menée par Mondrian pour un style de peinture reflétant les complexités inhérentes et les rythmes de l'existence. Par son usage novateur de l'abstraction, Mondrian défie la perception du spectateur et souligne le potentiel de la peinture à capturer l'essence de la réalité dans sa forme la plus distillée et la plus dynamique.
Cette approche résonne profondément avec la pratique artistique de Riley elle-même, une pratique résolument fondée sur la géométrie et la tension visuelle, et qui met l'accent sur l'interaction du spectateur et sa perception oculaire de l'œuvre. Sa capacité à dialoguer de manière académique avec l'œuvre de Mondrian illustre le temps considérable qu'elle a passé à réfléchir et à étudier ses méthodes et sa pensée.
« Mondrian, de la nature à l'abstraction » à la Tate
En 1997, la Tate a invité Riley à co-commissarier une exposition sur l’œuvre de Mondrian aux côtés de Sean Rainbird. Elle a apporté un « regard d’artiste » sur son héritage, collaborant avec Rainbird à la sélection d’œuvres illustrant la pertinence durable et l’esprit novateur de Mondrian au sein de l’art abstrait. Alors que le Gemeentemuseum — qui abrite la plus vaste collection d’œuvres de Mondrian au monde — entamait des travaux de rénovation, la Tate Gallery a saisi cette opportunité pour présenter une sélection d’environ soixante œuvres en provenance du musée néerlandais, complétée par des pièces issues de sa propre collection et d’autres institutions prestigieuses. Cet agencement a permis une présentation riche de l’œuvre de Mondrian, incluant des pièces rarement exposées et une série retraçant son évolution, des représentations naturalistes aux prémices de l’abstraction. Riley a joué un rôle majeur dans le commissariat et la conceptualisation de l’exposition.
Son analyse de la philosophie et de la méthodologie de Mondrian a souligné l’impact profond de son travail sur son propre parcours artistique et, plus largement, sur la trajectoire de l’art du XXe siècle. Elle a mis en exergue l’exploration par Mondrian de l’abstraction et du réalisme, où l’interaction des lignes et des couleurs sur la toile constituait, pour l’artiste, une nouvelle forme de « réalité » — un concept qui a nourri sa propre conception de l’abstraction. De plus, Riley a mis en lumière son admiration pour la quête incessante d’innovation de Mondrian, qui repoussait sans cesse les limites de son art pour parvenir à un réalisme sophistiqué en constante évolution jusqu’à sa mort. L’exposition a constitué une exploration opportune de l’abstraction, invitant les spectateurs à s’interroger sur les défis et les perspectives qu’elle offre aux artistes contemporains.
L'influence de Mondrian sur la pratique artistique de Riley
L'influence profonde de Mondrian sur la pratique artistique de Riley témoigne de son héritage plus large dans le domaine de l'art abstrait. Son intérêt pour l'œuvre de l'artiste lui a permis d'acquérir une compréhension fondamentale des principes abstraits qui a nourri son propre développement artistique. La méthode de Mondrian, consistant à engager la forme, la ligne et la couleur dans une interaction complexe afin de transcender leurs identités conventionnelles, a trouvé un écho chez Riley, l'inspirant à explorer des concepts similaires dans son propre travail.
La philosophie de l'« Abstract/Realism » de Mondrian, où la toile devient un domaine d'interactions « réelles » entre les lignes et les couleurs, a offert à Riley un nouveau prisme à travers lequel envisager les réactions visuelles de ses œuvres. Ce concept l'a incitée à considérer la toile non plus simplement comme une surface de représentation, mais comme un espace où la réalité est construite et vécue par le biais de relations abstraites. Riley a beaucoup appris de Mondrian sur l'importance d'une exploration systématique de la forme et de la couleur, appliquant ces leçons à sa propre pratique d'une manière qui allait redéfinir l'art optique et cinétique. À l'instar de celui de Mondrian, son travail cherche à plonger le spectateur dans une expérience visuelle dynamique, où la perception est continuellement sollicitée et revigorée par l'interaction de formes géométriques et de teintes vibrantes. La contribution de Riley au commissariat de l'exposition Mondrian à la Tate a non seulement souligné son profond respect pour l'œuvre de l'artiste, mais a également mis en lumière les parallèles significatifs dans leurs quêtes artistiques — tous deux étant animés par un engagement indéfectible envers l'abstraction et par la conviction en son pouvoir d'exprimer les complexités de la réalité.
Par son admiration et son approche académique de l'œuvre de Mondrian, Riley a démontré comment son esprit pionnier et ses techniques innovantes continuent d'inspirer les artistes à explorer le potentiel expressif de l'art abstrait. Son impact sur la pratique artistique de Riley est un exemple frappant de la façon dont l'héritage d'un artiste peut profondément façonner la trajectoire d'un autre, favorisant un dialogue intergénérationnel qui enrichit le paysage de l'art contemporain.
