Conférence Art Business 2025 : Des clics à la connoisseurship

Le cadre de Charlotte offrait une grille de lecture pour le reste des conversations de la journée. La véritable question n'était pas la contraction contre la reprise, ni l'IA bonne contre l'IA mauvaise. Il s'agissait plutôt de savoir si le marché de l'art pouvait s'adapter aux acheteurs nés du numérique, accepter la transparence et moderniser ses systèmes sans éroder l'expertise qui fonde la confiance.

Le risque d'uniformisation de l'expertise sur le marché de l'art numérique

Elle a mis en garde contre le risque d'uniformisation des compétences. Sur un marché où l'information est instantanée, abondante et facilement reproductible, la commodité a explosé, mais il est plus difficile de conserver la profondeur de l'expertise. Il y a vingt-cinq ans, acheter une estampe de Hockney impliquait d'entrer dans une salle des ventes de Christie's, catalogue à la main, entouré de spécialistes. Aujourd'hui, un jeune de 25 ans peut trouver la même œuvre sur Instagram, suivre sa valeur en ligne et effectuer la transaction sur son téléphone. « La commodité est phénoménale », a déclaré Charlotte, « mais le risque d'érosion de la connaissance spécialisée l'est tout autant. »

Les estampes et les multiples au cœur des nouvelles tendances de collection

Deuxièmement, elle a placé les estampes et les multiples en première ligne de ce changement. Autrefois considérées comme périphériques, les estampes sont désormais une catégorie de collection très prisée. Elles sont accessibles, riches en données et attrayantes pour les acheteurs plus jeunes, nés à l'ère du numérique. Mais elles sont aussi complexes : la qualité du papier, la taille de l'édition, les marques du tireur et la provenance peuvent toutes affecter considérablement la valeur. Les estampes sont accompagnées de jeux de données que les originaux n'ont pas – des œuvres comparables à travers les éditions et des historiques de vente qui offrent une transparence inhabituelle. Pourtant, ces chiffres exigent une interprétation experte. Avec la connaissance requise, les estampes intègrent pleinement l'écosystème du luxe, se collectionnant avec le même appétit pour la rareté et la négociabilité que les montres ou les sacs à main.

Investir dans les éditions : préserver la valeur et gagner en confiance

Charlotte a également abordé le malaise du monde de l'art face au langage de l'investissement – un cadre qu'elle soutient ouvertement, compte tenu de la liquidité et de la négociabilité qu'offrent les éditions. Elle a soutenu que préserver la valeur n'est pas en conflit avec le savoir-faire, mais en fait partie intégrante. Pour les nouveaux collectionneurs qui arrivent sur le marché par le biais des éditions, la confiance financière est ce qui leur permet de participer. Les estampes, a-t-elle suggéré, fonctionnent moins comme des paris spéculatifs que comme des actifs à long terme : des détentions durables qui rendent le marché accessible sans pour autant en diminuer le sérieux.

L'intelligence artificielle et l'infrastructure du marché de l'art

Enfin, elle a recadré la discussion autour de l'IA et de l'infrastructure. Plutôt qu'une menace pour la créativité ou l'expertise, a-t-elle soutenu, le véritable potentiel de l'IA réside dans la modernisation des systèmes sous-jacents du marché – des expertises à la logistique et aux données. Lorsqu'elle est appliquée à des ensembles de données propriétaires et mise à l'échelle grâce à l'apprentissage automatique, l'IA peut étendre la portée des spécialistes sans les remplacer. Un algorithme peut signaler qu'une déclinaison de couleur de Warhol surperforme une autre, mais seul un spécialiste formé peut expliquer pourquoi – et si cela est pertinent dans le contexte actuel du marché.

