Veille sur le marché : pourquoi les ventes de jour, les estampes et l'expérience comptent toujours
Pretty Tulips © David Hockney 1969
Market Reports
Une autre saison des enchères de juin est passée – et même si elle n'a pas donné lieu à des événements spectaculaires, elle a offert des éclairages. Des gros titres discrets ont masqué un calendrier remanié, des résultats stables pour les ventes de jour et des signaux plus profonds sur l'évolution du marché, tant pour les collectionneurs que pour les institutions. Comme toujours, l'histoire ne réside pas seulement dans les totaux, mais dans la structure.
Un format familier, mais une ambiance en déclin
Bien que la structure n'ait pas été bouleversée, la semaine des enchères de juin cette année a semblé notablement plus calme. Christie’s a maintenu sa décision de ne pas organiser de grande vente de soirée, optant plutôt pour une vente « Post-War to Present Day Sale ». Phillips a suivi la même formule que l’an dernier, regroupant ses ventes de soirée et de journée « Modern & Contemporary » en une seule séance. Sotheby’s a conservé sa structure habituelle, avec des ventes de soirée et de journée pour l’art Moderne et Contemporain – mais même là, l'énergie était en berne.
La vente de soirée de Sotheby’s a sous-performé par rapport à l'année dernière. Et bien que les œuvres « Nudes » de Tamara de Lempicka et de Jenny Saville aient réalisé de bons résultats, l'ambiance générale était hésitante. Qu'il s'agisse des pressions macroéconomiques, de la prudence des vendeurs, ou des mêmes récits éculés que nous sommes tous un peu fatigués de revoir, un voile de calme planait (à nouveau) sur ce qui était autrefois un moment charnière et à enjeux élevés du calendrier.
Cela ne veut pas dire que les maisons de ventes sont à blâmer. Elles restent centrales sur le marché de l'art – des institutions fondamentales dotées de spécialistes dont l'expertise et l'enthousiasme façonnent le secteur depuis des décennies. Mais la réalité est que le marché est en mutation – et pas seulement le marché, mais aussi la conversation qui l'entoure. Pendant l'essor de l'ère du numérique ou les années post-pandémie hyperactives de 2019 à 2020, les enchères étaient la référence. Les collectionneurs faisaient confiance au modèle ; peu étaient prêts à prendre des risques ailleurs.
Aujourd'hui, le paysage est plus fragmenté. Les ventes en ligne sont devenues la norme, les outils algorithmiques orientent les valorisations, et les échanges sont plus rapides, plus publics et se déroulent dans plus d'endroits. Je ne suggère pas que ces évolutions remplacent le modèle traditionnel des enchères – mais elles le transforment. Ainsi, lorsque les grandes ventes aux enchères semblent ternes, il est bon de se souvenir que la majeure partie de l'activité, de l'énergie et de la liquidité se produit ailleurs : dans les ventes privées, sur les plateformes numériques et via des infrastructures alternatives qui ne faisaient même pas partie du tableau il y a cinq ans.
Pourquoi les ventes de jour méritent plus d'attention
Comme je l'ai déjà dit, la véritable effervescence des enchères — et sans doute les informations les plus fiables — se trouve dans les ventes de jour. Si vous continuez à les ignorer, vous passez à côté de là où se concentre une grande partie de la liquidité.
Deux résultats marquants proviennent des estampes de David Hockney, intitulées Arrival of Spring :
– Lors de la Sotheby’s Contemporary Day Sale, 31st of May, No.1 s'est vendue 406 400 £.
– Lors de la Christie’s Post-War to Present, 4th of May a atteint 504 000 £, égalant le record actuel aux enchères pour une autre édition de cette même variation, établi pour la première fois chez Phillips en 2022.
Ces deux estampes constituent désormais les éditions individuelles les plus prisées de tout le marché de Hockney. Ce sont toutes deux des éditions grand format limitées à seulement 10 exemplaires. Si les résultats publics sont impressionnants, la demande sur le Marché Public est encore plus forte — je peux le confirmer de visu. La demande dépasse l'offre. Ces éditions sont jalousement conservées et placées avec soin par les représentants de la galerie de Hockney entre les mains de collectionneurs sérieux. Il est difficile de mettre la main sur l'une de ces œuvres sur le Marché Public. Et il ne s'agit pas seulement des œuvres elles-mêmes ; il s'agit de ce qu'elles représentent. Des éditions comme celles-ci offrent aux collectionneurs une combinaison de familiarité, de visibilité et une tarification stratégique. Elles ne sont plus considérées comme des points d'entrée, mais comme des acquisitions judicieuses en soi.
