Le parcours artistique de Bridget Riley : de la Cornouailles à l'Égypte

Bridget Riley (née en 1931) est née à Norwood, dans le quartier sud-londonien de Croydon. Lorsque Riley n'avait que 8 ans, la Seconde Guerre mondiale éclata, et les femmes de la famille — Bridget Riley, sa sœur, sa mère et sa tante — déménagèrent dans une maison familiale près de Padstow, une ville côtière de Cornouailles. Les cinq années que Bridget Riley passa en Cornouailles furent déterminantes pour la future peintre : la guerre a façonné sa perception du genre, son éducation future et son appréciation de la nature. Compte tenu de l'isolement relatif de la maison de campagne cornouaillaise, ainsi que du manque de transport dû au rationnement de l'essence pendant la guerre, Riley n'eut d'autre choix que de s'imprégner de la beauté du paysage côtier, sans les distractions extérieures comme l'école.

La beauté de la Cornouailles laissa une impression durable sur Bridget Riley, influençant les bleus ensoleillés, les verts et les roses de fleurs sauvages de sa palette artistique. Nulle part cet impact n'est plus évident que dans sa série Lozenges , qui repose sur la formule de Riley : un motif composé de formes organiques, généré par l'intersection de bandes diagonales et de lignes verticales ondulées. Ce motif rappelle le rythme et la variation incessante des vagues ; Riley se souvenait avoir été émerveillée dès son plus jeune âge par le fait que les vagues « ne seront jamais les mêmes à chaque fois qu'elles diffèrent, chaque vague, chaque clapotis, chaque déferlement d'une vague sur un rivage ou un rocher sont uniques et ne se sont jamais produits auparavant et ne se produiront plus jamais ». Passing By et Going Across sont deux œuvres qui soulignent particulièrement cette fugacité à travers leurs titres, tout en partageant des palettes clairement inspirées par la nature.

Ayant atteint l'âge adulte au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Riley a également bénéficié de la libération des femmes de leurs seuls rôles domestiques, rendue possible par leur contribution aux efforts de guerre. Dans une interview accordée au Financial Times en 2018, Bridget Riley a déclaré :

« J'ai eu une chance incroyable de grandir pendant la Seconde Guerre mondiale, de ce point de vue. Les différences entre les sexes n'existaient absolument pas, et la camaraderie était très intense... Après la guerre, nous voulions tous faire quelque chose de cette paix. Cela vous aiguise. En 1949, je suis partie étudier au Goldsmiths College en portant un pantalon en velours côtelé et une chemise d'homme. Aucune question de genre ne m'est venue à l'esprit ! »

La mère et la tante de Riley avaient toutes deux étudié au Goldsmiths College avant elle, ce qui a contribué à cimenter son parcours pour devenir artiste.

Durant l'été 1960, Bridget Riley et son compagnon de l'époque, Gerald de Sausmarez, firent un voyage en Italie où ils admirèrent les paysages, peignirent des œuvres et visitèrent des galeries. C'est là que le style unique de Bridget Riley commença à prendre forme, divisant son corpus en deux pôles stylistiques : la peinture figurative, encore très impressionniste, intitulée Pink Landscape, et la première des toiles iconiques en noir et blanc de Bridget Riley.

S'inspirant encore des pointillistes comme Georges Seurat, Pink Landscape (1960) est luxuriante, composée d'un riche spectre de points qui créent la couleur par composition. C'est une œuvre d'une facture parfaitement académique qui témoigne de la maîtrise prometteuse de la couleur par Riley, laquelle formerait plus tard la base de ses peintures Stripe.

Pourtant, à côté de l'austère modernité des premières toiles en noir et blanc qu'elle commença plus tard cette même année, cette peinture paraît presque désuète. Riley, ayant subi une rupture difficile avec de Suasmarez et étant toujours en crise suite à l'accident de son père et à la fin brutale de sa formation artistique, se mit à peindre dans un style qui rompait nettement avec le passé, créant des œuvres géométriques au monochrome tranchant qui ont depuis fait d'elle une figure de l'art moderne.

