Le parcours artistique de David Hockney : du Yorkshire à Los Angeles

David Hockney est né et a grandi à Bradford, dans le West Riding of Yorkshire, au nord de l'Angleterre. Dès son plus jeune âge, il manifeste des aptitudes et une passion pour les arts ; son père, Kenneth Hockney, objecteur de conscience, lui offre probablement une éducation libérale, favorisant son expression personnelle et son intérêt pour les causes politiques. À tout juste seize ans, il intègre la Bradford School of Art. Cette école possède une riche histoire artistique, sur laquelle Hockney a manifestement laissé son empreinte : en 2015, la Bradford School of Art a inauguré son nouveau « David Hockney Building » sur le campus.

Hockney reviendra régulièrement au paysage du Yorkshire tout au long de sa carrière, y puisant une source d'inspiration inépuisable et un renouveau constant à travers son ruralisme verdoyant, comme nous le verrons. La 1853 Gallery à Salts Mill, située à Saltaire, près de la ville natale de Hockney, Bradford, abrite encore aujourd'hui de nombreuses œuvres issues de son immense et variée collection.

L'installation de David Hockney à Londres pour étudier au Royal College of Art (RCA) a marqué l'éclosion de sa voix artistique et de son style éminemment personnel. Lorsqu'il évoquait cette période de formation, l'artiste comparait cette liberté d'expression retrouvée au conservatisme de son enseignement précédent au Bradford College of Art : « La plupart d'entre nous avions bénéficié d'un enseignement très traditionnel jusqu'alors, et en arrivant au RCA, nous voulions explorer des approches plus physiques et l'abstraction, qui prenait de l'ampleur en provenance des États-Unis. On pouvait faire exactement ce que l'on voulait. On pouvait même fumer. »

En phase avec ce libéralisme, Hockney a fait son coming out en tant qu'homosexuel alors qu'il vivait et étudiait à Londres en 1962, à l'âge de 23 ans, sept ans avant que la Grande-Bretagne ne décriminalise enfin l'homosexualité avec le Sexual Offences Act de 1967. Lorsque Hockney a été mis à l'honneur lors de la célèbre exposition Young Contemporaries Exhibition en 1961 à la Whitechapel Gallery, l'une de ses œuvres exposées était « We Two Boys Together Clinging » (1961). Cette peinture à l'huile est une représentation romantique de deux hommes s'étreignant tendrement, réalisée dans le style vaporeux des débuts de l'artiste, caractérisé par des figures aux torses carrés presque cartoonesques et l'intégration de collages textuels. Ayant depuis ouvert la voie aux artistes qui n'hésitent pas à défendre leurs convictions, cette période fut particulièrement notable pour son travail visant à contester et déstigmatiser les relations homosexuelles. Ses œuvres influencent les artistes et militants LGBTQ depuis de nombreuses années.

Véritable trésor national britannique, son empreinte demeure visible à travers la capitale : depuis une prestigieuse commande pour concevoir un vitrail commémorant le règne de la reine Elizabeth II à Westminster, intitulé « The Queen's Window », jusqu'au projet (moins populaire) de signalétique du métro londonien réalisé par David Hockney en 2021, les occasions de suivre les traces de l'artiste à Londres ne manquent pas. Il est également régulièrement mis à l'honneur lors d'expositions monographiques majeures, telles que celle de la Royal Academy, « David Hockney: The Arrival of Spring, Normandy, 2020 », ou la rétrospective de 2017 à la Tate Britain : « David Hockney: 60 Years of Work ».

De même, l'œuvre de 1966 de l'artiste, The Splash — peinture sœur de la plus célèbre œuvre de David Hockney, A Bigger Splash — a provoqué une onde de choc sur le marché de l'art lorsqu'elle a été adjugée plus de 23 millions de livres sterling chez Sotheby’s à Londres le 11 février 2020.