Quelques semaines auparavant, à Art Basel, Mid November Tunnel s'est vendue via Annely Juda Fine Art pour 13 à 17 millions de dollars (USD) — un rappel cinglant que le marché de Hockney reste solide, tant pour les éditions que pour les originaux. Découvrez les dernières analyses dans le Guide du vendeur David Hockney.
Pendant ce temps, Phillips a enregistré un solide résultat pour MP (1984) de Jean-Michel Basquiat, adjugée 4 millions de livres sterling — portant la vente 2 % au-dessus de son estimation haute et à seulement 2 % en deçà du prix marteau de l'année dernière, malgré l'offre d'un plus petit nombre de lots. C'est notable : l'équivalent de 2024 est ressorti 15 % sous l'estimation, ce qui suggère qu'il y a désormais une attention plus pointue portée à l'ajustement des prix.
Un mois solide pour les estampes - à Londres et à New York
Ce ne sont pas seulement les ventes de jour qui ont fait parler d'elles : le marché des éditions a montré sa force ce mois-ci. Phillips et Bonhams ont tous deux établi de nouveaux records aux enchères pour des œuvres majeures de la série Endangered Species de Warhol, avec des résultats remarquables pour African Elephant, Orangutan, Bald Eagle et Grevy’s Zebra. Pour une analyse complète de ces ventes, consultez notre dernier rapport d'enchères — et découvrez notre Guide du vendeur Warhol pour les informations les plus récentes sur son marché actuel et la valeur de ses estampes.
Art Basel 2025 © Avec l'aimable autorisation d'Art BaselPourquoi l'Expérience - et pas seulement les ventes - tirent le marché de l'art en 2025
D'après les rapports que j'ai lus - et pour la première fois depuis un certain temps - Art Basel semblait refléter le véritable sentiment du marché. Oui, les galeristes ont continué à vanter de grosses ventes (comme ils le font), mais l'énergie de cette année m'a semblé plus crédible. L'année dernière, l'humeur générale était attribuée au « doom porn » ; cette fois, elle paraissait plus vivante.
Kenny Schachter a parfaitement saisi ce changement lors de The Baer Faxt Live à Bâle, ouvrant son intervention par une phrase qui frappait fort :
« Si je lis encore un article sur « The End of the Art Market » (La fin du marché de l'art)... je vais être malade. »
Direct, comme toujours, il a rejeté le cynisme lassant - niant l'idée que les gens n'aiment plus l'art ou que les « expériences » remplaceraient la collection. Et il faut lui rendre justice, il n'a pas tort. Les gens aiment encore l'art. Mais je dirais que l'expérience n'est pas séparée de l'acte de voir ou de collectionner ; elle est l'acte lui-même. Les foires, les galeries, même les « drops » de produits de collection, ne sont pas seulement des lieux de transactions ; ce sont les environnements où le sens se crée. C'est là que la connexion s'établit. Et c'est sur ce message que nous devons redoubler d'efforts.
Image © Kasing Lung, édition spéciale de la poupée Labubu pour Art Basel, 2025 © Avec l'aimable autorisation d'Art BaselLa sortie du Blue Labubu : ce que le moment le plus viral de Bâle révèle sur les nouveaux collectionneurs
Un moment en particulier, cependant, a capturé où se situe réellement le marché de l'art : loin des maisons de ventes et des structures établies.
Une petite figurine bleue de Labubu, tenant un niveau à bulle en hommage aux installateurs d'œuvres, aurait pu ressembler à un événement secondaire, mais ce n'était pas le cas. Proposée en deux sorties sur place, au prix de 200 CHF (environ 250 $), les 100 éditions se sont vendues instantanément. Selon Carlie Porterfield de The Art Newspaper, quelqu'un offrait 5 000 $ en espèces pour l'une d'elles quelques minutes plus tard.
Il est tentant de rejeter cela comme un coup marketing, mais ce serait passer à côté de l'essentiel. Ces sorties parlent directement de la manière dont fonctionne la prochaine génération de collectionneurs. Pour eux, collectionner n'est pas seulement une question de propriété ; c'est participer à un moment. La rareté, les références culturelles, la viralité et le potentiel de revente font tous partie de leur système de valeurs. C'est une génération façonnée par le streetwear, les NFT et les marques natives du numérique. Ils n'adhèrent pas à la tradition ; ils rejoignent un réseau – un réseau bâti sur des moments partagés, la visibilité et le contexte culturel.
