David Hockney et Bridget Riley : Des catalyseurs de l'art contemporain

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Nés à seulement six ans d'intervalle, Hockney et Riley font partie de cette génération d'artistes britanniques qui ont jeté les bases de l' Art Contemporain tel que nous le connaissons aujourd'hui. Les deux artistes ont développé des styles très différents au fil de leurs carrières respectives, jouant tous deux un rôle transformateur dans le monde de l'art. Ces deux artistes sont toujours vivants et produisent des œuvres à ce jour, servant d'inspiration à d'autres artistes de notre époque.

Ici, nous examinons les carrières de ces deux artistes influents, depuis leurs années de formation jusqu'à aujourd'hui :

Premières Années

Bridget Riley est née en 1931 à Norwood, dans le sud de Londres. Fille d'un imprimeur, la famille de Riley a déménagé dans le Lincolnshire jusqu'à ce que son père soit enrôlé dans l'armée. Aux côtés de sa mère, de sa sœur et de sa tante, Riley a déménagé en Cornouailles pendant la Seconde Guerre mondiale. Riley a fréquenté le Cheltenham Ladies College, où elle a développé un vif intérêt pour les arts du dessin et de la peinture. C'est cependant en Cornouailles que Riley passait son temps à observer la lumière et les couleurs changeantes de la nature – un élément qui allait façonner profondément son œuvre.

David Hockney, quant à lui, est né en 1937 à Bradford, dans le Yorkshire. Hockney était le fils de Laura et Kenneth Hockney, ce dernier étant objecteur de conscience pendant la Seconde Guerre mondiale. Très jeune, Hockney fut encouragé à être créatif par ses parents, et il trouva rapidement l'inspiration auprès d'artistes comme Pablo Picasso et Henri Matisse. Hockney a été scolarisé à la Bradford Grammar School, puis a suivi une formation au Bradford College of Art, où la carrière de l'artiste a commencé à prendre forme.

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École d'Art & Établissement du Style

Bien que Hockney et Riley aient initialement étudié dans des établissements différents, les deux artistes ont obtenu une place au prestigieux Royal College of Art (RCA) à Londres. Les études de Riley au RCA, entre 1952 et 1955, furent difficiles et frustrantes. Pour Riley, l'enseignement du RCA s'est avéré peu gratifiant et l'institution a étouffé son individualité. Pour Hockney, en revanche, le RCA fut une expérience passionnante et enrichissante. À partir de 1959, Hockney y étudia aux côtés de Peter Blake et Allen Jones, et expérimenta différents médiums et styles. Le passage de Hockney au RCA fut si réussi qu'il reçut une médaille d'or au concours de fin d'études.

Bien sûr, ni Riley ni Hockney n'ont établi leur véritable style au Royal College of Art. Les premières œuvres de Riley étaient très figuratives, jusqu'à ce qu'elle entre en contact avec le Pointillisme français, qui a inspiré sa fascination pour la couleur et les effets optiques. C'est ce que l'on remarque dans son œuvre de 1960, Pink Landscape, basée sur l'emblématique Le pont de Courbevoie (1886) de Seurat. Bien que cette œuvre soit l'une de ses plus célèbres, elle s'écarte nettement de ses futures œuvres Op Art.

De même, les premières œuvres de Hockney, comme celles de beaucoup de ses pairs au RCA, étaient fortement influencées par l'Expressionnisme abstrait. Comme Hockney s'en est souvenu lui-même : « Les jeunes étudiants avaient réalisé que la peinture américaine était plus intéressante que la peinture française. L'idée de la peinture française a vraiment disparu, et l'expressionnisme abstrait américain était la grande influence. Alors j'ai essayé, j'ai fait quelques tableaux, environ vingt sur des panneaux de trois pieds sur quatre, basés sur une sorte de mélange entre Alan Davie, Jackson Pollock et Roger Hilton. Je l'ai fait pendant un temps, et puis je n'ai plus pu. C'était trop aride pour moi. » Nous voyons l'influence de l'Expressionnisme abstrait et d'artistes britanniques comme Francis Bacon dans son œuvre Labor Omnia Vincit qui, tout comme les premières créations de Bridget Riley, est très différente des œuvres vives et colorées de sa carrière ultérieure.

