Un format familier, pour une atmosphère en demi-teinte
Bien que non radicalement restructurée, la semaine des enchères de juin a été marquée par une atmosphère notablement retenue. Christie's a persisté dans sa décision de renoncer à sa prestigieuse vente du soir, privilégiant une vacation « Post-War to Present Day Sale ». Phillips a adopté le même format que l'an passé, fusionnant ses ventes du soir et du jour « Modern & Contemporary » en une seule session. Sotheby's a conservé sa structure habituelle, avec des ventes du soir et du jour dédiées à l'art moderne et contemporain, mais même là, l'énergie semblait atténuée.
La vente du soir de Sotheby's a enregistré des résultats inférieurs à ceux de l'année dernière, et malgré de belles performances pour les nus de Tamara de Lempicka et de Jenny Saville, le climat était à l'hésitation. Qu'il s'agisse de pressions macroéconomiques, de la prudence des vendeurs ou de ces récits rebattus que nous sommes désormais lassés d'évoquer, un voile de discrétion a une fois de plus recouvert ce qui constituait autrefois un moment charnière et hautement compétitif du calendrier.
Cela ne signifie pas pour autant que les maisons de ventes soient en cause. Elles demeurent centrales sur le marché de l'art, véritables piliers institutionnels dotés d'équipes de spécialistes dont l'expertise et l'enthousiasme façonnent le secteur depuis des décennies. Mais la réalité est que le marché évolue, tout comme les échanges qui l'entourent. Durant l'explosion des dot-com ou les années hyperactives de 2019-2020 après la pandémie, les enchères étaient incontournables. Les collectionneurs faisaient confiance au modèle et rares étaient ceux disposés à prendre des risques ailleurs.
Aujourd'hui, le paysage est davantage fragmenté. Les ventes en ligne sont devenues la norme, des outils algorithmiques influencent les évaluations et les conversations sont plus rapides, plus publiques et se multiplient sur de multiples plateformes. Je ne suggère pas que ces évolutions remplacent le modèle traditionnel des enchères, mais elles le redéfinissent. Ainsi, lorsque les ventes prestigieuses paraissent en retrait, il est utile de se rappeler qu'une grande partie de l'activité, de l'énergie et des liquidités s'est déplacée ailleurs : vers les ventes privées, les plateformes numériques et des infrastructures alternatives qui, il y a cinq ans, n'existaient pas encore.
Pourquoi les « Day Sales » méritent davantage d'attention
Comme je l'ai déjà souligné, l'action véritable des ventes aux enchères — et sans doute les indicateurs les plus fiables — se situe lors des « Day Sales ». Si vous ignorez encore ces sessions, vous passez à côté de là où se concentre l'essentiel de la liquidité.
Deux résultats marquants proviennent des estampes « David Hockney » issues de la série Arrival of Spring :
– Lors de la Contemporary Day Sale de Sotheby’s, « 31st of May, No.1 » a été adjugée 406 400 livres sterling.
– Chez Christie’s, lors de la vente Post-War to Present, « 4th of May » a atteint 504 000 livres sterling, égalant le record actuel en salle des ventes pour une édition différente de cette même variation, établi pour la première fois chez Phillips en 2022.
Ces deux estampes constituent désormais les éditions individuelles les mieux valorisées sur l'ensemble du marché de Hockney. Il s'agit, dans les deux cas, d'éditions grand format limitées à seulement 10 exemplaires. Si les résultats publics sont impressionnants, la demande sur le marché privé est encore plus intense — je peux le confirmer par expérience. La demande excède l'offre. Ces éditions sont détenues par des collectionneurs avisés et placées avec soin par les représentants de la galerie de Hockney entre les mains de collectionneurs sérieux. Il est complexe d'acquérir l'une de ces œuvres sur le marché public. Il ne s'agit pas seulement des œuvres en elles-mêmes, mais de ce qu'elles représentent. De telles éditions offrent aux collectionneurs une combinaison de familiarité, de visibilité et de positionnement tarifaire stratégique : elles ne sont plus perçues comme des portes d'entrée, mais comme des acquisitions intelligentes à part entière.
