Les 10 œuvres les plus célèbres de Jean-Michel Basquiat

Untitled est un témoignage monumental de la maîtrise inégalée de Basquiat dans le monde de l'art, marquant un moment pivot de sa carrière au début des années 1980. Cette œuvre synthétise l'essence de l'approche novatrice de Basquiat, mêlant une imagerie brute et viscérale à une superposition complexe de couleurs, de textes et de symboles qui captent l'attention du spectateur par leur intensité dynamique et leur charge électrique. Le tableau constitue une déclaration vibrante de l'arrivée de Basquiat sur la scène artistique. Aux côtés de son pendant au musée The Broad, cette œuvre représente un changement significatif dans l'expression artistique, mariant l'énergie brute et la spontanéité du street art à la formalité de l'œuvre sur toile. Alors que Basquiat passait du graffiti sous le pseudonyme SAMO à un travail sur toile plus structuré, Untitled illustre sa capacité à conserver l'immédiateté et l'impact de ses origines dans l'art de rue tout en explorant des compositions plus complexes. Peut-être son œuvre la plus célèbre, ce tableau s'est vendu plus de 110 millions de dollars aux enchères en 2017, établissant un record pour le prix le plus élevé jamais atteint aux enchères pour une œuvre d'un artiste américain, jusqu'à ce que Shot Sage Blue Marilyns d'Andy Warhol se vende 195 millions de dollars en mai 2022. La mention The Arrival fait référence à ce moment.

Boy And Dog In A Johnnypump est une peinture vive et pleine d’énergie qui encapsule l'émotion brute et le commentaire sociopolitique qui définissent le corpus d'œuvres de Jean-Michel Basquiat. Créée au cours de l'année clé de 1982, cette pièce est emblématique du style unique de Basquiat, qui mélange des éléments de graffiti, du Néo-expressionnisme et du Primitivisme dans une composition visuellement frappante et stimulante. Le tableau représente une figure que l'on peut interpréter comme un garçon, accompagné d'un chien, tous deux situés à côté d'une bouche d'incendie (johnnypump). L'utilisation de la bouche d'incendie comme point focal est significative – c'est un symbole profondément enraciné dans le paysage urbain de New York, où Basquiat vivait et travaillait. Elle évoque des images des journées d'été, de la communauté et de l'innocence de l'enfance, mais, sous le pinceau de Basquiat, elle laisse également entendre des thèmes de résistance, d'oppression et de survie au sein des réalités les plus dures de la ville. En 2020, elle a été achetée pour plus de 100 millions de dollars par le gestionnaire de fonds spéculatifs Kenneth Griffin.

L'une des œuvres les plus percutantes de Basquiat, Irony Of A Negro Policeman, offre une critique poignante du rôle des Afro-Américains au sein des systèmes d'autorité qui les ont historiquement opprimés. Le titre lui-même est un commentaire direct sur cette contradiction. Peinte au début de sa carrière, cette œuvre cristallise la maîtrise de Basquiat dans l'utilisation du langage visuel pour explorer des thèmes sociopolitiques complexes, notamment ceux liés à la race, à l'identité et au pouvoir. La peinture représente un policier noir, rendu dans le style caractéristique de Basquiat qui emprunte des éléments au graffiti, au Néo-expressionnisme et à l'art brut. Le personnage est dépeint avec un visage disproportionné, semblable à un masque, et un corps orné d'un uniforme. Cela suggère le conflit inhérent à l'identité noire et au service dans un rôle qui soutient les structures mêmes du racisme et de l'oppression contre sa propre communauté. L'emploi par Basquiat du mot « Negro », terme désuet pour désigner les Afro-Américains, souligne davantage le contexte historique de cette lutte et le racisme systémique ancré dans la société américaine.

Horn Players, dans la collection du Broad Museum, témoigne de la profonde admiration de Basquiat pour la musique jazz et son influence sur son expression artistique. Cette peinture est un hommage vibrant à deux légendes, le saxophoniste Charlie Parker et le trompettiste Dizzy Gillespie, figures pivotales dans le développement du be-bop. La fascination de Basquiat pour ces musiciens ne réside pas uniquement dans leur innovation musicale, mais également dans leur importance culturelle en tant qu'artistes noirs qui ont su se tailler une place pour la créativité et la résistance afro-américaines dans le paysage sociétal américain. L'œuvre est un grand diptyque, permettant à Basquiat de consacrer chaque panneau à l'un des musiciens, tout en entremêlant leurs héritages par son usage dynamique et symbolique de textes, d'images et de couleurs. Les figures de Parker et Gillespie sont exécutées dans le style caractéristique de Basquiat, qui mêle des éléments de graffiti, d'abstraction et de figuration. Leurs instruments et leurs corps semblent fusionner, suggérant la nature indissociable des artistes de leur art et l'impact profond de leur musique.