Parmi ses estampes, l'œuvre Afternoon Swimming de David Hockney mérite une mention particulière pour sa manière similaire de figer le plongeur dans le temps, évoquée par une éclaboussure blanche dynamique et explosive. David Hockney a un jour déclaré, au sujet de l'attrait d'une éclaboussure figée : « Tout le monde sait qu'une éclaboussure ne peut être arrêtée dans le temps ; c'est pourquoi, lorsqu'on la voit ainsi dans une peinture, l'effet est encore plus saisissant que sur une photographie. »

Si les peintures de piscines de Hockney constituent son chef-d'œuvre, elles ne méritent pas de capter toute l'attention : l'artiste a également consacré un grand nombre de séries d'estampes à ce sujet, l'utilisant comme un vecteur d'expérimentation des techniques d'impression. Parmi les plus remarquables, citons sa série Paper Pools et sa série d'estampes progressives « Lithographs of Water ».

La première, bien qu'il ne s'agisse pas strictement d'une édition d'estampes, peut être classée comme une série de multiples uniques, Hockney ayant représenté de manière répétitive la piscine (appartenant à son ami Kenneth Tyler, dans le comté de Westchester, New York) à différents moments de la journée, sans doute inspiré par les études des « Nymphéas » de Monet sur son bassin aux nénuphars. Compte tenu du savoir-faire impliqué, qui consiste à presser de la pâte à papier infusée de pigments pour obtenir des feuilles aux couleurs saturées saisissantes, il n'est guère surprenant qu'une œuvre de cette série soit l'œuvre sur papier la plus chère de Hockney à ce jour : « Piscine De Medianoche (Paper Pool 30) » (1978) a été adjugée 8 705 209 livres sterling en mai 2018 chez Sotheby's.

Los Angeles s'avérera également déterminante, en tant que lieu de rencontre entre Hockney et Peter Schlesinger, son amant et muse pendant un temps, qui figure de manière célèbre dans de nombreuses peintures et estampes intimes.

Si les piscines de David Hockney demeurent l'un des souvenirs les plus célèbres de son séjour en Californie et aux États-Unis, une autre facette notable de son œuvre réside dans sa fascination pour les paysages des parcs nationaux, manifeste dans ses paysages peints en plein air. Cet ensemble d'œuvres comprend aussi bien de vastes peintures à l'huile que sa technique novatrice : les collages photographiques. Face à la grandeur de lieux tels que le Grand Canyon, le parc national de Yosemite ou l'Antelope Valley Poppy Reserve en Californie, David Hockney s'est efforcé de libérer sa pratique de la perspective monoculaire à point de vue fixe, qui a fini par dominer les arts visuels.

Dans « Pearblossom Highway (1986) », David Hockney réalise un collage photographique à partir de perspectives multiples afin de traduire l'impressionnante étendue de l'autoroute américaine. L'artiste a exploré l'application de la photographie — traditionnellement l'incarnation même d'une perspective fixe à point unique — à une représentation de l'espace par perspectives multiples, une approche qui prévalait autrefois. En assemblant ces images, l'artiste parvient à une représentation plus fidèle de l'expérience humaine, telle que nos yeux accumulent progressivement diverses impressions au sein d'un espace donné.

En visite dans le Colorado en 1998 pour réaliser sa peinture, « A Bigger Grand Canyon », Hockney a appliqué ce même principe, peignant à nouveau des paysages en plein air afin de représenter au mieux l'aspect de cette sublime formation géologique depuis une perspective humaine — celle d'un regard capable d'embrasser l'espace et de modifier ses points de vue au cours du processus.

Il est évident que les paysages dépeints dans ces œuvres, qui sont souvent d'une taille colossale, qu'il s'agisse de peintures ou de photographies, constituent un élément essentiel. Bien que l'intérêt de Hockney pour la perspective soit ancien, il ne fait aucun doute que l'immensité sublime du paysage américain lui offre une source d'inspiration inimitable pour ses expérimentations.