Quelques semaines plus tôt, lors d'Art Basel, « Mid November Tunnel » a été vendue par Annely Juda Fine Art pour un montant compris entre 13 et 17 millions de dollars — un rappel net que le marché de Hockney demeure robuste, tant pour les éditions que pour les œuvres originales. Explorez les dernières analyses dans le « Guide du vendeur David Hockney ».
Parallèlement, Phillips a enregistré un résultat solide pour l'œuvre « Jean-Michel Basquiat » intitulée MP (1984), qui a atteint un prix marteau de 4 millions de livres sterling, dépassant de 2 % son estimation haute et ne s'éloignant que de 2 % du prix marteau de l'an dernier, malgré un nombre de lots réduit. Ce point est notable : l'équivalent de 2024 s'était établi à 15 % en dessous de l'estimation, ce qui suggère désormais une attention accrue portée à la justesse des prix.
Un mois dynamique pour les estampes à Londres et à New York
Ce ne sont pas seulement les ventes de jour qui ont fait les gros titres : le marché des éditions a démontré sa vitalité ce mois-ci. Phillips et Bonhams ont tous deux établi de nouveaux records aux enchères pour des œuvres majeures issues de la série « Endangered Species » d'Andy Warhol, avec des résultats exceptionnels pour « African Elephant », « Orangutan », « Bald Eagle » et « Grevy’s Zebra ». Pour une analyse détaillée de ces ventes, consultez notre dernier rapport d’enchères, et explorez notre Guide du vendeur Warhol pour obtenir les informations les plus récentes sur l’état actuel de son marché et la valeur de ses estampes.
Pourquoi l'expérience — et non seulement les ventes — dynamise le marché de l'art en 2025
D'après les rapports que j'ai consultés — et pour la première fois depuis longtemps — Art Basel a semblé refléter fidèlement le sentiment actuel du marché. Certes, les marchands ont continué de mettre en avant des transactions importantes (comme à leur habitude), mais l'énergie de cette édition paraissait plus authentique. L'an dernier, l'ambiance générale était empreinte d'un certain catastrophisme ; cette année, elle semblait nettement plus vivante.
Kenny Schachter a parfaitement saisi ce changement lors de The Baer Faxt Live à Bâle, en ouvrant son intervention par une phrase choc :
« Si je lis un article de plus sur “la fin du marché de l'art”… je vais vomir. »
Direct comme toujours, il a balayé ce cynisme éculé, rejetant l'idée que les amateurs ne s'intéressent plus aux œuvres ou que les « expériences » viendraient se substituer à la collection. Et, à sa décharge, il n'a pas tort. Le public aime toujours les œuvres. Toutefois, je soutiens que l'expérience ne se distingue pas de l'acte de regarder ou de collectionner ; elle est cet acte. Les foires, les galeries et même les lancements d'éditions ne se limitent pas à de simples transactions ; ce sont des environnements où le sens se construit. C'est là que se tissent les liens. Et c'est précisément sur ce message que nous devons miser davantage.
Le « drop » de la Labubu bleue : ce que le moment le plus viral de Bâle révèle sur les nouveaux collectionneurs
Un moment en particulier, cependant, a su capturer l'état réel du marché de l'art, bien loin des maisons de ventes aux enchères et des structures traditionnelles.
Une petite figurine bleue, la Labubu, tenant un niveau à bulle en hommage aux installateurs d'œuvres d'art, aurait pu passer pour une attraction secondaire ; il n'en fut rien. Proposée lors de deux lancements sur site au prix de 200 CHF (environ 250 dollars), l'intégralité des 100 exemplaires a été écoulée instantanément. Selon Carlie Porterfield, du The Art Newspaper, une personne offrait 5 000 dollars en espèces pour s'en procurer une quelques minutes plus tard à peine.
Il serait tentant de balayer cela d'un revers de main comme un simple gadget, mais ce serait manquer l'essentiel. Ces lancements illustrent directement le fonctionnement de la nouvelle génération de collectionneurs. Pour eux, collectionner ne se résume pas à la possession ; il s'agit de participer à un événement. La rareté, les codes culturels, la viralité et le potentiel de revente font tous partie intégrante de leur système de valeur. Cette génération a été façonnée par le streetwear, les NFT et les marques nées du numérique. Elle n'achète pas une tradition, mais s'inscrit dans un réseau bâti sur des moments partagés, la visibilité et le contexte culturel.
