L'amour de David Hockney pour l'opéra

Malgré le succès que connaîtraient ses décors d'opéra, Hockney n'a pas toujours été passionné par ce médium. Dans une interview en 1970, il a déclaré : « Eh bien, le théâtre en soi ne m'intéresse pas vraiment. J'ai fait une pièce, j'ai conçu Ubu Roi. En faisant cela, j'ai soudainement réalisé qu'un procédé théâtral dans la peinture est très différent d'un procédé théâtral au théâtre. Le design scénique ou autre chose ne m'intéresse vraiment pas. » La pièce à laquelle il fait référence est une production de 1966 montée au Royal Court Theatre de Londres, qui a marqué la première incursion de Hockney dans la conception de décors. Bien qu'il ait été initialement inquiet face à ce projet, pensant que les procédés théâtraux de ses tableaux seraient contradictoires dans un véritable théâtre, il fut finalement convaincu et créa de grandes toiles qui « descendaient avec de grosses cordes dessus, comme un théâtre de marionnettes farfelu ».

En tout, Hockney concevrait les décors de onze opéras sur une période de dix-sept ans, à partir de 1975. Son implication a varié, incluant la conception des décors, des costumes et des affiches. À l'instar de ses peintures, Hockney apporte sa sensibilité Pop bien marquée à ses créations scéniques, qui se caractérisent par des couleurs vives et éclatantes qui s'opposent souvent les unes aux autres. Ses décors présentent souvent des éléments surréalistes, utilisant la taille et l'échelle pour créer un sens de la perspective.

La première incursion de Hockney dans la scénographie d’opéra date de 1974, lorsqu'il est sollicité pour concevoir les décors et les costumes d’une production de *The Rake’s Progress* pour le Festival de Glyndebourne de 1975. Hockney s'imposait comme créateur : à l'instar de Stravinsky, il avait lui aussi été inspiré par la série de William Hogarth du même nom, et en avait créé sa propre version en 1963. Aux côtés du metteur en scène John Cox, Hockney a conçu un décor évocateur, utilisant le hachurage et les lignes parallèles, rappelant les techniques de gravure pour imiter les estampes de Hogarth lui-même.

C'est le décor avec la palette de couleurs la plus sourde de tout l'œuvre de Hockney, ce qui renforce la sensation de regarder une gravure prendre vie. Hockney a déclaré : « *The Rake’s Progress* est arrivé à un bon moment pour moi, car c'était une période où j'essayais de déterminer ce que je voulais faire en peinture. Donc, lorsque cette opportunité s'est présentée en 1974, elle a mis fin à quelque chose et m'a lancé dans une autre voie. »

Seulement quelques années plus tard, Hockney réalise les décors pour La Flûte enchantée en vue du Festival d'Opéra de Glyndenbourne en 1978. Sa production a ensuite fait le tour du monde, ayant été jouée au Metropolitan Opera de New York et au San Francisco Opera.

Dans Die Zauberflöte de Mozart, le Prince Tamino – aidé par une flûte magique et le fauconnier Papageno – cherche à secourir la Princesse Pamina de l'énigmatique Sarastro, rencontrant en chemin des épreuves qui mettent à l'épreuve l'amour, la vertu et la sagesse. Hockney a produit 35 toiles de fond pour cette œuvre, qui sont caractéristiques par leur luminosité et leurs couleurs vives, mais peintes de manière plate, comme des toiles situées derrière la scène. Il s'est également inspiré de l'histoire de l'art, faisant référence au dragon de Paolo Uccello.

Une critique du New York Times concernant la production de 1991 présentée au Met affirmait que « ses scènes magiques fonctionnaient infailliblement… La sélection de teintes de M. Hockney et la juxtaposition ludique de celles-ci rappelaient les premières expériences sans retenue d'un enfant avec l'aquarelle ou une boîte de crayons de couleur. »

En février 1981, le Metropolitan Opera de New York a demandé à Hockney de concevoir les décors et les costumes pour trois opéras rarement joués : Parade de Satie, Les Mamelles de Tirésias de Poulenc et L’enfant et les Sortilèges de Ravel. Parade, en particulier, avait un précédent fort en matière d'implication artistique : la production originale de 1917 avait été conçue par nul autre que Pablo Picasso lui-même. Hockney a choisi de faire allusion et de s'inspirer de la vision de Picasso, en intégrant les arlequins emblématiques de sa période Rose. L’enfant et les Sortilèges, en revanche, fut souligné comme étant le préféré de Hockney parmi les trois.

Dans une critique contemporaine du New York Times, l'Opéra a reçu un éloge enthousiaste : « De temps en temps, et parfois il n'est pas trop tôt, quelque chose se produit à l'opéra qui justifie son existence et restaure la foi en son présent et son avenir. » Les créations de Hockney sont louées pour avoir « exactement le ton juste ».

