Découvrez notre dernier rapport sur le marché des estampes modernes britanniques pour obtenir des éclairages précieux sur les performances en 2023 des œuvres de David Hockney et Bridget Riley en tant que patrimoine artistique, accompagnés d'une analyse du marché de L.S. Lowry.
Nés à seulement six ans d'intervalle, David Hockney et Bridget Riley appartiennent à cette génération d'artistes britanniques qui ont jeté les bases de l' art contemporain tel que nous le connaissons aujourd'hui. Bien que le duo ait développé des styles très distincts au cours de leurs carrières respectives, ils ont tous deux joué un rôle transformateur dans le monde de l'art. Ces deux artistes sont toujours en activité et continuent de produire des œuvres, s'imposant comme une source d'inspiration pour les créateurs de notre époque.
Nous examinons ici les parcours de ces deux artistes influents, de leurs années de formation à aujourd'hui :
Les débuts de Hockney et Riley
Premières années
Bridget Riley est née en 1931 à Norwood, dans le sud de Londres. Fille d'un imprimeur, Riley a vu sa famille déménager dans le Lincolnshire jusqu'à ce que son père soit appelé sous les drapeaux. Aux côtés de sa mère, de sa sœur et de sa tante, Riley s'installe en Cornouailles pendant la Seconde Guerre mondiale. Riley fait ses études au Cheltenham Ladies College, où elle développe un vif intérêt pour le dessin et la peinture. C'est toutefois en Cornouailles qu'elle passe son temps à observer les variations de lumière et les couleurs de la nature, un élément qui marquera profondément son œuvre.
David Hockney, quant à lui, est né en 1937 à Bradford, dans le Yorkshire. Fils de Laura et Kenneth Hockney, ce dernier étant objecteur de conscience pendant la Seconde Guerre mondiale, Hockney est encouragé dès son plus jeune âge par ses parents à cultiver sa créativité. Il trouve rapidement l'inspiration chez des artistes tels que Pablo Picasso et Henri Matisse. Scolarisé à la Bradford Grammar School, Hockney poursuit sa formation au Bradford College of Art, où sa carrière commence à prendre forme.
En savoir plus sur les lieux qui ont marqué leur parcours :
Le parcours artistique de Bridget Riley : des Cornouailles à l'Égypte
Le parcours artistique de David Hockney : du Yorkshire à Los Angeles
École d'art et affirmation du style
Bien que Hockney et Riley aient initialement étudié dans des établissements différents, les deux artistes ont intégré le prestigieux Royal College of Art (RCA) à Londres. Les études de Riley au RCA, entre 1952 et 1955, furent éprouvantes et frustrantes. Pour elle, l'enseignement dispensé au RCA s'est avéré peu gratifiant, l'institution bridant davantage son individualité qu'elle ne la nourrissait. Pour Hockney, en revanche, le RCA fut une expérience stimulante et épanouissante. À partir de 1959, il y étudie aux côtés de Peter Blake et Allen Jones, expérimentant différents médiums et styles. Son passage au RCA fut une telle réussite qu'il reçut une médaille d'or lors du concours de fin d'études.
Bien entendu, ni Riley ni Hockney n'ont établi leur style définitif au Royal College of Art. Les premières œuvres de Riley étaient hautement figuratives, jusqu'à sa rencontre avec le pointillisme français, qui a éveillé sa fascination pour la couleur et les effets d'optique. C'est un aspect que l'on observe manifestement dans son œuvre de 1960, « Pink Landscape », qui s'inspire de l'emblématique « Le pont de Courbevoie » (1886) de Seurat. Bien que cette œuvre soit l'une de ses plus célèbres, elle se distingue radicalement de ses travaux Op-Art ultérieurs.
