Le parcours artistique de Bridget Riley : de la Cornouailles à l'Égypte

Bridget Riley (née en 1931) est née à Norwood, dans le borough londonien de Croydon. Alors qu'elle n'avait que huit ans, la Seconde Guerre mondiale éclate ; les femmes de la famille — Bridget Riley, sa mère, sa sœur et sa tante — s'installent alors dans une demeure familiale près de Padstow, ville côtière des Cornouailles. Les cinq années que Bridget Riley passe dans les Cornouailles s'avèrent déterminantes pour la future peintre : la guerre forge sa conscience du genre, oriente ses études et affine sa perception de la nature. En raison de l'isolement relatif de cette maison cornouaillaise, aggravé par le rationnement de l'essence qui limite les déplacements, Riley n'a guère d'autre choix que de s'imprégner de la beauté du paysage côtier, loin des distractions extérieures telles que l'école.

La beauté des Cornouailles laisse une empreinte durable sur Bridget Riley, influençant les bleus solaires, les verts et les roses de fleurs sauvages qui composent sa palette artistique. Cet impact est particulièrement manifeste dans sa série « Lozenges », dont le cœur repose sur un motif formel constitué de formes organiques nées de l'intersection de bandes diagonales et de lignes verticales ondulées. Ce motif évoque le rythme et la variation incessante des vagues ; Bridget Riley se souvient avoir été fascinée dès son plus jeune âge par le fait que les vagues « ne sont jamais deux fois identiques ; chaque fois, elles sont différentes : chaque vague, chaque ride à la surface de l'eau, chaque déferlement sur un rivage ou un rocher sont uniques, ne se sont jamais produits auparavant et ne se reproduiront jamais plus ». Passing By et Going Across sont deux œuvres qui soulignent tout particulièrement cette fugacité à travers leurs titres, tout en partageant des palettes clairement inspirées par la nature.

Devenue adulte au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Bridget Riley a également bénéficié de l'émancipation des femmes vis-à-vis des rôles domestiques, consécutive à leur contribution à l'effort de guerre. Dans un entretien accordé au Financial Times en 2018, Bridget Riley déclarait :

« J'ai eu une chance inouïe de grandir durant la Seconde Guerre mondiale, de ce point de vue-là. Les différences de genre n'existaient absolument pas, et la camaraderie était très intense... Après la guerre, nous voulions toutes donner un sens à la paix. Cela vous forge. En 1949, je suis partie étudier au Goldsmiths College vêtue d'un pantalon en velours côtelé et d'une chemise d'homme. Cette histoire de genre ne m'a même pas effleuré l'esprit ! »

La mère et la tante de Bridget Riley avaient toutes deux étudié au Goldsmiths College avant elle, contribuant ainsi à consolider sa vocation d'artiste.

Au cours de l'été 1960, Bridget Riley et son compagnon de l'époque, Gerald de Sausmarez, entreprennent un voyage en Italie, durant lequel ils visitent des sites touristiques, réalisent des œuvres et fréquentent les galeries. C'est à cette période que le style unique de Bridget Riley commence à s'affirmer, scindant son œuvre en deux axes stylistiques : la peinture figurative, encore fortement imprégnée d'impressionnisme, « Pink Landscape », et les premières de ses désormais iconiques peintures en noir et blanc.

Toujours nourrie par l'inspiration des pointillistes tels que Georges Seurat, « Pink Landscape » (1960) est une œuvre foisonnante, composée d'une riche gamme de points créant une synthèse chromatique. Cette peinture, d'une facture parfaitement académique, témoigne de la maîtrise prometteuse de la couleur chez Bridget Riley, laquelle constituera plus tard le fondement de ses peintures « Stripe ».

Pourtant, face à la modernité austère des premières toiles en noir et blanc qu'elle entamera plus tard la même année, cette peinture paraît presque désuète. Affectée par une séparation douloureuse d'avec Gerald de Sausmarez, et toujours en crise suite à l'accident de son père et à la fin abrupte de son éducation artistique, Bridget Riley adopte alors un style rompant radicalement avec le passé, créant des œuvres monochromes et géométriques incisives qui l'ont, depuis, imposée comme une figure incontournable de l'art moderne.