À cette époque, Bridget Riley réalisait de nombreuses imitations des peintures impressionnistes de l'artiste français Seurat ; elle fit un voyage à Paris et passa du temps à recréer The Bridge at Courbevoie (1886–87) de Georges Seurat, œuvres qui figuraient toutes deux (l'original de Seurat et la version de Riley) au centre de l'exposition de la Courtauld Gallery de 2015-16, intitulée Bridget Riley: Learning from Seurat.

C'est peut-être en raison de cette fascination persistante pour l'impressionnisme français que Riley et son partenaire se sont rendus sur le Plateau du Vaucluse, dans le Sud-Est de la France, en 1961, et y ont acheté une ferme délabrée qui allait devenir l'atelier de Bridget Riley. Même après avoir délaissé la peinture figurative pour la vaste étendue de sa carrière, Bridget Riley a toujours gardé un point commun avec Georges Seurat (né en 1859) : les deux artistes avaient un amour pour l'eau, se concentrant particulièrement sur son reflet prismatique de la lumière dans un climat ensoleillé. Où mieux pour Riley poursuivre cet amour visuel qu'en France, sur la Côte d'Azur ?

Le moment décisif majeur de Riley est généralement attribué à sa peinture intitulée Movement in Squares en 1961. De retour à Londres et en proie à un blocage, la création de Movement in Squares a vu l'artiste réduite à ses ressources les plus essentielles, suite à une crise artistique et personnelle, tout en réalisant malgré tout des œuvres saisissantes. Utilisant uniquement la géométrie la plus basique, des carrés, et le noir et blanc pour un effet désorientant, l'œuvre présente un damier monochrome semblant disparaître dans un pli vertical.

Fort de ce succès, la confiance de Riley dans sa nouvelle approche pionnière – impliquant des calculs, des mesures et une planification approfondis des œuvres avant de les exécuter à la peinture – s'est accrue, tout comme sa notoriété. Movement in Squares a été acquise par l'Arts Council Collection un an seulement après sa création, et cette même année, elle est devenue un élément central de son œuvre d'estampes, également, avec la création de la sérigraphie originale intitulée Untitled (Based On Movement In Squares). Aujourd'hui, elle demeure l'œuvre emblématique de Bridget Riley et jouit donc d'une popularité sans cesse renouvelée auprès des collectionneurs d'art.

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Suite au succès de ses œuvres Movement, en 1965, Bridget Riley exposait aux côtés d'autres noms clés tels que Victor Vasarely et Josef Albers, lors de l'exposition « The Responsive Eye », organisée par William C. Seitz au Museum of Modern Art de New York. Ce fut une année de succès éclatant et de frustration pour Bridget Riley et le mouvement Op Art dans son ensemble : si l'exposition du Museum of Modern Art rencontra un succès retentissant auprès du public, ce succès entraîna une réplication quasi instantanée des œuvres modernes de Bridget Riley dans le monde de la mode, sans l'autorisation de l'artiste. Bridget Riley tenta d'engager des poursuites contre certaines marques et certains designers, mais sans succès.

New York avait consolidé sa place de célébrité artistique reconnue par tous, mais cela l'avait également laissée désenchantée. Bien qu'il soit impossible pour quiconque autre que l'artiste de le savoir, cette déception précoce est peut-être la raison pour laquelle Bridget Riley mène une vie publique discrète, accordant rarement des interviews et ne cherchant jamais à exploiter l'attrait avant-gardiste de son Op Art.

Après avoir représenté la Grande-Bretagne à Venise en 1968, où elle est devenue la première femme à recevoir le Prix international de peinture, Bridget Riley a continué de voyager tout au long des années 1970 pour puiser l'inspiration dans de nombreux lieux différents. La destination la plus essentielle, cependant, fut l'Égypte.

