Fascinant le public depuis plus de 60 ans, les créations de Bridget Riley, née à Londres, étaient largement monochromes dans les années 1960 ; dans les années 1980, l'artiste a adopté une approche chromatique inspirée à la fois par un voyage marquant en Égypte et par son amour de longue date pour l'art postimpressionniste.
Dans cet article, nous examinons de plus près la carrière de Bridget Riley ainsi que ses 5 œuvres les plus célèbres.
« Pink Landscape » (1960)
Née dans le sud de Londres en 1931, Bridget Riley travaille dès 1958 comme illustratrice commerciale au sein d'une agence de publicité.
La même année, la future artiste assiste à une exposition intitulée The Developing Process, fondée sur les théories artistiques de Harry Thubron, écrivain et professeur d'art influent.
Présentant les évolutions récentes de la peinture européenne et américaine, l'exposition a un impact si considérable sur Riley qu'elle démissionne de son poste.
Suivant plus tard l'école d'été de Thubron, elle y rencontre l'artiste Maurice de Sausmarez, qui l'encourage à étudier l'œuvre du peintre postimpressionniste français Georges Seurat.
Connu pour ses œuvres iconiques « Une Baignade, Asnières » (1884) et « Un dimanche après-midi à l’île de la Grande Jatte » (1884-1886), Seurat est associé au mouvement pointilliste. Défini par son intérêt pour la théorie de la couleur et la perception plutôt que par la ressemblance figurative, le pointillisme voit les artistes utiliser des « points » de couleur pure pour traduire leur perception de l'environnement.
L'une des premières œuvres les plus célèbres de Riley, « Pink Landscape » (1960), s'inspire du tableau emblématique de Seurat, « Le pont de Courbevoie » (1886).
S'appuyant sur une reproduction de l'œuvre iconique de Seurat, Pink Landscape montre Riley peindre une impression des collines surplombant la ville italienne de Sienne. Dans cette image, elle emploie une palette chromatique distincte de celle de Seurat, avec un effet saisissant.
Ce tableau marque une étape fondamentale dans le développement artistique de Riley : sitôt achevé, elle délaisse la couleur pour ne la retrouver qu'au cours des années 1980. Introduisant la phase suivante de sa carrière, cette œuvre renvoie aux fondements historiques de l'approche singulière et séminale de Riley vis-à-vis du non-représentationnel et de l'abstraction.
En 2016, une rétrospective des œuvres de Riley témoignant de l'influence profonde de l'artiste français sur sa carrière – intitulée Learning From Seurat – a ouvert ses portes au Courtauld Institute de Londres.
« Movement In Squares » (1961)
L'exemple le plus emblématique de l'œuvre de Riley est peut-être « Movement In Squares » (1961). Véritable emblème de ce qui fut plus tard qualifié d'« Op Art », cette pièce constitue un nouveau tournant stylistique et conceptuel dans la carrière de l'artiste.
Suite à un voyage à la Biennale de Venise en 1960, Riley a délaissé le style pointilliste et plus conventionnellement figuratif visible dans Pink Landscape, privilégiant les formes rigides et géométriques des futuristes italiens.
Retraçant le dialogue entre le noir, le blanc et la couleur, cette œuvre illusionniste témoigne de l'influence des futuristes.
Produisant une variété de nuances polychromatiques en dépit de sa composition par ailleurs monochrome, « Movement In Squares » se compose de formes audacieuses aux contours nets. Pourtant, comme son titre l'indique, l'œuvre demeure dynamique ; deux « fronts » de formes géométriques se rencontrent pour créer une ligne de fuite qui semble aspirer ces formes cuboïdes en son sein.
« Blaze 1 » (1962)
« Blaze 1 » figure parmi les œuvres les plus célèbres de Riley.
Pièce emblématique peinte au début de sa carrière, elle fut la première à obtenir une reconnaissance internationale et se compose d'un agencement concentrique de cercles, chacun rempli de « zigzags » noirs et blancs.