À cette époque, Bridget Riley réalisait de nombreuses imitations des peintures impressionnistes de l'artiste français Seurat ; elle s'est rendue à Paris et a consacré du temps à reproduire « The Bridge at Courbevoie » (1886-1887) de Georges Seurat, deux œuvres (l'original de Seurat et la version de Riley) qui ont occupé une place centrale dans l'exposition de la Courtauld Gallery en 2015-2016, Bridget Riley: Learning from Seurat.

C'est peut-être en raison de cette fascination toujours vive pour l'impressionnisme français que Bridget Riley et son compagnon se sont rendus sur le plateau de Vaucluse, dans le sud-est de la France, en 1961, pour y acquérir une ferme délabrée qui serait, à terme, transformée en atelier pour Bridget Riley. Bien qu'elle se soit éloignée de la peinture figurative pendant la majeure partie de sa carrière, Bridget Riley a toujours conservé un point commun avec Georges Seurat (né en 1859) : les deux artistes partageaient un amour pour l'eau, et se concentraient tout particulièrement sur ses reflets prismatiques sous un climat ensoleillé. Quel meilleur endroit pour Bridget Riley que la Côte d'Azur pour explorer cette passion visuelle ?

Le moment charnière de la carrière de Bridget Riley est généralement associé à la réalisation de son œuvre « Movement in Squares » en 1961. De retour à Londres et en proie au doute, Bridget Riley a vu la création de Movement in Squares la ramener à l'essentiel, sous l'effet d'une crise à la fois artistique et personnelle ; elle a pourtant su produire une œuvre saisissante. En n'utilisant que la géométrie la plus fondamentale, des carrés, ainsi que le noir et blanc pour créer un effet déroutant, la composition montre un damier monochrome semblant se perdre dans un pli vertical.

Fort de ce succès, la confiance de Bridget Riley dans sa nouvelle approche pionnière — reposant sur une planification, une mesure et un calcul rigoureux avant toute exécution picturale — s'est accrue, tout comme sa notoriété. Movement in Squares fut acquise par l' Arts Council Collection à peine un an après sa création ; la même année, l'œuvre est devenue un élément incontournable de son corpus d'estampes grâce à la réalisation de la sérigraphie originale intitulée « Untitled (Based On Movement In Squares) ». Aujourd'hui encore, elle demeure l'œuvre emblématique de Bridget Riley, rencontrant un succès indéfectible auprès des collectionneurs.

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Dans le prolongement du succès de ses œuvres intitulées « Movement », Bridget Riley a participé en 1965, aux côtés d'autres figures majeures telles que Victor Vasarely et Josef Albers, à l'exposition « The Responsive Eye », organisée par William C. Seitz au Museum of Modern Art de New York. Ce fut une année aussi spectaculaire que frustrante pour Bridget Riley et l'ensemble du mouvement Op Art : si l'exposition du Museum of Modern Art remporta un immense succès auprès du public, cette réussite entraîna la reproduction quasi instantanée des œuvres d'art moderne de Riley dans l'univers de la mode, sans le consentement de l'artiste. Bridget Riley tenta d'engager des poursuites contre certaines marques et créateurs, sans succès.

New York avait fait d'elle un nom célèbre et une personnalité artistique incontournable, mais cette expérience l'avait également laissée désabusée. Bien qu'il soit impossible pour quiconque, hormis l'artiste elle-même, d'en connaître les raisons profondes, c'est peut-être cette déception précoce qui a conduit Riley à mener une vie publique en retrait, accordant rarement des entretiens et ne cherchant jamais à tirer profit de l'attrait esthétique de son Op Art dans le monde de la mode.

Après avoir représenté la Grande-Bretagne à Venise en 1968, où elle devint la première femme à se voir décerner le Prix international de peinture, Bridget Riley a poursuivi ses voyages tout au long des années 1970, puisant son inspiration dans de nombreux lieux. Sa destination la plus fondamentale fut toutefois l'Égypte.

