La passion de David Hockney pour l'opéra

Malgré le succès que ses décors d’opéra allaient rencontrer, Hockney n’a pas toujours été passionné par ce médium. Lors d’un entretien en 1970, il déclarait : « Eh bien, le théâtre en soi ne m’intéresse pas tant que ça. J’ai fait une pièce, j’ai conçu « Ubu Roi ». En travaillant dessus, j’ai soudain réalisé qu’un ressort théâtral en peinture est bien différent d’un ressort théâtral au théâtre. Je ne m’intéresse vraiment pas à la scénographie ou quoi que ce soit de ce genre. » La pièce à laquelle il fait référence est une production de 1966 montée au Royal Court Theatre de Londres, qui marqua la première incursion de Hockney dans la conception de décors. Bien qu’il ait été initialement hésitant quant au projet, craignant que les ressorts théâtraux de ses peintures ne soient contradictoires dans un véritable espace scénique, il finit par se laisser convaincre et créa de grandes peintures qui « descendaient au bout de grosses cordes, comme un théâtre de jouets burlesque. »

Au total, Hockney concevra des décors pour onze opéras sur une période de dix-sept ans, à partir de 1975. Son implication a été variable, incluant la création de décors, de costumes et d’affiches. À l’instar de ses peintures, Hockney insuffle sa sensibilité Pop caractéristique à ses scénographies, lesquelles se distinguent par des couleurs vives et éclatantes qui entrent souvent en collision. Elles intègrent fréquemment des éléments surréalistes, jouant sur la taille et l’échelle pour créer un effet de perspective.

La première incursion de Hockney dans la scénographie d'opéra remonte à 1974, lorsqu'il fut invité à concevoir les décors et les costumes d'une production de « The Rake’s Progress » pour le festival de Glyndebourne en 1975. Le choix de Hockney en tant que scénographe s'imposait : à l'instar de Stravinsky, il avait été inspiré par la série de William Hogarth éponyme, dont il avait livré sa propre version en 1963. Aux côtés du metteur en scène John Cox, Hockney conçut un décor évocateur, utilisant des hachures et des lignes parallèles rappelant les techniques de gravure pour évoquer les estampes originales de Hogarth.

Il s'agit du décor à la palette chromatique la plus sobre de toute l'œuvre de Hockney, ce qui renforce l'impression d'assister à une gravure prenant vie. Hockney a déclaré : « The Rake’s Progress est arrivé au bon moment pour moi, car c'était une période où je cherchais ma voie en peinture. Alors, quand cette opportunité s'est présentée en 1974, elle a marqué la fin d'un cycle et m'a ouvert de nouvelles perspectives. »

Quelques années plus tard seulement, Hockney a conçu les décors de « La Flûte enchantée » pour le festival d'opéra de Glyndebourne en 1978. Sa mise en scène a par la suite voyagé à travers le monde, étant représentée au Metropolitan Opera de New York et au San Francisco Opera.

Dans « Die Zauberflöte » de Mozart, le prince Tamino – aidé d'une flûte magique et de Papageno, l'oiseleur – cherche à sauver la princesse Pamina des griffes de l'énigmatique Sarastro, traversant des épreuves qui mettent à l'épreuve l'amour, la vertu et la sagesse. Hockney a produit 35 toiles de fond pour cette œuvre, caractérisées par leurs couleurs vives et éclatantes, tout en restant peintes de manière plane, à la façon de toiles tendues en arrière-plan. Il a également puisé son inspiration dans l'histoire de l'art, faisant référence au dragon de Paolo Uccello.

Une critique du New York Times concernant la production montée au Met en 1991 soulignait que « ses tableaux de scène opéraient infailliblement leur magie… Le choix des teintes de M. Hockney et sa manière ludique de les juxtaposer rappelaient les premières expérimentations spontanées d'un enfant avec des aquarelles ou une boîte de crayons de couleur ».

En février 1981, le Metropolitan Opera de New York demande à Hockney de concevoir les décors et les costumes pour trois opéras rarement joués : « Parade » de Satie, « Les Mamelles de Tirésias » de Poulenc et « L’enfant et les Sortilèges » de Ravel. « Parade », en particulier, s’inscrit dans une riche tradition de collaboration artistique : la production originale de 1917 avait été conçue par Pablo Picasso lui-même. Hockney choisit de faire allusion à l’approche de Picasso et de s’en inspirer, notamment en reprenant les figures emblématiques d’arlequins issues de sa période rose. « L’enfant et les Sortilèges », quant à lui, est considéré comme le préféré de Hockney parmi ces trois œuvres.

Dans une critique contemporaine du New York Times, l’opéra reçoit des éloges enthousiastes : « De temps à autre, et parfois juste à temps, il se produit à l’opéra un événement qui justifie son existence et restaure la foi en son présent et en son avenir. » Les créations de Hockney sont saluées pour avoir trouvé « exactement le ton juste ».