Bien entendu, ce phénomène n'est pas nouveau. Le monde de l'art a toujours négocié — et soigneusement marketé — des expériences exclusives. Pensons aux dîners-expositions privés d'une soirée organisés par Larry Gagosian sur les falaises de Capri, où collectionneurs et artistes de premier plan se réunissaient à la Casa Malaparte. Cela semble cinématographique, et ça l'est ! Il ne s'agit pas seulement d'instants mondains, mais de cadres savamment chorégraphiés qui façonnent la manière dont l'art est vécu, mémorisé et valorisé. Ils ne reposent pas uniquement sur l'exclusivité, mais sur l'atmosphère, le contexte et l'empreinte émotionnelle.
Cependant, les expériences sont, par nature, éphémères. Elles évoluent au gré des courants culturels, des réalités économiques et des attentes générationnelles. L'erreur n'est pas de reconnaître la valeur de l'expérience, mais de supposer qu'elle revêt la même forme aujourd'hui qu'il y a à peine cinq ans. Actuellement, les expériences qui comptent sont souvent informelles, numériques, basées sur des « drops » ou ancrées dans des communautés. C'est sur ce point que nous devons concentrer notre attention, car c'est là que la prochaine génération de collectionneurs forge ses habitudes.
Vous vous doutiez que j'allais faire le lien avec le marché des éditions blue chip - alors voici
Écoutez-moi bien : ce n'est pas une simple formule rhétorique, car le parallèle est frappant. Ce changement est clairement perceptible sur le marché des éditions. Les estampes d'artistes blue chip tels que Hockney, Warhol et Haring se situent désormais à la confluence de l'art, de la culture et de l'identité. Proposées à des prix relativement accessibles, immédiatement reconnaissables, elles possèdent la même charge sémiotique que les objets de convoitise : elles révèlent qui vous êtes, ce à quoi vous accordez de l'importance et à quel groupe vous appartenez.
Mais elles offrent également autre chose : un système. Une structure visible, traçable et, à bien des égards, ludique. Pour de nombreux collectionneurs de la nouvelle génération, les éditions fonctionnent presque comme le marché boursier : familier, stratégique et fondé sur les données. Vous pouvez suivre l'évolution des valeurs, anticiper le marché, comparer les performances et prendre des décisions aussi tactiques que personnelles.
C'est pourquoi les plateformes de transactions en ligne n'ont jamais été aussi importantes. Elles ne se contentent pas d'offrir une transparence des prix : elles facilitent la participation. Elles démocratisent l'accès, favorisent la fluidité entre les types d'acheteurs et fournissent aux utilisateurs les outils nécessaires pour concevoir la collection tout à la fois comme une passion et comme un portefeuille d'actifs. Cette même logique a prévalu lors de la frénésie entourant Labubu à Bâle : offre limitée, accès privilégié et potentiel de revente rapide ; autant de mécanismes qui résonnent auprès d'une base de collectionneurs façonnée par les lancements en série limitée et les outils de suivi en temps réel.
Que vous trouviez cela enthousiasmant ou déconcertant, ce phénomène est en train de transformer le marché. Le véritable défi ne consiste plus simplement à suivre les ventes, mais à comprendre ce qui leur confère leur sens. Car si la collection d'œuvres d'art doit rester pertinente, elle doit se montrer dynamique, visible et vivante — non seulement pour les institutions et les initiés, mais aussi pour les réseaux qui bâtissent, en temps réel, la prochaine version du marché de l'art.
Ce que cela signifie pour le marché à venir
Le mois de juin n'a pas offert de spectacle, mais il a apporté de la clarté. C'est lors des ventes de jour que l'intelligence des prix est la plus visible ; le marché des éditions se comporte davantage comme une classe d'actifs structurée, et l'engagement des collectionneurs est de plus en plus dicté par le contexte et l'expérience, plutôt que par la seule qualité de l'objet. Il ne s'agit pas de mutations périphériques : elles témoignent d'une redéfinition plus large de l'emplacement de la valeur, de la manière dont elle est signalée et des acteurs qui y participent. À l'aube de la période estivale, plus calme, il convient d'observer non seulement qui achète, mais surtout comment et pourquoi.
