Les expositions majeures de Tracey Emin

Cette exposition au titre ironique fut la première rétrospective majeure de Tracey Emin, présentant une collection d'objets disparates issus de ses années d'enfance.

L'exposition cristallisait le goût de Tracey Emin pour la satire du monde de l'art lui-même ; le titre se joue du narcissisme inhérent à toute « rétrospective », choisissant plutôt de conférer le statut d'œuvres majeures à des objets du quotidien. On y trouvait des journaux intimes d'adolescente, des souvenirs, des jouets et des objets personnels, ainsi que des peintures, des dessins et de minuscules photographies de ses toiles réalisées à l'école d'art.

Tracey Emin exposait également le premier quilt qu'elle ait jamais réalisé (Hotel International, 1993) ainsi que de nombreux souvenirs familiaux, incluant des pièces aussi singulières que le paquet de cigarettes que son oncle tenait à la main au moment de sa décapitation dans un accident de voiture.

Dès le début de sa carrière, la conscience de soi, à la fois drôle et douloureuse, qui caractérisera le travail ultérieur de Tracey Emin était déjà présente, tout comme sa capacité à choquer et à révulser le spectateur.

L'œuvre qui a forgé la réputation sulfureuse de Tracey Emin est « My Bed », présentée lors de l'édition 1998 du Turner Prize en tant qu'œuvre présélectionnée.

Pièce emblématique de l'art contemporain, elle se compose du lit défait de l'artiste, jonché de fluides corporels, de sous-vêtements tachés, de préservatifs et de bouteilles d'alcool vides, le tout inspiré par une période de dépression suicidaire que l'artiste a traversée à la suite d'une relation difficile. « My Bed » a déclenché une tempête médiatique, les critiques débattant avec véhémence pour savoir si une telle réalisation pouvait être considérée comme de l'« art ».

Bien que l'artiste britannique n'ait pas remporté le prix, l'œuvre a acquis une notoriété mondiale, étant acquise par Charles Saatchi en 2000 pour 150 000 livres sterling, avant d'atteindre plus de 2,5 millions de livres sterling chez Christie's en 2014.

La première exposition personnelle de Tracey Emin aux États-Unis, en 1999, a marqué un tournant dans le début de sa carrière ; elle comprenait son œuvre célèbre et controversée Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995, également appelée The Tent (1994), une tente en toile à l'intérieur de laquelle étaient brodés les noms de toutes les personnes avec qui elle avait « couché ». Outre ses partenaires sexuels, cette liste incluait les noms de son frère, de ses parents et de deux fœtus non nommés (en référence à deux avortements traumatisants subis par Tracey Emin dans la vingtaine, qui l'avaient conduite à détruire toutes les œuvres produites durant ses études de troisième cycle au Royal College of Art).

L'exposition de Tracey Emin présentait également une véritable cabane de plage, provenant d'un ancien lieu de villégiature fréquenté par Tracey Emin, l'artiste Sarah Lucas et un ancien petit ami, laquelle avait été démontée puis réassemblée au sein de la galerie.

Charles Saatchi a fait l'acquisition de The Tent en 1999, mais l'œuvre fut par la suite détruite dans l'incendie de l'entrepôt Momart à East London en 2004, aux côtés de plus de 100 autres œuvres de la collection Saatchi. Tracey Emin s'est vu offrir 1 million de livres sterling pour recréer The Tent après l'incendie, ce qu'elle a refusé.

Tracey Emin a été choisie pour présenter une exposition composée d'œuvres passées et récentes afin de représenter la Grande-Bretagne lors de la 52e Biennale de Venise, l'exposition culturelle internationale organisée chaque année à Venise.

Elle a produit des œuvres inédites spécialement pour cet événement, explorant une grande diversité de supports – de la broderie à la photographie et la vidéo, en passant par le dessin, la peinture, la sculpture et le néon, incluant notamment l'enseigne lumineuse Legs I. Emin a ainsi commenté l'exposition : « Borrowed Light constitue mon corpus d'œuvres le plus féminin à ce jour, très sensuel tout en étant graphiquement incisif. C'est à la fois gracieux et radical. »

Cette exposition fut la première rétrospective majeure consacrée au travail d'Emin et a attiré plus de 40 000 amateurs d'art contemporain à Édimbourg. Outre la célèbre œuvre My Bed, l'exposition présentait l'installation monumentale Exorcism of the Last Painting I Ever Made, composée de plusieurs toiles ornées des figures abstraites et des slogans révélateurs caractéristiques de l'artiste, ainsi que de pots de peinture ouverts et de rouleaux de papier partiellement peints.