Suite au succès de « Parade Triple Bill », le Met commande à Hockney une nouvelle collaboration avec John Dexter, cette fois pour un triptyque d’œuvres d’Igor Stravinsky : Le Sacre du printemps, Le Rossignol et Oedipus Rex. Conçu dans des délais restreints, le spectacle est inauguré à la fin de la même année. Bien que cette production n'ait pas été jugée aussi aboutie que les précédentes, les décors de Hockney pour Le Rossignol, en particulier, ont été salués.

À ce stade, les décors de scène de Hockney avaient rencontré un succès considérable, faisant même l'objet d'une exposition en 1983, « Hockney Paints the Stage » au Walker Art Center de Minneapolis, aux États-Unis. Pour cet événement, il a recréé plusieurs de ses décors antérieurs, en les adaptant pour une présentation en galerie.

Hockney était un scénographe expérimenté lorsqu'il a travaillé sur Tristan und Isolde, ayant appris à prendre en compte l'éclairage dès les premières étapes du processus en créant une maquette de décor dans son atelier. Il était également très enthousiaste à l'idée de participer à cet opéra en particulier, car celui-ci « se déroule entièrement en extérieur [et] mettre en scène la nature semblait être un défi intéressant ». Le spectacle a été inauguré en décembre 1987 au Los Angeles Music Center Opera, et les décors de Hockney ont reçu des critiques élogieuses. Ils se définissent par des éléments souples et courbes, avec une tonalité plus pastel que ses créations de 1981. Une fois encore, le travail de Hockney a été salué par la critique, The New York Times affirmant : « Hockney a relevé le défi notoire et nous a transportés en quelques secondes dans un monde où toute vie était éteinte et toute lumière étouffée, pour nous conduire ensuite vers un univers transfiguré où le temps passé, le temps présent et le temps futur étaient en quelque sorte en équilibre. Ce fut l'un des moments les plus impressionnants que nous verrons jamais sur une scène. »

En janvier 1992, l'opéra Turandot fut enfin inauguré au Lyric Opera of Chicago, dévoilant une scénographie techniquement innovante qui avait entièrement occupé la vie de Hockney au cours des deux années précédentes. Situé en Chine, l'opéra relate l'amour du prince Calaf pour la froide princesse Turandot. Les prétendants doivent résoudre trois énigmes pour l'épouser, sous peine de mort en cas d'échec. Bien que Calaf réussisse, Turandot hésite ; il la met alors au défi de deviner son nom avant l'aube ou d'accepter leur union.

Le rouge et le bleu dominaient la production, se révélant tantôt rassurants, tantôt menaçants, et puisant leur inspiration dans l'histoire de la Chine : le rouge pour la chance et le bleu de son emblématique porcelaine. Les critiques du décor ont salué cette « Cité interdite abstraite, faite d'angles alternativement vifs et de courbes entrelacées », créant un contraste saisissant « entre la géométrie implacable du cadre et l'extrême lyrisme de la musique ». Hockney lui-même a évoqué son désir de moderniser la scénographie : « L'une des raisons pour lesquelles je voulais le faire était que je sentais qu'il était possible de simplifier l'ensemble, de se débarrasser de la chinoiserie grotesque. »

En novembre 1992, Hockney a conçu les décors de la mise en scène par John Cox de « Die Frau Ohne Schatten » de Richard Strauss au Royal Opera House de Covent Garden, à Londres. L'opéra plonge dans un univers mystique où une impératrice céleste, privée d'ombre, doit en obtenir une pour s'assurer l'amour de son époux et l'empêcher de se transformer en pierre. L'œuvre explore des thèmes profonds tels que l'amour, le sacrifice et le désir humain de progéniture.

Pour cet opéra, Hockney a créé des décors aux couleurs intenses, agrémentés d'éléments surréalistes. Ce fut la dernière incursion de l'artiste dans la scénographie d'opéra, car celui-ci souffrait de troubles de l'audition croissants et se sentait incapable de travailler avec la musique. Depuis, cette production a été reprise avec les décors originaux de Hockney au San Francisco Opera en juin 2023.

La passion de Hockney pour l'opéra a été explorée dans le documentaire de 2003 « David Hockney: The Colours of Music ». Ce film examine son processus créatif, son amour pour la musique et sa carrière de scénographe.

Durant la majeure partie de 2023, Hockney a présenté une exposition immersive intitulée « Bigger & Closer at Lightroom » à Londres. Une section de l'exposition revisite les visuels d'opéra postmodernes aux couleurs vibrantes conçus par Hockney dans les années 1970 et 1980, permettant au public de découvrir leur magie de manière particulièrement accessible.

La passion de Hockney pour l'opéra a été saluée pour son importance, notamment à une époque où ce médium est parfois perçu comme obsolète. Ses créations pour le théâtre sont restées pertinentes et contemporaines, continuant d'être mises en scène des décennies plus tard.