Face à cette image vertigineuse, on serait tenté de penser que la peinture de Riley possède une dimension mathématique, voire scientifique.
Loin d'adopter une approche théorique de la composition ou de la couleur, le travail de Riley à cette période doit également beaucoup à son intérêt de longue date pour l'art post-impressionniste français et pour De Stijl, un mouvement abstrait néerlandais cofondé par Piet Mondrian et Theo van Doesburg.
Comme en témoigne cette œuvre, Riley a appliqué les principes du pointillisme de Seurat aux formes tranchées des « swinging 60s ». En décomposant les zones d'ombre et de lumière en blocs, à la manière de Seurat, Riley a affirmé aux spectateurs que son travail était instinctif et non théorique.
Dès 1964, et en partie grâce à cette image, le terme « Op Art » – abréviation de « optical art » – a été inventé par le sculpteur américain Donald Judd.
En retirant le « p » de Pop Art, ce terme suggérait la volonté du mouvement de rivaliser avec son cousin américain et des figures telles qu'Andy Warhol, un artiste plébiscité par les étudiants en art britanniques de l'époque, comme David Hockney.
Plus tard dans la décennie, en 1967, Riley a été incluse dans l'exposition phare consacrée à l'Op Art, « The Responsive Eye », organisée au MoMA de New York. L'Op Art avait conquis l'Amérique.
« Cupid's Quiver » (1985)
À l'instar de « Achæan » (1981), « Cupid’s Quiver » (1985) est une œuvre de format vertical inspirée par un voyage en Égypte effectué par Riley en 1979, étape décisive de sa carrière.
Lors de ce séjour, Riley visite Le Caire et la vallée du Nil. Elle y étudie les tombeaux des pharaons dans la vallée des Rois, un site archéologique situé en face de Thèbes, où au moins 63 sépultures et chambres ont autrefois servi de lieux de repos à la royauté et à la noblesse du « Nouvel Empire » égyptien.
Frappée par la vitalité de ces espaces pourtant funèbres, Riley remarque qu'une palette chromatique unique a été utilisée dans toute la société égyptienne, imprégnant la quasi-totalité des aspects de la vie sociale et culturelle. Ici, elle reproduit cette même palette, la faisant converger de manière spectaculaire avec ses formes aux contours nets caractéristiques.
Résultat d'un revirement soudain, délaissant le noir et blanc pour revenir à la couleur — médium que Riley n'avait plus utilisé depuis 1961 —, cette pièce figure non seulement parmi les plus célèbres de l'artiste, mais également parmi les plus onéreuses.
En mars 2021, « Cupid’s Quiver » est passée sous le marteau chez Christie’s à Londres. Elle a été adjugée 2 242 500 livres sterling, devenant ainsi la huitième œuvre de Riley la plus chère jamais vendue.
Gaillard (1989)
Assemblage de rhomboïdes colorés – ou « zigs », comme les nomme l’artiste –, « Gaillard » (1989) est caractéristique de la production tardive de Bridget Riley.
Associant son goût pour la couleur et l’« optique », l’œuvre témoigne de l’innovation constante de Bridget Riley, ainsi que de l’influence durable qu’exercent sur elle le post-impressionnisme et ses multiples « façons de voir ».
« Gaillard » perturbe les habitudes visuelles de son public, remettant en question notre capacité à « lire » les images aussi simplement que nous le ferions pour le langage.
Bridget Riley explique : « Les couleurs de telles œuvres […] sont organisées sur la toile de manière à ce que l’œil puisse parcourir la surface, à l’instar de son mouvement devant la nature. Il doit se sentir caressé et apaisé, éprouver des frictions et des ruptures, glisser et dériver […]. À un instant, il n’y aura rien à regarder et, à la seconde suivante, la toile semble soudain se remplir, s’encombrer d’événements visuels. »
Nombreux sont ceux qui ont suggéré que cette image aurait pu inspirer Damien Hirst — qui a commencé à exposer ses œuvres tout juste un an auparavant, en 1988 — pour la création de ses célèbres peintures « Spot ».
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