De même, les premières œuvres de Hockney, à l'instar de celles de nombre de ses pairs au RCA, étaient fortement marquées par l'expressionnisme abstrait. Comme Hockney s'en est lui-même souvenu : « Les jeunes étudiants avaient réalisé que la peinture américaine était plus intéressante que la peinture française. L'idée de peinture française avait réellement disparu, et l'expressionnisme abstrait américain exerçait une influence majeure. J'ai donc essayé, j'ai réalisé quelques toiles, environ vingt pièces sur des panneaux de bois de trois pieds sur quatre, basées sur un mélange d'Alan Davie, Jackson Pollock et Roger Hilton. Je les ai faites pendant un temps, puis je n'ai plus pu. C'était trop aride pour moi. » On perçoit l'influence de l'expressionnisme abstrait et d'artistes britanniques comme Francis Bacon dans son œuvre « Labor Omnia Vincit » qui, tout comme les premières créations de Bridget Riley, diffère grandement des œuvres lumineuses et colorées qui caractériseront la suite de sa carrière.
Art optique
L'ascension de Bridget Riley
Durant le Swinging London des années 1960, Hockney comme Riley ont consolidé le style qui les propulserait vers une renommée internationale. Pour Riley, ce style est devenu l'Op Art. Travaillant exclusivement en monochrome jusqu'à la fin des années 1960, l'Op Art de Riley se caractérisait par des formes géométriques simples créant des illusions d'optique. L'œuvre charnière de Riley fut « Movement In Squares » (1961), une grille de carrés noirs et blancs aux largeurs variables donnant l'impression de s'effondrer sur la toile. Selon Riley, cette œuvre expérimentale a été réalisée en partie par intuition, et elle a créé sur le papier « quelque chose que je n'avais pas anticipé ».
À partir de ce moment, l'artiste d'Op Art a rencontré un franc succès pour ses œuvres visuellement stimulantes et étourdissantes. En 1962, elle a tenu sa première exposition personnelle à la Gallery One de Londres, ce qui l'a menée à remporter des prix en 1963. L'année suivante, Riley fut invitée à exposer ses œuvres lors de l'exposition « Next Generation » à la Whitechapel Gallery, aux côtés de Hockney. En 1965, les peintures de Riley furent présentées au Museum of Modern Art lors de l'exposition intitulée « The Responsive Eye », qui se concentrait sur les qualités perceptives des œuvres. L'une des peintures de Riley fut utilisée pour la couverture du catalogue de cette exposition emblématique du genre, propulsant sa renommée et son succès aux États-Unis.
L'expérimentation visuelle audacieuse et la maîtrise de la couleur de Riley ont trouvé leur aboutissement dans « Gala » (1974), une œuvre mimant le flux dynamique d'une surface ondulante, illustrant l'apogée du mouvement Op Art. Des décennies plus tard, lors de la Modern British Art Evening Sale de 2022 chez Christie's à Londres, « Gala » a établi un nouveau record aux enchères pour Riley en dépassant largement son estimation de 3,5 millions de livres sterling pour atteindre 4,4 millions de livres sterling. Cette vente a non seulement fait de « Gala » l'œuvre la plus chère de Riley à ce jour, mais a également souligné son influence durable et l'attrait intemporel de son travail.
Pop Art britannique
L'avènement du Pop Art britannique selon David Hockney
À l'instar de Riley, les années 1960 marquèrent un tournant décisif dans le parcours de David Hockney. L'artiste commença à s'éloigner de la norme institutionnelle de l'expressionnisme abstrait, privilégiant des sujets nourris par ses propres expériences de vie. David Hockney, artiste ouvertement homosexuel, a consacré une grande partie de ses premières œuvres à la célébration des relations entre hommes et de la culture queer. L'une des œuvres illustrant cette approche intime est « We Two Boys Together Clinging », une huile sur carton inspirée d'un poème de Walt Whitman, qui témoigne de l'élan littéraire au cœur de sa création. À peine trois ans plus tard, cependant, David Hockney entreprit de peindre les personnes et les lieux qui lui étaient chers. En 1963, il fut l'unique artiste exposé lors de sa première exposition à la galerie Kasmin de Londres, intitulée « David Hockney: Pictures with People In » – un clin d'œil au sujet de prédilection de l'artiste à partir de cette période.
