Les grandes expositions de Tracey Emin

Intitulée ironiquement, cette exposition fut la première grande exposition personnelle de Tracey Emin, au cours de laquelle elle présenta une collection d'objets divers issus de son enfance.

L'exposition résumait l'amour de Tracey Emin pour la satire du monde de l'art lui-même ; le titre se moque du narcissisme d'une exposition « rétrospective », choisissant plutôt de faire passer des objets quotidiens ordinaires pour des œuvres d'art majeures. Cela comprenait des journaux intimes d'adolescente, des souvenirs, des jouets et des objets commémoratifs, ainsi que des peintures, des dessins et de minuscules photographies de ses peintures réalisées à l'école d'art.

Tracey Emin présenta également la première courtepointe qu'elle avait réalisée (Hotel International, 1993) et de nombreux souvenirs de famille, y compris des objets tels qu'un paquet de cigarettes que son oncle tenait lorsqu'il a été décapité dans un accident de voiture.

Dès le tout début de sa carrière, la conscience de soi à la fois drôle et douloureuse qui caractérisera les œuvres ultérieures de Tracey Emin est déjà présente, tout comme sa capacité à choquer et à dégoûter le spectateur.

L'œuvre qui a cimenté la notoriété controversée de Tracey Emin est My Bed, qui fut exposée parmi les œuvres sélectionnées pour le Turner Prize de 1998.

Véritable emblème de l'art contemporain, cette pièce représentait le lit défait d'Emin, couvert de fluides corporels, de sous-vêtements tachés, de préservatifs et de bouteilles d'alcool vides. Elle était inspirée d'une période de dépression suicidaire dont l'artiste avait souffert suite à une relation tumultueuse. My Bed a provoqué un véritable scandale médiatique, les critiques débattant avec virulence pour savoir si cela pouvait être considéré comme de « l'art ».

Bien que l'artiste britannique n'ait pas remporté le prix, l'œuvre est devenue tristement célèbre. Elle a été vendue à Charles Saatchi en 2000 pour 150 000 £, puis a atteint plus de 2,5 millions de livres sterling chez Christie's en 2014.

La première exposition personnelle d’Emin aux États-Unis, en 1999, fut une étape marquante de sa carrière débutante. Elle y présenta notamment son œuvre tristement célèbre, Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 ou The Tent (1994), une tente en toile sur laquelle étaient brodés les noms de toutes les personnes avec qui elle avait « couché ». Outre ses partenaires sexuels, y figuraient les noms de son frère, de ses parents et de deux fœtus non nommés (faisant référence aux deux avortements traumatisants que Tracey Emin a subis dans la vingtaine, ce qui l'avait poussée à détruire toutes les œuvres qu'elle avait réalisées lorsqu'elle était étudiante au Royal College of Art).

L'exposition de Tracey Emin comprenait également une véritable cabane de plage, provenant d'un ancien lieu de vacances de l'amie de Tracey Emin, l'artiste Sarah Lucas, ainsi que de Tracey Emin et d'un ancien petit ami. Cette cabane avait été démontée puis remontée dans la galerie.

Charles Saatchi a acquis The Tent en 1999, mais l'œuvre fut détruite lors d'un incendie dans l'entrepôt East Momart en 2004, aux côtés de plus de 100 autres pièces de la collection Saatchi. Tracey Emin s'est vu proposer 1 million de livres sterling pour refaire The Tent après l'incendie, mais elle a refusé.

Tracey Emin a été choisie pour réaliser une exposition d'œuvres anciennes et nouvelles afin de représenter la Grande-Bretagne à la 52e Biennale de Venise, l'exposition culturelle internationale organisée chaque année à Venise.

Elle a créé de nouvelles œuvres spécialement pour l'exposition, utilisant une grande variété de médiums – de la broderie au fil, en passant par la photographie, la vidéo, le dessin, la peinture, la sculpture et le néon, notamment l'enseigne au néon Legs I. Emin a commenté l'exposition : « Borrowed Light est mon ensemble d'œuvres le plus féminin à ce jour, très sensuel mais en même temps graphiquement percutant. C'est à la fois joli et brut. »

Cette exposition fut la première rétrospective majeure des œuvres d'Emin et a attiré plus de 40 000 amateurs d'art contemporain à Édimbourg. Outre la célèbre œuvre My Bed, l'exposition présentait l'installation monumentale Exorcism of the Last Painting I Ever Made, composée de plusieurs toiles ornées des figures abstraites et des slogans percutants caractéristiques d'Emin, ainsi que de pots de peinture ouverts et de rouleaux de papier à moitié peints.

