10 faits sur Víctor Vasarely

Né à Pécs, en Hongrie, en 1906, Vasarely a d'abord envisagé une carrière en médecine, mais il s'est rapidement tourné vers l'art, étudiant à l'Académie des Beaux-Arts de Budapest. Il s'est ensuite installé à Paris, où il a achevé de s'imposer comme une figure de proue du mouvement Op Art dans les années 1960. Les œuvres audacieuses et colorées de Vasarely ont remis en question les notions traditionnelles de perspective et de perception, et son héritage continue d'influencer l'art et le design contemporains à ce jour.

Victor Vasarely a été influencé par l'utilisation des principes mathématiques, des illusions d'optique et des perspectives impossibles par M.C. Escher, ce qui a inspiré les propres expérimentations de Vasarely avec les formes géométriques et la perception visuelle.

Au début des années 1930, Vasarely a commencé à créer des peintures géométriques abstraites qui exploraient les effets de la couleur, de la ligne et de la forme sur l'expérience perceptive du spectateur. Ses premières œuvres se caractérisaient par une concentration sur le motif et la répétition, ainsi que par une fascination pour la manière dont les formes et les couleurs créent des illusions d'optique de profondeur et de mouvement.

Le « Manifeste Jaune » de Victor Vasarely fut un texte fondamental dans le développement de l'Art Optique (Op Art), un mouvement apparu dans les années 1960 qui explorait l'utilisation des illusions d'optique et des formes géométriques pour créer une sensation de mouvement et de profondeur. Dans ce manifeste, Vasarely exposait les principes de sa nouvelle esthétique, qu'il nommait le « cinétisme ». Il soutenait que l'art devait se fonder sur des principes scientifiques et viser à créer un sentiment de dynamisme et d'énergie, plutôt que de simplement reproduire le monde visible.

Le manifeste fut largement lu et eut une grande influence, contribuant à établir Vasarely comme l'une des figures de proue de l'Art Optique. Les idées qui y sont exposées continuent d'influencer les artistes contemporains travaillant dans divers médiums, de la peinture à la sculpture, en passant par les médias numériques.

Les contributions de Victor Vasarely au domaine de l'Art Optique sont largement reconnues dans son pays d'origine, la Hongrie, ainsi que dans le monde entier. Pour saluer ses réalisations, les œuvres de Vasarely ont été mises à l'honneur sur des timbres-poste en Hongrie et en France, deux pays qui ont joué un rôle important dans sa vie et sa carrière. En 1978, la Hongrie a émis un timbre à l'effigie de l'œuvre de Vasarely « Nagyzacskó » (« Grand Sac »), aujourd'hui considérée comme un exemple classique de son style caractéristique.

De même, en 2017, la France a émis une série de timbres à l'effigie des œuvres de Vasarely, dont sa série emblématique de tableaux « Vega-Nor ». Ces timbres témoignent de l'héritage durable de Vasarely en tant que l'un des artistes les plus novateurs et influents du XXe siècle.

L'utilisation innovante des formes géométriques et des illusions d'optique par Victor Vasarely l'a conduit à être associé au mouvement de l'Op Art, apparu dans les années 1960. Cependant, Vasarely lui-même préférait qualifier son travail de « cinétique visuelle », soulignant ainsi le caractère dynamique et interactif de ses œuvres.

Selon les propres termes de Vasarely : « Mon travail est un art purement visuel qui cherche à exploiter les propriétés cinétiques et dynamiques de la perception visuelle. Je cherche à créer un art en mouvement constant, qui sollicite le spectateur et met au défi ses perceptions de l'espace et de la forme. »

Beaucoup des œuvres de Vasarely reposaient sur une structure en grille, qu'il utilisait pour créer des motifs complexes qui semblaient se dilater et se contracter à mesure que le regard du spectateur parcourt la surface. Il a également expérimenté l'usage de la couleur, employant des teintes audacieuses et contrastées pour insuffler un sentiment de vitalité et d'énergie à ses créations.