Dustheads résume l'énergie, le chaos et la complexité qui caractérisent une grande partie de l'œuvre de Basquiat. Cette grande toile est un tableau saisissant représentant deux figures, ou "dustheads", immergées dans un paysage dynamique et quelque peu désorientant qui semble osciller entre abstraction et figuration. Le terme "dust" était un argot pour désigner la PCP (poudre d'ange), un puissant hallucinogène, et la peinture est souvent interprétée comme une exploration de l'état de conscience exalté et déformé induit par de telles substances. Les figures sont rendues dans le style signature de Basquiat, avec une énergie brute qui traduit à la fois le mouvement et l'émotion. Leurs corps sont allongés et quelque peu désarticulés, avec des traits et des expressions exagérés qui suggèrent un état de frénésie ou d'euphorie. Ces figures dominent la toile, leur présence étant amplifiée par les couleurs tourbillonnantes et vibrantes et les lignes chaotiques qui les enveloppent. L'arrière-plan est une explosion de rouges, de bleus, de jaunes et de noirs, créant un sentiment de profondeur et de mouvement qui semble aspirer le spectateur dans le monde frénétique du tableau.

Charles The First illustre la capacité unique de Basquiat à entrelacer les récits personnels et historiques avec son iconographie distinctive et ses éléments textuels. Cette toile est un vibrant hommage au légendaire saxophoniste de jazz Charlie Parker, que Basquiat admirait profondément et désignait souvent sous le surnom de « Charles the First ». La fascination de Basquiat pour Parker trouvait également ses racines dans les aspects tragiques de sa vie, notamment ses luttes contre la dépendance et sa mort prématurée, que Basquiat considérait comme un reflet des expériences plus larges des Afro-Américains et des artistes – y compris, ultimement, les siennes. La toile est un amalgame complexe d'images, de textes et de couleurs, caractéristique du style de Basquiat. Elle représente une figure couronnée, incarnant Parker comme une forme de noblesse dans l'univers du jazz et de la culture noire. Aujourd'hui, cette œuvre est surtout connue pour avoir inspiré la chanson de Jay-Z, Most Kingz.

Head est un exemple frappant de son exploration de la psyché humaine, de l'identité et de l'expression, distillées dans le symbole puissant de la tête. Ce tableau, comme beaucoup d'œuvres de Basquiat, se caractérise par une qualité viscérale qui saisit la complexité de la condition humaine, ainsi que les introspections de l'artiste et ses luttes avec la célébrité, l'identité et la mortalité. Cette œuvre utilise son style emblématique de figures audacieuses et cernées, remplies d'un ensemble frénétique de symboles et de couleurs. La tête est représentée d'une manière presque totémique, avec des traits à la fois abstraits et profondément expressifs. Les yeux, souvent le point focal des têtes de Basquiat, sont rendus avec un regard perçant qui semble défier le spectateur, suggérant une fenêtre sur l'âme ou la psyché. Cet effet est intensifié par les couches chaotiques et superposées de peinture, de dessins et de symboles cryptiques qui entourent et remplissent la tête, indiquant la nature encombrée et multiple de la pensée et de l'émotion humaines. L'utilisation de la couleur est à la fois vibrante et discordante, Basquiat employant une palette qui contraste fortement.

Per Capita explore les thèmes de l'économie, de la race et des inégalités, offrant un commentaire poignant sur les disparités au sein de la société américaine. À travers cette toile, Basquiat examine le concept de revenu « per capita », une mesure statistique qui représente le revenu moyen gagné par personne dans une zone donnée pour une année spécifiée, afin de critiquer la répartition des richesses et ses conséquences pour les communautés afro-américaines. Dominée par une couronne saisissante délimitée en bleu sur un fond rouge vif, l'œuvre attire immédiatement l'attention sur le thème de la royauté ou de la suprématie, contrastant avec le mot « ASBESTOS » écrit en gras en bleu foncé à l'intérieur d'un carré rouge. Cette superposition d'imagerie et de couleurs prépare le terrain pour une série de petites esquisses détaillées qui percent l'arrière-plan, incluant une variété de créatures et de symboles accompagnés de textes faisant référence à des icônes historiques et religieuses importantes, comme La Mecque et Anubis. Per Capita s'engage dans la critique du matérialisme et de l'élévation du profit à un statut quasi religieux, suggérant un parallèle entre les valeurs sociétales contemporaines et les systèmes de croyance traditionnels.

Première œuvre de Basquiat à avoir été vendue, elle fut initialement acquise par la chanteuse de Blondie, Debbie Harry, qui a joué avec l'artiste dans le film Downtown 81. C'est un exemple saisissant de la manière dont Basquiat explorait des thèmes tels que la technologie, le progrès et le Rêve américain, à travers son langage visuel unique. Le titre lui-même évoque un sentiment d'Americana, juxtaposant le luxe et le statut symbolisés par Cadillac – une marque souvent associée au succès dans la culture américaine – avec la nature éthérée et inaccessible de The Moon. Cette juxtaposition peut être interprétée comme un commentaire sur la nature insaisissable du succès et la dichotomie entre la réalité et l'aspiration, des thèmes qui reviennent tout au long de l'œuvre de Basquiat. À côté de deux cartes, Basquiat représente une pile de téléviseurs sur la droite de la composition, avec un visage unique sur chaque écran. Comme la plupart des œuvres de Basquiat, Cadillac Moon palpite d'une énergie expressive.