L'ascension de Bridget Riley

Durant les Swinging Sixties, Hockney comme Riley ont consolidé le style qui allait les propulser sur la scène internationale. Pour Riley, ce style est devenu connu sous le nom d'Op Art. Travaillant exclusivement en monochrome jusqu'à la fin des années 1960, l'Op Art de Riley se caractérisait par des formes géométriques simples créant des illusions d'optique. L'œuvre marquante de Riley fut Movement In Squares en 1961, une grille de carrés noirs et blancs de largeurs variables qui semblent s'effondrer sur la toile. Selon Riley, cette œuvre expérimentale a été réalisée en partie par intuition, et elle y a créé quelque chose « sur le papier qu'[elle] n'avait pas anticipé ».

À partir de ce moment, l'artiste de l'Op Art a rencontré le succès grâce à ses œuvres vertigineuses et optiquement stimulantes. En 1962, elle a tenu sa première exposition personnelle à la Gallery One de Londres, ce qui lui a valu de remporter des prix en 1963. L'année suivante, Riley fut invitée à exposer ses œuvres lors de l'exposition « Next Generation » à la Whitechapel Gallery aux côtés de Hockney. En 1965, des toiles de Riley furent présentées au Museum of Modern Art dans le cadre d'une exposition intitulée « The Responsive Eye », qui se concentrait sur les qualités perceptuelles de l'art. Une des œuvres de Riley a servi de couverture au catalogue de cette exposition déterminante pour le genre, lui apportant notoriété et succès aux États-Unis.

L'expérimentation visuelle audacieuse et la maîtrise de la couleur par Riley ont culminé avec Gala (1974), une œuvre qui mime le flux dynamique d'une surface ondulée, illustrant le sommet du mouvement Op Art. Des décennies plus tard, lors de la vente du soir « Modern British Art » chez Christie's à Londres en 2022, Gala a établi un nouveau record aux enchères pour Riley en dépassant largement son estimation de 3,5 millions de livres sterling, se vendant pour la somme impressionnante de 4,4 millions de livres sterling. Cette vente a non seulement consacré Gala comme l'œuvre de Riley la plus chère à ce jour, mais a également souligné son influence durable et l'attrait intemporel de ses créations.

L'établissement du Pop Art britannique par David Hockney

Tout comme Riley, les années 1960 ont été une décennie charnière et décisive pour David Hockney. L'artiste a commencé à s'éloigner de la norme institutionnelle de l'Expressionnisme abstrait, privilégiant des sujets inspirés de ses propres expériences de vie. David Hockney était un artiste ouvertement queer, et nombre de ses premières œuvres célèbrent les relations homosexuelles et la culture queer. Une œuvre qui exprime cette approche intime est We Two Boys Together Clinging, une huile sur panneau inspirée d'un poème de Walt Whitman, qui témoigne de l'impulsion littéraire dans les œuvres de David Hockney. Pourtant, à peine trois ans après la création de cette œuvre en particulier, David Hockney a commencé à peindre des personnes et des lieux qui lui étaient chers. En 1963, David Hockney était le seul artiste exposé lors de sa première exposition à la galerie Kasmin à Londres, intitulée « David Hockney: Pictures with People In » — un clin d'œil aux sujets de prédilection de l'artiste à partir de ce moment.

