Expositions de Bridget Riley : Optique et Ondulations

Reconnues internationalement et percutantes immédiatement, ses œuvres vont au-delà de la toile qui les contient : elles nous forcent à remettre en question l'acte même de regarder, à nous demander si nous pouvons vraiment faire confiance à nos propres yeux, et quel sens plus profond se cache derrière des marques apparemment simplistes sur une page. Selon les termes du conservateur de la Hayward, le Dr Cliff Lauson, « La perception elle-même est le médium qu'elle utilise. »

Ici, nous examinons quelques-unes des œuvres les plus célèbres de Bridget Riley à travers les expositions qui ont marqué sa carrière.

L'exposition qui a propulsé Bridget Riley vers une célébrité fulgurante, The Responsive Eye, s'est tenue au MoMA de New York en 1964. Elle y était présentée aux côtés du « grand-père » déjà célèbre de l'Op Art, Victor Vasarely, et son œuvre emblématique Currents (1964) a servi de couverture au catalogue de l'exposition.

Véritable triomphe auprès du public, les billets pour son exposition personnelle la même année à la galerie Richard Feigen se sont vendus le jour même de leur mise en vente. Ses œuvres ont été décrites comme provoquant tout, de « l'envie » à la sensation de « saut en parachute ». Les œuvres monochromes de Bridget Riley, comme sa série Fragment, sont devenues une sensation internationale presque du jour au lendemain, malgré une réception critique largement négative à l'époque – ses peintures étant alors réduites à de simples « trucages optiques ».

Après l'entrée fracassante et le succès de Riley au cours de la décennie précédente dans le monde de l'art, l'Op Art avait pénétré la conscience publique et s'intégrait immédiatement à l'esprit des « swingin’ 60s ». Il n'est donc pas surprenant qu'après l'exposition Responsive Eye et la Biennale, les œuvres de Riley aient été plébiscitées par les créateurs de mode et les industries commerciales du monde entier, bien que cela fût au grand dam de l'artiste. Elle estimait que l'exploitation de ses estampes et de ses créations, surtout à une époque où il n'y avait pas de droit d'auteur pour l'artiste, dévalorisait sa pratique. Ce malaise, conjugué à la montée en popularité du mouvement Néo-expressionniste, moins rigoureux visuellement, dans les années 1980, a fait que l'œuvre de Riley est passée sous les feux de la rampe.

Cela dura jusqu'à l'exposition marquante de la Serpentine, « Bridget Riley Reconnaissance », en 1999 : une rétrospective de ses œuvres clés des années 1960 et 1970 qui a ravivé la flamme de l'Op Art. Présentant 33 œuvres de Bridget Riley issues de sa première carrière, ainsi que de nouvelles réalisées spécifiquement pour l'exposition, comme l'estampe Serpentine Screenprint, leur impact sur le développement de la peinture britannique est apparu de manière flagrante dans le contexte de l'essor des YBA à cette époque — pensez à Damien Hirst — et sa pratique a été propulsée à nouveau vers la popularité, cette fois-ci durablement.

Exposition plus modeste, mais non moins significative, des œuvres de Riley, cette présentation de 2016 à la Courtauld a permis d'examiner sa pratique sous un angle différent. Le célèbre artiste pointilliste Georges Seurat a toujours été une source d'inspiration pour Riley, dont la pratique mature s'inspire des leçons sur la couleur transmises par le pointillisme. Cette exposition présentait des toiles de Riley aux côtés d'œuvres de Seurat afin d'illustrer leurs éléments comparatifs, vertigineux tant en termes d'accueil public que, littéralement, en contemplant ces peintures.

L'une des expositions les plus célébrées des œuvres de Bridget Riley, celle de la Hayward Gallery, réalisée en collaboration avec l'artiste elle-même et les National Galleries of Scotland, a offert la plus grande rétrospective de Riley jamais vue à ce jour. Présentant un panorama complet de ses créations les plus célèbres et de leurs origines, incluant des esquisses inédites et sa seule œuvre en trois dimensions, la monumentale Continuum, cette exposition fut un immense succès. Le sentiment d'intemporalité, de l'éternel, si inhérent à la pratique de Riley, se prête manifestement bien aux spectateurs quel que soit le contexte – garantissant que ses œuvres conservent leur pouvoir d'attraction même lorsqu'elles ne sont plus nécessairement « nouvelles ».

Pour célébrer le 90e anniversaire de Riley, une exposition rétrospective retraçant six décennies de sa production était tout à fait appropriée. Voir ses œuvres dans ce contexte a permis au public d'apprécier la célébration continue et le développement du potentiel optique dans la carrière de Riley. L'artiste a exploré la forme, la couleur et le mouvement d'une manière absolument singulière. Son travail est caractérisé par un amour pour la vision et pour la façon dont notre propre perception peut nous surprendre.