L'année 1964 fut peut-être la plus déterminante de la décennie pour l'évolution artistique de David Hockney. C'est en effet cette année-là qu'il s'installa en Californie, bien qu'il n'y eût jamais mis les pieds. Une semaine seulement après son arrivée, David Hockney avait obtenu son permis de conduire, acheté une voiture et s'était pleinement immergé dans la vie angelena. La même année, il s'initia à la photographie Polaroid et réalisa ses premières peintures de piscines. Bien qu'il soit rentré au Royaume-Uni au début de l'année 1965, son esprit et son cœur étaient restés à Los Angeles, et l'artiste retourna aux États-Unis peu après.
C'est durant son séjour californien que David Hockney développa sa propre version du Pop Art britannique. Portée par les couleurs riches et la lumière éclatante de son environnement, l'œuvre de David Hockney prit une nouvelle dimension au cours des années 1960. Bien que l'on qualifie son travail de « Pop Art britannique », son style et ses sujets ont toujours été bien plus nuancés. À partir des années 1960, l'œuvre de David Hockney s'est révélée intime, novatrice et perpétuellement fidèle aux nombreuses passions de l'artiste.
Nous découvrons ici David Hockney et Bridget Riley réunis lors d'une exposition consacrée à leurs œuvres à la galerie Robert Fraser à Londres :
1960s Swinging Art Gallery London - Bridget Riley, David Hockney, Robert Fraser, Charlie Watts (@Kinolibrary via YouTube).
Voir le voir
Bien que les œuvres de Hockney et de Riley aient emprunté des voies très distinctes dans les années 1960, toutes deux témoignent d'un intérêt marqué pour les propriétés perceptives de la création. Dans le cas de Hockney, cet intérêt découle en partie de son travail de scénographie et de conception de décors, qu'il a mené tout au long de sa carrière. Hockney a ainsi été sollicité pour concevoir la scénographie d'institutions prestigieuses telles que le Metropolitan Opera House à New York. Cette incursion dans le design a indéniablement influencé sa pratique bidimensionnelle, comme en témoignent des œuvres avant-gardistes telles que « Four Part Splinge », issue de sa série « Some New Prints ». Ces pièces jouent avec la texture, la matérialité et la perspective, créant un effet psychédélique qui n'est pas sans rappeler le travail de Riley. L'immense diversité de l'œuvre de Hockney – qu'il continue d'enrichir aujourd'hui – témoigne de son exploration incessante de nouvelles manières de voir.
Riley, quant à elle, a consacré l'intégralité de sa carrière à l'Op Art. À partir des années 1970, elle a commencé à intégrer la couleur dans ces œuvres aux défis perceptifs prononcés. Contrairement aux palettes audacieuses du Pop art de Hockney, Riley a souvent privilégié des teintes nuancées afin d'accentuer la sensation de mouvement optique, comme en témoigne « Elapse ». Riley a employé ces couleurs non seulement pour intensifier les effets étourdissants de ses compositions, mais également pour susciter une réaction émotionnelle chez le spectateur.
Technologie et innovation
Tout au long de leur carrière, Hockney comme Riley ont cherché à rompre avec la tradition et à innover. Si Riley produit aujourd'hui moins d'estampes et de peintures, ses œuvres existantes conservent une dimension intemporelle, défiant les sens de chaque spectateur. Hockney, quant à lui, continue de créer à ce jour – principalement sur son fidèle iPad – en explorant sans cesse de nouvelles manières de représenter le monde.
En septembre 2024, la vente David Hockney chez Phillips a témoigné d'un intérêt soutenu pour la série « The Arrival of Spring in Woldgate », qu'il a initialement créée sur iPad en 2011. Lors de cette récente vente aux enchères, une pièce de la série, initialement estimée entre 70 000 et 90 000 livres sterling, a dépassé de plus de 50 % son estimation haute, pour finalement atteindre 150 000 livres sterling — soit près de 190 000 livres sterling frais inclus — soulignant la popularité des œuvres numériques de Hockney sur le marché de l'art actuel.
Hockney et Riley, véritables titans de l'art contemporain, sont des figures de proue de leurs genres respectifs et ont marqué l'histoire de l'art par des contributions aussi poignantes que durables.