L'année 1964 fut peut-être la plus importante de cette décennie pour l'évolution artistique de David Hockney. Cette année-là, David Hockney s'est installé en Californie, lieu qu'il n'avait Never Before a visité. Moins d'une semaine après son arrivée, David Hockney avait réussi son permis de conduire, acheté une voiture et s'était imprégné de la vie à Los Angeles. La même année, David Hockney s'est mis à la photographie Polaroid et a réalisé ses premières peintures de piscines. Bien qu'il soit retourné au Royaume-Uni début 1965, son esprit et son cœur étaient toujours à Los Angeles, et l'artiste est retourné aux États-Unis plus tard dans l'année.

C'est durant cette période en Californie que David Hockney a développé sa version britannique du Pop Art. Guidées par les couleurs riches et la lumière éclatante de son environnement, les œuvres de David Hockney ont pris une nouvelle dimension dans les années 1960. Bien que nous qualifions l'art de David Hockney de « Pop Art britannique », son style et ses sujets ont toujours été bien plus nuancés. À partir des années 1960, les œuvres de David Hockney ont été intimes, innovantes et ont perpétuellement reflété les nombreuses passions de l'artiste.

Ici, nous voyons Hockney et Riley ensemble lors d'une exposition de leurs œuvres à la galerie Robert Fraser à Londres :

1960s Swinging Art Gallery London - Bridget Riley, David Hockney, Robert Fraser, Charlie Watts (@Kinolibrary via YouTube).

Bien que les œuvres de Hockney et de Riley aient pris des formes très différentes dans les années 1960, tous deux s'intéressaient vivement aux qualités perceptuelles de leur production artistique. Dans le cas de Hockney, cela tenait en partie à son travail de conception de décors et de scénographie de théâtre tout au long de sa carrière. Hockney a été sollicité pour créer des scénographies pour des institutions prestigieuses comme The Metropolitan Opera House à New York. Cette incursion dans le design a certainement influencé sa pratique artistique bidimensionnelle, comme on peut le voir dans des œuvres d'avant-garde telles que Four Part Splinge, tirée de sa série Some New Prints. Ces œuvres jouent avec la texture, la matérialité et la perspective, créant un effet psychédélique qui n'est pas sans rappeler le travail de Riley. L'étendue de l'œuvre de Hockney – qu'il continue d'enrichir aujourd'hui – témoigne de son exploration incessante de nouvelles façons de voir.

Riley, en revanche, a consacré l'ensemble de son œuvre à l'Op Art. À partir des années 1970, elle a commencé à expérimenter avec la couleur dans ces créations qui mettent au défi la perception. Contrairement aux schémas de couleurs Pop audacieux de Hockney, Riley optait souvent pour des teintes mélangées afin d'accentuer le mouvement optique dans ses œuvres, comme on peut le voir dans Elapse. Riley mettait en œuvre ces couleurs non seulement pour intensifier les effets vertigineux de ses compositions, mais aussi pour susciter une réponse émotionnelle chez ses spectateurs.

Tout au long de leurs carrières, Hockney et Riley ont toujours eu à cœur de rompre avec la tradition et d'innover. Bien que Riley ne produise plus autant d'estampes et de peintures aujourd'hui, ses œuvres existantes possèdent un attrait intemporel qui met au défi les sens de chaque spectateur. Hockney continue de créer des œuvres à ce jour – principalement sur son fidèle iPad – explorant sans cesse de nouvelles façons de représenter le réel.

En septembre 2024, la vente « David Hockney » de Phillips a montré l'intérêt soutenu pour la série de Hockney, The Arrival of Spring in Woldgate, qu'il a créée pour la première fois sur son iPad en 2011. Lors de cette récente vente aux enchères, une œuvre de cette série, initialement estimée entre 70 000 et 90 000 £, a dépassé l'estimation haute de plus de 50 %, se vendant finalement à 150 000 £, soit près de 190 000 £ avec les frais, soulignant ainsi la popularité des œuvres numériques de Hockney sur le marché de l'art actuel.

Hockney et Riley, deux figures majeures de l'art contemporain, sont des phares dans leurs genres respectifs et ont apporté des changements marquants et durables au cours de l'histoire de l'art.