La Scottish National Gallery fut le seul lieu d'accueil au Royaume-Uni pour cette exposition, qui a ensuite voyagé à Malaga, en Espagne, et à Berne, en Suisse, en 2009.

Emin a fait don d'une sculpture, Roman Standard, à la galerie en signe de gratitude envers le lieu et la ville d'Édimbourg. L'œuvre consiste en un mât en bronze de près de quatre mètres de haut surmonté d'un petit oiseau en bronze, et sa valeur est estimée à 75 000 livres sterling.

Cette rétrospective à la Hayward Gallery de Londres couvrait un éventail d'œuvres jalonnant la carrière d'Emin, allant de 16 sculptures au néon à des objets de collection, en passant par des dessins et des photographies axés sur la sexualité.

La famille constituait un thème central de l'exposition, qui présentait des textiles issus des vêtements d'Emin, ainsi que des pièces réalisées à partir de la chemise de nuit de sa grand-mère et d'étoffes remontant à son enfance.

L'artiste a également créé une nouvelle série de sculptures en extérieur spécialement pour l'exposition.

Cette exposition à la Royal Academy était unique en son genre, dans la mesure où elle présentait les œuvres d'Emin en parallèle de celles de l'une de ses influences majeures, le peintre norvégien Edvard Munch, mondialement connu pour son œuvre « The Scream ». Emin a sélectionné 19 œuvres de Munch pour les exposer aux côtés des siennes, invitant ainsi les visiteurs à établir des comparaisons entre leurs nus graphiques et leurs portraits de femmes tourmentées. L'exposition était complétée par une présentation à la White Cube Gallery de Londres, laquelle incluait un court film en Super-8 en hommage à Munch.

Emin ayant souffert d'un cancer agressif l'année précédant l'exposition, son exploration de la destruction du corps féminin s'y révèle plus saillante qu'à l'accoutumée, notamment à travers des pièces telles que Ruined (2007) et l'œuvre au néon My Cunt is Wet with Fear (1998). L'exposition présentait également de petites sculptures en bronze figurant des oiseaux et des nus féminins, exprimant une vulnérabilité rare dans le travail d'Emin.

L'exposition a été reprise au Munch Museum d'Oslo, récemment inauguré ; Emin y est devenue la première artiste à exposer aux côtés de Munch, l'ensemble incluant My Bed disposé auprès de ses peintures les plus récentes.

Cette exposition permanente se déploie à travers les galeries et les jardins de Jupiter Artland, un parc de sculptures situé près d'Édimbourg, et constitue la première rétrospective de Tracey Emin en Écosse depuis plus de dix ans. Son titre est emprunté à celui de l'œuvre centrale : une imposante figure féminine en bronze, représentée recroquevillée sur le côté.

Contrairement à une grande partie de l'œuvre de l'artiste, cette sculpture est présentée en extérieur, invitant le visiteur à méditer sur l'inscription de cette silhouette dans la nature ainsi que sur la fragilité de sa forme. La figure humaine domine le reste de l'exposition, qui comprend notamment une série de lithographies rehaussées à l'encre de Chine, illustrant un couple enlacé sur un lit et des figures solitaires esquissées d'un trait minimaliste.

La dernière exposition de Tracey Emin à la White Cube Bermondsey, I Followed You to the End, dévoile une série de peintures et de vidéos profondément intimes et viscérales, qui témoignent de sa confrontation avec la mortalité et le deuil. Cette collection est née d'une intense période de création faisant suite à la lutte de l'artiste contre un cancer agressif en 2020. Elle explore les thèmes de la vie et de la mort, du corps et de sa déchéance, le tout décliné dans une palette vibrant de rouges crus et sanglants, contrastant avec de tendres tons pastel. La démarche d'Emin est chargée d'émotion et guidée par l'automatisme ; ses mots, inscrits spontanément sur la toile, incarnent la loyauté profonde et l'angoisse qui ont marqué ses épreuves personnelles. Les œuvres sont ancrées dans sa sphère domestique, où la présence d'êtres chers, dont ses chats, apporte une force tranquille au cœur de ses réflexions sur la fragilité physique.

Dans ce qu'elle décrit comme son accomplissement artistique ultime, Emin compare cette série au sommet d'un long voyage, atteignant sa « montagne » personnelle à travers la peinture, un médium qu'elle considère désormais comme l'aboutissement de sa vie.

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