Bridget Riley s'est rendue en Égypte en 1980-1981 et y a établi sa célèbre « Palette Égyptienne » (*Egyptian Palette*). Il s'agissait d'une sélection de cinq couleurs (initialement trois) inspirées des teintes du paysage local et de l'art égyptien ancien qu'elle y a découvert, notamment les couleurs des hiéroglyphes dans les tombeaux. Elle s'est limitée à reproduire ces couleurs de mémoire, ce qui suggère à quel point elles entretenaient une relation synesthésique avec le lieu pour Riley. En effet, ses œuvres du Cycle Égyptien, dont les séries de peintures Ka et Ra, témoignent éloquemment de la chaleur, de la lumière et des ombres intenses de l'Égypte.

Elle était fascinée par l'omniprésence des couleurs dans toute la vie de l'Égypte ancienne – des contextes quotidiens aux cryptes des Pharaons – et la vivacité de ses œuvres reflète le culte de la vie et de la fertilité de la culture égyptienne. Sans doute l'une des peintures de Bridget Riley de cette période la plus célèbre est Achæan, peut-être en raison du fait que l'œuvre est possédée et exposée par la Tate Gallery de Grande-Bretagne (Britain's Tate Gallery).

Bridget Riley a créé de nombreuses estampes de cette période, dont beaucoup peuvent être trouvées dans la collection Stripes de MyArtBroker, y compris Achæan, Ra (Inverted) et Ra 2.

Aujourd'hui, Bridget Riley travaille depuis ses trois ateliers situés en Cornouailles, à Londres et en France, un équilibre de lieux qui lui fournit vraisemblablement une luminosité naturelle abondante tout au long de l'année. Compte tenu de l'importance de la couleur dans ses œuvres, il n'est pas surprenant qu'elle ne travaille qu'à la lumière du jour naturelle, ni qu'elle conserve une résidence à l'étranger pour pouvoir s'échapper sous des cieux plus ensoleillés.

Selon Lindsay Millington de Kettle’s Yard (Kettle’s Yard's Lindsay Millington), la maison londonienne de Bridget Riley est un reflet éclatant de la pratique actuelle de l'artiste : « son engagement sans compromis envers la modernité devient évident lorsque j'entre dans la spacieuse pièce du rez-de-chaussée. Des peintures vibrantes, animées de rayures colorées, pulsent sur les murs blancs. » Outre des rétrospectives d'envergure, qui témoignent du statut de Bridget Riley en tant que figure de proue de l'art contemporain britannique, Riley continue de produire des œuvres.

À 92 ans, Riley a dévoilé sa première installation de plafond à l'École britannique de Rome, une pièce originale inspirée de la Chapelle Sixtine de Michel-Ange. Cette œuvre combine avec maestria ses rayures optiques emblématiques en bleu, rouge, blanc, orange et lilas, reflétant un mélange harmonieux entre l'art classique et l'art moderne. L'esprit novateur de Riley transparaît, redéfinissant la narration visuelle en entremêlant l'art traditionnel à une touche contemporaine.

De nos jours, cette œuvre prend souvent la forme de vastes fresques murales, comme celle qu'elle possède chez elle, qui reprennent des motifs de son œuvre (notamment Nineteen Greys et Stripes) à une nouvelle échelle. En 2019, par exemple, The National Gallery de Londres a inauguré une œuvre monumentale de 10 x 20 mètres, réalisée directement sur le mur blanc par Bridget Riley, intitulée Messengers. Inspirée par la tournure d'une phrase d'un autre grand nom britannique, John Constable, décrivant les nuages, Messengers cristallise l'identité britannique de Bridget Riley : bien qu'elle ait peint dans de nombreux endroits différents au cours de sa vie, c'était toujours sous le même ciel hypnotisant. Elle a donné sans cesse à la culture britannique et à l'art contemporain, et elle reconnaît avec gratitude la riche tradition pastorale et les paysages britanniques qui l'ont inspirée au départ.

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