Bridget Riley s'est rendue en Égypte en 1980-1981, période durant laquelle elle a établi sa célèbre « palette égyptienne ». Il s'agissait d'une sélection de cinq couleurs (initialement trois), inspirée par les teintes de l'environnement local et de l'art égyptien antique qu'elle y a observé, notamment celles des hiéroglyphes ornant les tombeaux. Elle s'est imposé de reproduire ces couleurs de mémoire, ce qui témoigne de la relation synesthésique qu'elles entretenaient pour l'artiste avec le lieu lui-même. En effet, ses œuvres issues du cycle égyptien, dont les séries de peintures « Ka » et « Ra », évoquent d'elles-mêmes la chaleur, la lumière et les ombres marquées de l'Égypte.

Elle était fascinée par l'omniprésence des couleurs dans la vie de l'Égypte antique — des décors du quotidien aux cryptes des pharaons — et la vivacité de ses œuvres reflète le culte de la vie et de la fertilité propre à la culture égyptienne. La plus célèbre des peintures de Bridget Riley de cette période est sans doute « Achæan », peut-être parce que l'œuvre appartient à la Tate Gallery de Grande-Bretagne, où elle est exposée.

Bridget Riley a réalisé de nombreuses estampes durant cette période, dont un grand nombre figure dans la collection « Stripes » de MyArtBroker, notamment Achæan, Ra (Inverted) et Ra 2.

Aujourd'hui, Bridget Riley travaille depuis ses trois ateliers situés en Cornouailles, à Londres et en France, un équilibre entre ces lieux qui lui assure probablement une luminosité généreuse tout au long de l'année. Compte tenu de l'importance de la couleur dans son œuvre, il n'est pas surprenant qu'elle ne travaille qu'à la lumière naturelle, ni qu'elle conserve une résidence à l'étranger, où elle peut s'échapper sous des cieux plus ensoleillés.

Selon Lindsay Millington, du Kettle’s Yard, la maison londonienne de Bridget Riley est un reflet brillant de la pratique actuelle de l'artiste : « son engagement sans compromis envers la modernité devient évident lorsque j'entre dans la spacieuse pièce du rez-de-chaussée. Des peintures vibrantes, animées par des rayures colorées, pulsent sur les murs blancs. » Outre les rétrospectives d'envergure qui témoignent du statut de Bridget Riley en tant qu'artiste contemporaine britannique majeure, celle-ci continue de créer de nouvelles œuvres.

À 92 ans, Bridget Riley a inauguré sa première installation de plafond à la British School at Rome, une pièce originale inspirée par la chapelle Sixtine de Michel-Ange. Cette œuvre combine avec brio ses rayures optiques emblématiques en bleu, rouge, blanc, orange et lilas, reflétant un mélange harmonieux d'art classique et moderne. L'esprit novateur de Bridget Riley transparaît ici, redéfinissant la narration visuelle en entremêlant tradition artistique et élégance contemporaine.

De nos jours, ces œuvres prennent souvent la forme de vastes décorations murales, semblables à celle qu'elle possède chez elle, qui déclinent à une nouvelle échelle les motifs emblématiques de son œuvre (notamment « Nineteen Greys » et « Stripes »). En 2019, par exemple, la National Gallery de Londres a dévoilé une immense fresque de 10 mètres sur 20, réalisée directement sur le mur blanc par Bridget Riley et intitulée « Messengers ». Inspirée par une tournure de phrase d'un autre grand artiste britannique, John Constable, pour évoquer les nuages, « Messengers » incarne parfaitement l'essence britannique de Bridget Riley : bien qu'elle ait peint dans de nombreux endroits tout au long de sa vie, elle l'a toujours fait sous ce même ciel fascinant. Elle a apporté une contribution inestimable à la culture britannique et à l'art contemporain, et reconnaît avec gratitude la richesse de la tradition pastorale et des paysages britanniques qui l'ont initialement inspirée.

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