L'intérêt de Vasarely pour la relation entre l'art et la science l'a conduit à élaborer une théorie de « l'alphabet plastique », qui visait à identifier un ensemble de formes et de figures universelles pouvant servir à créer un nouveau langage visuel. Cette idée a eu un impact profond sur le développement de l'Op Art.

Les œuvres de Victor Vasarely ont été largement célébrées et reconnues grâce à de nombreuses expositions personnelles tenues dans des institutions prestigieuses à travers le monde. Parmi les expositions les plus marquantes des œuvres de Vasarely, citons la grande rétrospective au Guggenheim Museum de New York en 1965, la toute première exposition personnelle dédiée à l'Op Art ; la rétrospective majeure au Centre Pompidou à Paris en 2019, qui a attiré plus de 300 000 visiteurs ; et une exposition itinérante organisée par The Solomon R. Guggenheim Museum en 2018, qui a voyagé en Asie, mettant en lumière les contributions importantes de Vasarely à l'abstraction géométrique et à l'Op Art. Ces expositions ont consolidé le statut de Vasarely comme l'un des artistes les plus influents du XXe siècle.

Le style unique d'art optique de Victor Vasarely a rendu ses œuvres très recherchées pour leur utilisation dans le cinéma et la télévision. L'un des exemples les plus marquants est le générique d'ouverture de la série télévisée emblématique des années 1960, « The Prisoner » (« Le Prisonnier »), qui présente une série de motifs géométriques distinctifs en noir et blanc de Vasarely. Cette séquence, créée par le graphiste Bernie Lodge, est depuis devenue un exemple classique de l'art optique dans la culture populaire.

Les œuvres de Vasarely ont également été utilisées dans les génériques d'ouverture d'autres émissions de télévision, notamment le thriller d'espionnage « Alias », qui propose une séquence de formes géométriques tourbillonnantes créées par le fils de Vasarely, Yvaral Vasarely. De plus, les œuvres de Vasarely ont été employées dans des films tels que « Barbarella » et « Opération Dragon » (Enter the Dragon), où ses compositions audacieuses et colorées ajoutent des éléments futuristes et étranges à l'action à l'écran.

L'influence de Victor Vasarely sur la culture populaire s'est étendue au-delà du monde de l'art pour toucher la musique. Le légendaire musicien David Bowie était un admirateur déclaré de l'œuvre de Vasarely et possédait plusieurs de ses estampes. De plus, les propres expérimentations artistiques de Bowie avec la couleur et la forme, visibles sur ses pochettes d'album et dans ses spectacles, étaient fortement influencées par le style Op Art de Vasarely.

Bowie était tellement marqué par Vasarely qu'il a utilisé l'une de ses œuvres pour la couverture de son deuxième album, Space Oddity. L'héritage de Vasarely en tant qu'artiste pionnier et innovateur continue d'inspirer et de captiver les publics dans de nombreux domaines créatifs, et son influence sur l'art et la musique de Bowie demeure un témoignage de sa pertinence et de son attrait durables.

Victor Vasarely a été profondément inspiré par le Bauhaus, l’école d’art et de design révolutionnaire en Allemagne qui a existé de 1919 à 1933. Le mouvement Bauhaus privilégiait l’intégration de l’art et de la technologie, et ses artistes cherchaient à créer des designs fonctionnels et esthétiquement plaisants destinés à la production de masse. Vasarely a été particulièrement attiré par l’utilisation des formes géométriques par le Bauhaus, qu’il estimait pouvoir employer pour élaborer un langage visuel entièrement nouveau. Les premières œuvres de Vasarely, comme la série Zebra, étaient fortement imprégnées des principes du Bauhaus : simplicité, clarté et précision. Plus tard dans sa carrière, l’adoption par Vasarely des processus technologiques, comme l’art généré par ordinateur, a reflété sa fascination persistante pour l’héritage du Bauhaus et sa pertinence continue pour l’art et le design contemporains.