Bien sûr, ce n'est pas nouveau. Le monde de l'art a toujours commercialisé – et soigneusement mis en scène – des expériences exclusives. Pensons au dîner-exposition privé de Larry Gagosian, perché au-dessus des falaises de Capri, où les collectionneurs et artistes de premier plan se réunissaient à Casa Malaparte. Cela sonne cinématographique parce que ça l'est ! Ce ne sont pas seulement des moments sociaux, ce sont des cadres savamment chorégraphiés qui façonnent la manière dont une œuvre est vécue, mémorisée et valorisée. Il ne s'agit pas seulement d'exclusivité ; il s'agit d'atmosphère, de contexte et d'empreinte émotionnelle.
Mais les expériences sont, par nature, éphémères. Elles évoluent avec les courants culturels, les réalités économiques et les attentes générationnelles. L'erreur n'est pas de nier la valeur de l'expérience – c'est de croire qu'elle se présente aujourd'hui de la même manière qu'il y a cinq ans. Et actuellement, les expériences qui comptent sont souvent informelles, numériques, pilotées par des « drops » ou basées sur la communauté. C'est à cela que nous devrions prêter attention, car c'est là que la prochaine génération de collectionneurs est en train de former ses habitudes.
Je vais forcément faire le lien avec le marché des éditions d’artistes « blue chip » – et voici pourquoi
Écoutez-moi bien : je ne dis pas cela pour faire de l’effet, car la corrélation est bien réelle. Ce changement se reflète clairement dans le marché des estampes. Les estampes d’artistes « blue chip » comme Hockney, Warhol et Haring se situent désormais précisément à l’intersection de l’art, de la culture et de l’identité. Elles sont proposées à un prix accessible (relativement), sont instantanément reconnaissables, et portent le même poids sémiotique que des produits dérivés très convoités – elles disent quelque chose sur qui vous êtes, ce que vous appréciez et à quoi vous appartenez.
Mais elles offrent aussi autre chose : un système. Une structure visible, traçable et, à bien des égards, ludifiée. Pour de nombreux collectionneurs de la nouvelle génération, les éditions fonctionnent presque comme la bourse – familières, stratégiques et pilotées par les données. On peut suivre les valeurs, anticiper le marché, comparer les performances et prendre des décisions aussi tactiques que personnelles.
C’est pourquoi les plateformes d’échange en ligne sont plus importantes que jamais. Elles n’offrent pas seulement une transparence des prix, elles permettent la participation. Elles rendent l'accès plus équitable, encouragent une circulation fluide entre les types d'acheteurs, et donnent aux utilisateurs les outils nécessaires pour considérer la collection à la fois comme une passion et comme un portefeuille. Cette même logique s'est manifestée dans l'engouement pour Labubu à Bâle : offre limitée, accès privilégié et potentiel de revente rapide – le genre de mécanismes qui résonnent auprès d'une base de collectionneurs façonnée par les « hype drops » et les outils de suivi en temps réel.
Que vous trouviez cela excitant ou inquiétant, c'est déjà en train de remodeler le marché. Le véritable défi aujourd'hui n'est plus seulement de suivre les ventes, mais de comprendre ce qui leur donne un sens. Car si la collection doit rester pertinente, elle doit être dynamique, visible et vivante – non seulement pour les institutions et les initiés, mais aussi pour les réseaux qui construisent en temps réel la prochaine version du marché de l'art.
Ce que tout cela signifie pour le marché à venir
Juin n'a pas offert de spectacle, mais il a apporté de la clarté. Les ventes de jour sont l'endroit où la compréhension des prix est la plus visible, le marché des estampes se comporte de plus en plus comme une classe d'actifs structurée, et l'engagement des collectionneurs est de plus en plus motivé par le contexte et l'expérience, et pas seulement par la qualité de l'œuvre. Ce ne sont pas des changements marginaux : ils indiquent une redéfinition plus large de l'endroit où se situe la valeur, de la manière dont elle est signalée et de qui est autorisé à y participer. Alors que nous entrons dans la période plus calme de l'été, il est intéressant d'observer non seulement qui achète, mais aussi comment et pourquoi.