Elle a conclu que la commodité sans expertise risque de vider le marché, tandis que s'accrocher à des systèmes obsolètes risque de faire fuir la prochaine génération. La voie à suivre réside dans l'équilibre : le clic avec le savoir-faire, les algorithmes avec l'interprétation, la transparence avec la confiance. « Les clics peuvent attirer les gens », a déclaré Charlotte. « Mais c'est le savoir-faire qui les retient. »

Cet équilibre entre rapidité et expertise est également à l’origine du changement démographique. Lors de la séance d'ouverture, Martin Wilson, PDG de Phillips, interrogé par la présidente de la conférence, Georgina Adam, a décrit le marché de l'art comme étant à la croisée des chemins. Son message principal était que le grand transfert de richesse est aussi un grand transfert de goût. C'est un sujet sur lequel j'ai moi-même écrit et fait des recherches : on ne peut pas voir le transfert de richesse – il n'est pas tangible – mais des tendances claires prouvent qu'il se produit en temps réel. Les enfants des collectionneurs établis n'héritent pas simplement de collections ou ne suivent pas les schémas parentaux. Ils recherchent des œuvres qui reflètent leurs propres valeurs : l'identité, la durabilité et un lien avec les artistes vivants.

Artistes Vivants, Héritages Blue Chip et le Rôle des Estampes

Wilson a souligné que les artistes vivants ont toujours fait partie de l'ADN de Phillips – un positionnement qui, à mon avis, place cette maison de vente aux enchères en avance sur les autres et ne fait que gagner en pertinence. Les jeunes générations souhaitent interagir directement avec les artistes et sentir qu'elles font partie de leur univers. Il s'agit moins d'acquérir un trophée que de cultiver un sentiment d'appartenance.

Son insistance sur les artistes vivants a été une manière percutante d'ouvrir la conférence. Pourtant, cela soulève également des questions concernant les héritages blue chip. Les jeunes générations sont peut-être galvanisées par les artistes vivants à l'heure actuelle, mais les grands noms du XXe siècle ne vont nulle part ; leur poids sur le marché est trop solidement établi. Warhol, Hockney, et d'autres demeurent parmi les noms les plus échangés et les plus fiables sur le marché secondaire. Le défi n'est pas leur survie, mais la manière dont leur importance est présentée aux côtés de l'énergie entourant la pratique contemporaine.

C'est là que l'accent mis par Wilson sur l'évolution des goûts et l'emphase de Charlotte sur le savoir-faire convergent. Les estampes comblent le fossé : elles permettent aux artistes vivants d'atteindre de nouveaux acheteurs natifs du numérique, tout en préservant la pertinence des héritages blue chip grâce à la rareté, aux données et à l'interprétation spécialisée. Dans un marché partagé entre l'immédiateté et la profondeur, les estampes sont le format capable de concilier les deux.

Comment les jeunes collectionneurs redéfinissent le marché des estampes

Il ne s'agit pas d'un rejet du passé du marché, mais d'une redéfinition de ce qui motive les goûts. Comme l'ont souligné Wilson et Charlotte lors de leurs discussions respectives, les jeunes acheteurs recherchent l'immédiateté, la transparence et l'accès direct. Ils s'informent via Instagram, leurs pairs et les réseaux en ligne plutôt que de se fier aux intermédiaires traditionnels. Ils veulent de l'engagement sans intermédiaires.

C'est aussi pourquoi les éditions se sont montrées résilientes. À l'instar des montres de luxe ou des sacs à main, elles prospèrent sur des marchés où convergent la rareté, la négociabilité et la communauté. Les éditions offrent aux jeunes collectionneurs une porte d'entrée vers les héritages d'artistes blue chip qui leur semble transparente et connectée. Et lorsqu'elles sont associées à l'expertise et à l'interprétation, elles deviennent le pont entre les noms établis et une nouvelle génération d'acheteurs – ouvertes dans leur forme, mais soutenues par le savoir-faire.

Rapport Artnet Intelligence : Lacunes en matière de stratégie et d'éducation

On pourrait tirer la même conclusion de l’Intelligence Report présenté par Naomi Rea et Margaret Carrigan d'Artnet. Leur analyse a mis en lumière un marché toujours sous pression : les prix moyens sont en baisse, la surabondance continue de peser sur les ventes, et la confiance reste modérée au sommet du marché. Pourtant, l'envie de vivre avec l'art ne disparaît pas ; il subsiste des poches de résistance, notamment sur les niveaux de prix inférieurs et dans les segments ultra-contemporains.