C'est ainsi que Hockney est revenu au paysage californien en 2010-2011, trouvant l'inspiration pour sa vibrante et solaire « Yosemite Suite », un portfolio d'estampes qui est rapidement devenu l'un des favoris des collectionneurs.

Au cours des années 1970 et 1980, Hockney a beaucoup voyagé entre Los Angeles, Londres et Paris pour son travail, bien qu'il ait fait l'acquisition d'une maison dans les Hollywood Hills (ainsi qu'un bureau sur Santa Monica Boulevard) pour servir de pied-à-terre à lui-même et à son ancien compagnon Gregory Evans, qui demeure aujourd'hui encore un ami et un partenaire commercial. Toutefois, à mesure que sa mère avançait en âge dans les années 1990, Hockney s'est retrouvé à retourner fréquemment dans le Yorkshire, sa terre natale, pour lui rendre visite.

Ses séjours étant initialement brefs, Hockney a progressivement commencé à peindre les paysages du Yorkshire en s'appuyant sur des souvenirs récents et d'enfance. Plus tard, il a prolongé ses séjours afin de réaliser des paysages en plein air. L'œuvre de Hockney intitulée « Garrowby Hill (1998) » dans l'East Yorkshire a marqué un tournant : le tableau a rencontré un succès critique retentissant, et Hockney, visiblement convaincu, a pris ses quartiers dans la ville balnéaire de Bridlington pour continuer à étudier les paysages environnants.

C’est durant cette période de retour aux sources que David Hockney a créé sa série aujourd’hui célèbre, « The Arrival Of Spring in 2011 », composée de dessins sur iPad représentant Woldgate East, dans le Yorkshire, foisonnant de routes bordées d'arbres, de bois baignés de lumière et de champs vallonnés. Informée de cette production prolifique, la Royal Academy lui a commandé une exposition phare, dont les estampes numériques sont issues.

À la suite d’un tragique accident survenu en 2013, au cours duquel l’assistant d’atelier de David Hockney a trouvé la mort, l’artiste a légitimement ressenti le besoin de changer d’horizon. Après avoir vendu sa demeure de Bridlington en 2015, David Hockney a acquis un atelier en Normandie et s’y est installé en 2019, suscitant des titres aussi singuliers que véridiques dans des médias spécialisés, tels que « Artist David Hockney Is Moving to France Because It’s Illegal to Smoke Practically Anywhere in America », publié par Artnet. S’il est vrai que David Hockney apprécie de fumer en travaillant, d’autres facteurs sont probablement entrés en ligne de compte, notamment la beauté de cette région de l’ouest de la France et l’intérêt croissant de l’artiste pour la tapisserie de Bayeux.

Installé dans le pittoresque village de Beuvron-en-Auge, au cœur du pays d’Auge, David Hockney a été accueilli — comme il l’est partout ailleurs — comme une figure culturelle locale. En partenariat avec le musée de la Tapisserie de Bayeux, le projet le plus récent de David Hockney, intitulé « A Year in Normandie », s’est imprégné du paysage provincial au fil des saisons. Une entreprise entamée, de manière opportune, « alors que le monde s’était figé pendant les différents confinements », et qui a finalement été présentée sous la forme d’une vaste frise, inspirée par le récit de la tapisserie de Bayeux.

« A Year in Normandie » a été exposée pour la première fois au prestigieux musée de l’Orangerie, à Paris, qui abrite l’œuvre archétypale de Monet sur le passage des saisons : les « Nymphéas ». Depuis, l’œuvre a été dévoilée au musée de la Tapisserie de Bayeux, où elle est présentée de manière évocatrice, face à sa source d’inspiration originelle, et ce jusqu’à fin avril 2023.

David Hockney réside encore aujourd'hui en Normandie et, au regard des œuvres déjà créées sur place — voir, par exemple, « The Arrival of Spring, Normandy 2020 » —, nous espérons qu'elle restera une source d'inspiration pour l'artiste britannique pendant de nombreuses années encore.

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