La Scottish National Gallery fut le seul lieu britannique pour cette exposition, qui fut ensuite présentée à Malaga, en Espagne, et à Berne, en Suisse, en 2009.

En signe de gratitude envers le lieu et la ville d'Édimbourg, Emin a fait don d'une sculpture, Roman Standard, à la galerie. L'œuvre se compose d'un mât en bronze de 13 pieds de haut surmonté d'un petit oiseau en bronze, et est estimée à 75 000 £.

Cette rétrospective à la Hayward Gallery de Londres couvrait un éventail d’œuvres de la carrière d’Emin, allant de 16 sculptures en néon différentes à des souvenirs, dessins et photographies centrés sur la sexualité.

La famille était un thème central de l’exposition, qui présentait des étoffes issues des vêtements d’Emin ainsi que des pièces confectionnées à partir de la chemise de nuit de sa grand-mère et de tissus de son enfance.

Elle a également réalisé une nouvelle série de sculptures d’extérieur spécifiquement pour l’exposition.

Cette exposition à la Royal Academy avait ceci d'unique qu'elle présentait les œuvres d'Emin aux côtés de celles de l'un de ses plus grands modèles, le peintre norvégien Edvard Munch, surtout célèbre pour son œuvre « The Scream ». Emin a sélectionné 19 œuvres de Munch à exposer aux côtés des siennes, invitant les spectateurs à établir des parallèles entre leurs nus graphiques et les portraits de femmes tourmentées. L'exposition était accompagnée d'une présentation à la White Cube Gallery de Londres qui comprenait un court film Super-8 en hommage à Munch.

Emin avait subi un cancer agressif l'année précédant l'exposition, et son insistance sur la destruction du corps féminin est encore plus marquée que d'habitude, avec des pièces telles que Ruined (2007) et l'œuvre au néon My Cunt is Wet with Fear (1998). L'exposition comprenait également de petites statues en bronze d'oiseaux et de nus féminins qui exprimaient une vulnérabilité rare dans le travail d'Emin, notamment les pièces inspirées de son intérêt pour On Birds.

L'exposition a été rediffusée au Musée Munch nouvellement inauguré à Oslo, faisant d'Emin la première artiste à exposer aux côtés de Munch, et comprenait My Bed aux côtés de ses peintures plus récentes.

Cette exposition itinérante se déploie dans les galeries et les jardins de Jupiter Artland, un parc de sculptures près d'Édimbourg. Il s'agit de la première exposition personnelle de Tracey Emin en Écosse depuis plus de dix ans. Son titre est emprunté à celui de l'œuvre centrale, une énorme figure en bronze d'une femme recroquevillée sur le côté.

Contrairement à beaucoup d'œuvres d'Emin, cette sculpture est présentée à l'extérieur, ce qui oblige le spectateur à réfléchir à la position de la femme dans la nature ainsi qu'à sa forme fragile. La forme humaine domine les autres œuvres de l'exposition, qui comprennent une série de lithographies rehaussées d'encre de Chine, représentant un couple s'agrippant l'un à l'autre sur un lit et des figures solitaires esquissées par de minimes coups de pinceau.

La dernière exposition d'Emin à White Cube Bermondsey, I Followed You to the End, révèle une série de peintures et de vidéos profondément personnelles et viscérales qui témoignent de sa confrontation avec la mortalité et la perte. Cette collection est née d'une période de création intense, survenue après qu'Emin a lutté contre un cancer agressif en 2020. Elle explore les thèmes de la vie et de la mort, du corps et de la décomposition, le tout rendu dans une palette qui palpite de rouges crus et saignants mêlés à des pastels tendres. Le processus d'Emin est chargé d'émotion et automatique ; ses mots écrits surgissent spontanément sur la toile, incarnant la loyauté profonde et l'angoisse qui ont accompagné ses luttes personnelles. Les œuvres sont ancrées dans sa sphère domestique, où la présence de figures aimées, y compris ses chats, apporte une force tranquille au milieu de ses réflexions sur la fragilité physique.

Dans ce qu'elle décrit comme son accomplissement artistique suprême, Emin compare cette série au sommet d'un long voyage, atteignant sa « montagne » personnelle grâce à la peinture, un médium qu'elle considère désormais comme l'aboutissement de sa vie.

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