Après le succès de la « Parade Triple Bill », le Met commande à Hockney de retravailler avec John Dexter, cette fois pour un triptyque d'œuvres d'Igor Stravinsky : Le Sacre du Printemps, Le Rossignol et Oedipus Rex. Le délai était court, avec une première à la fin de la même année. Bien que la production n'ait pas été considérée comme aussi réussie que les précédentes, les décors de Hockney pour Le Rossignol en particulier ont été salués.

À cette époque, les décors de Hockney avaient connu un succès considérable et avaient même fait l'objet d'une exposition en 1983, intitulée Hockney Paints the Stage au Walker Art Centre de Minneapolis, aux États-Unis. Pour cette occasion, il recréa bon nombre de ses décors précédents, en les adaptant pour qu'ils puissent être vus dans un cadre de galerie.

Hockney était déjà un concepteur expérimenté lorsqu'il travailla sur Tristan und Isolde, et il avait appris à prendre en compte l'éclairage dès le début du processus, en créant une maquette miniature dans son atelier. Il était également très intéressé par sa participation à cet opéra en particulier, car il « se déroule entièrement en extérieur [et] mettre en scène la nature semblait être un défi intéressant ». La première eut lieu en décembre 1987 au Los Angeles Music Center Opera, et les conceptions de Hockney reçurent un accueil dithyrambique. Elles se caractérisent par des éléments doux et courbes, avec une tonalité plus pastel que les créations de 1981. Encore une fois, le travail de Hockney reçut des critiques positives, The New York Times déclarant : « Hockney a relevé le fameux défi et nous a transportés en quelques secondes dans un monde où toute vie était éteinte et toute lumière éteinte, puis vers un univers transfiguré où le temps passé, le temps présent et le temps à venir étaient en quelque sorte en équilibre. Ce fut un moment aussi impressionnant que nous n'en verrons jamais sur une scène. »

En janvier 1992, l'opéra Turandot a finalement été inauguré au Lyric Opera of Chicago, avec une conception scénique techniquement novatrice qui avait accaparé la vie de Hockney durant les deux années précédentes. Se déroulant en Chine, l'opéra raconte l'amour du prince Calaf pour la froide princesse Turandot. Les prétendants doivent résoudre trois énigmes pour l'épouser ; l'échec est synonyme de mort. Bien que Calaf réussisse, Turandot hésite, il la met donc au défi de deviner son nom avant l'aube ou d'accepter leur union.

Le rouge et le bleu dominaient la production, tour à tour réconfortants ou menaçants, et étaient inspirés par l'histoire de la Chine : le rouge pour la bonne fortune et le bleu de sa porcelaine emblématique. Les critiques des décors ont salué la « Cité Interdite abstraite faite d'angles vifs alternant avec des courbes entrelacées », créant un fort contraste « entre la géométrie implacable du décor et le lyrisme extrême de la musique ». Hockney lui-même a évoqué son désir de moderniser la conception scénique : « L'une des raisons pour lesquelles je voulais le faire était que je sentais qu'il était possible de le simplifier, de me débarrasser de la chinoiserie grotesque. »

En novembre 1992, David Hockney a conçu les décors pour la mise en scène de Die Frau Ohne Schatten de Richard Strauss par John Cox, présentée au Royal Opera House de Covent Garden, à Londres. L'opéra plonge dans un monde mystique où une impératrice céleste, dépourvue d'ombre, doit en acquérir une pour assurer l'amour de son mari et l'empêcher de se pétrifier. L'œuvre explore des thèmes profonds comme l'amour, le sacrifice et le désir humain de descendance.

Pour cet opéra, David Hockney a créé des décors aux couleurs intenses, empreints d'éléments surréalistes. Ce fut la dernière incursion de l'artiste dans la conception de décors d'opéra, car il devenait de plus en plus malentendant et se sentait incapable de travailler avec la musique. Depuis lors, cette production a été remontée avec les décors de David Hockney à l'opéra de San Francisco en juin 2023.

L'amour de Hockney pour l'opéra a été exploré dans le documentaire de 2003, David Hockney: The Colours of Music. Ce dernier revient sur son processus créatif, sa passion pour la musique et sa carrière dans la conception de décors et de scènes.

Pendant la majeure partie de 2023, Hockney est à l'honneur avec une exposition immersive intitulée Bigger & Closer at Lightroom à Londres. Une partie du spectacle revisite les visuels d'opéra postmodernes aux couleurs éclatantes, créés par Hockney dans les années 1970 et 1980, permettant au public de découvrir leur magie d'une manière très accessible.

La passion de Hockney pour l'opéra est saluée pour son importance, surtout à une époque où ce médium est parfois considéré comme obsolète. Ses conceptions pour des productions sont restées pertinentes et contemporaines, continuant d'être montées des décennies plus tard.