Mon interprétation est que l'appétit demeure fort, mais ce qui manque actuellement au marché, c'est une réelle stratégie et une bonne éducation. C'est là que notre rôle d'experts prend tout son sens. Les données peuvent révéler une contraction ou une croissance, mais elles ne peuvent pas, à elles seules, expliquer comment les collectionneurs doivent aborder le prochain cycle. Les chiffres n'acquièrent de signification que lorsqu'ils sont interprétés et contextualisés, ce qui nous rappelle une fois de plus que le savoir-faire et l'expertise demeurent le fondement de la confiance du marché.

Conseil Artistique et le Rôle de l'Expertise

Le reste des discussions de la journée a confirmé ce même équilibre entre rapidité et substance. Le panel de conseillers, avec des intervenants de The Fine Art Group et de Beaumont Nathan, a souligné que les collectionneurs d'aujourd'hui exigent commodité et orientation personnalisée – le plaisir de la découverte, mais une découverte façonnée de la bonne manière. Un accès unique aux marchés public et privé est demandé, mais la confiance demeure la véritable monnaie d'échange.

Ceci aussi s'aligne sur les avancées de la technologie, qui peut étendre la portée, mais ne peut remplacer l'expertise. Les conseillers, tout comme les marchands, ne sont pas supplantés par les nouveaux outils ; leur rôle évolue avec eux. Les plateformes numériques peuvent offrir l'accès, mais c'est l'interprétation spécialisée qui fonde la confiance et la légitimité. L'avenir du conseil ne réside pas dans la résistance au changement, mais dans l'utilisation de la technologie pour renforcer l'expertise plutôt que pour l'éroder.

Logistique, politique culturelle et infrastructure du marché

La LCB-FT (Lutte contre le blanchiment de capitaux et le financement du terrorisme) a également été abordée lors de la conférence, en se concentrant sur la manière dont la réglementation et la conformité sont en train de remodeler la circulation des œuvres d'art. Les flux commerciaux, les régimes fiscaux et la logistique transfrontalière n'ont peut-être pas le prestige des ventes spectaculaires, mais ils constituent une partie de l'infrastructure essentielle qui soutient la confiance et détermine la manière dont les œuvres circulent à l'échelle mondiale. Ces questions structurelles ont naturellement mené à un autre domaine qui fait rarement la une des actualités du marché de l'art, mais qui n'en est pas moins puissant : la politique culturelle.

Animé par Jane Morris de The Art Newspaper et Culture Shock, le panel a réuni des voix influentes issues de la politique et de grandes institutions, notamment le Victoria & Albert Museum, Frieze et The Cultural Policy Unit. La discussion a souligné à quel point les cadres culturels peuvent être fragiles et à quel point ils nécessitent un soutien accru de toute urgence si le Royaume-Uni veut maintenir son rôle de plaque tournante culturelle. La politique culturelle a été présentée non seulement comme une question propre au monde de l'art, mais comme une question de stratégie nationale et de « soft power » (puissance douce).

La fresque murale de Banksy aux Royal Courts of Justice a également été évoquée – pas le cœur du débat, mais un exemple révélateur qui m'est resté en mémoire. Pour moi, elle a mis en lumière une question plus vaste : comment la politique culturelle du Royaume-Uni va-t-elle gérer les œuvres d'art à forte charge politique, et quelles protections seront mises en place ? L'art urbain est créé pour être vu et pour susciter l'engagement, pourtant cette œuvre a été rapidement recouverte parce que son message politique était jugé trop cru. Cet incident révèle également un problème plus profond : le monde de l'art ne manque pas de capitaux, mais bien trop peu sont dirigés vers le secteur public. Sans un financement plus solide pour l'infrastructure culturelle, les œuvres politiquement chargées restent vulnérables – laissées à être recouvertes ou mises de côté lorsqu'elles deviennent gênantes. Tant que la politique culturelle n'aura pas réglé ce déséquilibre, les systèmes censés protéger et présenter les œuvres accuseront un retard sur les réalités de la manière dont elles sont créées, partagées et vécues.