Les 5 œuvres les plus célèbres de Bridget Riley

Née dans le sud de Londres en 1931, Bridget Riley travaillait en 1958 comme illustratrice commerciale dans une agence de publicité.

La même année, l'artiste en devenir assiste à une exposition intitulée The Developing Process, inspirée des théories artistiques de l'influent professeur d'art et écrivain Harry Thubron.

Présentant les développements récents de la peinture européenne et américaine, cette exposition eut un impact si énorme sur Riley qu'elle quitta son emploi.

Suivant plus tard l'école d'été de Thubron, elle rencontra l'artiste Maurice de Sausmarez, qui l'encouragea à étudier l'art du maître post-impressionniste français Georges Seurat.

Connu pour ses œuvres emblématiques Une Baignade, Asnières (1884) et Un dimanche après-midi à l’île de la Grande Jatte (1884-1886), Seurat est associé au mouvement du pointillisme. Défini par son accent mis sur la théorie des couleurs et la perception, plutôt que sur la ressemblance, le pointillisme voyait les artistes utiliser des « points » de couleur unie pour traduire une sensation de leur environnement.

L'une des toutes premières et plus célèbres œuvres de Riley, Pink Landscape (1960), est basée sur l'œuvre iconique de Seurat, Le Pont de Courbevoie (1886).

Peut-être l'exemple le plus emblématique de l'œuvre de Riley est-il Movement In Squares (1961). Emblème de ce que l'on appellera plus tard l'« Op Art », cette œuvre constitue un nouveau tournant stylistique et conceptuel dans la carrière de l'artiste.

Suite à sa visite à la Biennale de Venise en 1960, Riley abandonne le style pointilliste, plus conventionnellement figuratif, que l'on voit dans Pink Landscape, au profit des formes géométriques rigides des futuristes italiens.

Retraçant le dialogue entre le noir, le blanc et la couleur, cette œuvre illusionniste témoigne de l'influence des futuristes.

Produisant une variété de teintes polychromatiques malgré sa composition par ailleurs monochromatique, Movement In Squares se compose de formes audacieuses aux contours nets. Pourtant — comme son titre l'indique — l'œuvre reste dynamique : deux « fronts » de formes géométriques se rencontrent pour créer une ligne de fuite qui semble aspirer ces formes cubiques dans son sillage.

Blaze 1 est une autre des œuvres les plus célèbres de Riley.

Pièce emblématique réalisée au tout début de sa carrière, elle fut la première à obtenir une reconnaissance internationale. Elle se compose d’un agencement concentrique de cercles, chacun rempli de « zigzags » noirs et blancs.

Confronté à cette image vertigineuse, on pourrait facilement croire que la peinture de Riley repose sur des bases mathématiques, voire scientifiques.

Rejetant toute approche théorique de la composition ou de la couleur, l’œuvre de Riley de cette période est également redevable de son intérêt de longue date pour l’art post-impressionniste français et pour De Stijl – un mouvement abstrait néerlandais co-fondé par Piet Mondrian et Theo van Doesburg.

Comme le montre cette œuvre, Riley a appliqué les principes du Pointillisme de Seurat aux formes aux contours nets des « swinging 60s ». En décomposant les zones de lumière et d’ombre en blocs, un peu à la manière de Seurat, Riley assurait aux spectateurs que son travail était instinctif, et non théorique.

En 1964, en partie grâce à cette image, le terme « Op Art » – abréviation d’« art optique » – fut inventé par le sculpteur américain Donald Judd.

En retirant le « p » de Pop Art, ce terme suggérait le désir du mouvement d’égaler son cousin américain, et des figures comme Andy Warhol – une personnalité très appréciée des étudiants en art britanniques de l’époque, tels que David Hockney.

Plus tard au cours de cette décennie, en 1967, Riley fut incluse dans l’exposition phare Op Art, The Responsive Eye, qui se tint au MoMA de New York. L’Op Art avait conquis l’Amérique.

À l’instar de Achæan (1981), Cupid’s Quiver (1985) est une œuvre à orientation verticale inspirée d’un voyage déterminant en Égypte qu’effectua Riley en 1979.

Durant cette visite, Riley se rendit au Caire et dans la vallée du Nil. Elle y étudia les tombeaux des pharaons égyptiens dans la Vallée des Rois — un site archéologique situé juste en face de Thèbes, où au moins 63 tombeaux et chambres servaient autrefois de sépultures à la royauté et à la noblesse du « New Kingdom » égyptien.

Frappée par le caractère vivant de ces espaces par ailleurs morbides, Riley remarqua qu’une palette de couleurs unique avait été utilisée dans toute la société égyptienne, dans presque tous les aspects de la vie sociale et culturelle. Ici, elle reproduit cette même palette chromatique, la faisant converger de manière saisissante avec ses formes aux contours nets, sa marque de fabrique.

Fruit d’une transition soudaine du noir et blanc et d’un retour à la couleur — avec laquelle Riley n’avait pas travaillé depuis 1961 — cette pièce est non seulement l’une des œuvres les plus célèbres de Riley, mais aussi l’une des plus coûteuses.

En mars 2021, Cupid’s Quiver fut mise aux enchères chez Christie’s à Londres. Elle atteignit 2 242 500 £, devenant ainsi la huitième œuvre de Riley la plus chère de tous les temps.

Un assortiment de losanges colorés – ou « zigs », comme les appelle l'artiste – dans Gaillard (1989) est caractéristique de l'œuvre tardive de Bridget Riley.

Alliant son amour pour la couleur et l'« optique », cette œuvre témoigne de l'innovation constante de Riley, ainsi que de son influence durable du post-impressionnisme et de ses nombreuses « façons de voir ».

Gaillard perturbe les habitudes de visionnage de son public, interrogeant notre capacité à « lire » les images simplement, comme nous le ferions avec le langage.

Riley explique : « Les couleurs de telles œuvres […] sont organisées sur la toile de manière à ce que l'œil puisse parcourir la surface d'une manière parallèle à la façon dont il se meut dans la nature. Il devrait se sentir caressé et apaisé, éprouver des frictions et des ruptures, glisser et dériver […]. À un moment donné, il n'y aura rien à regarder et la seconde d'après, la toile semble soudain se remplir, être encombrée d'événements visuels. »

Beaucoup ont émis l'hypothèse que cette image aurait pu inspirer Damien Hirst — qui a commencé à exposer ses œuvres un an plus tôt, en 1988 — à créer ses célèbres peintures Spot.

Parcourez nos estampes de Bridget Riley à vendre ou obtenez une estimation ici.