L'essor des plateformes numériques et des installations immersives

Les installations d'art immersif sont des œuvres d'art expérientielles et à grande échelle conçues pour solliciter les sens, enveloppant les participants dans un environnement multisensoriel complet. Ces installations combinent souvent des éléments visuels, auditifs, tactiles (et parfois olfactifs) pour créer une expérience globale. L'objectif est d'immerger le spectateur dans l'œuvre, brouillant les frontières entre l'observateur et l'art lui-même, favorisant un profond sentiment de présence et d'interaction. Il est cependant difficile de déterminer précisément le début de l'histoire de l'art immersif ; après tout, comment commencer à fixer ces limites ? L'art pariétal comptait-il comme une expérience immersive ? Ou les églises baroques, peut-être ?

L'art immersif tel que nous le connaissons aujourd'hui a vu le jour au milieu des années 1960. En 1965 à Londres, Gustav Metzger a créé Liquid Crystal Environment, une œuvre caractérisée par des motifs tourbillonnants projetés par la lumière et créés à partir de cristaux liquides thermosensibles, encapsulant l'essence de l'art immersif en enveloppant physiquement les spectateurs dans un environnement dynamique.

Ce courant a gagné en reconnaissance l'année suivante, lors de sa présentation pendant une performance des groupes Cream, The Move et The Who au Roundhouse à Londres. Cette œuvre a établi un précédent pour l'art immersif en tant qu'outil permettant d'améliorer et de transformer les événements et les espaces publics. La même année que la création de Metzger, Yayoi Kusama réalisait sa toute première Infinity Room – Phalli’s Field à la Castellane Gallery de New York. Alors que l'œuvre de Metzger reposait sur le principe de l'Auto-Creation – c'est-à-dire qu'elle était uniquement déterminée par les réactions chimiques de l'œuvre – Kusama adoptait une approche différente. Elle concevait méticuleusement un environnement selon ses spécifications, utilisant la répétition et les miroirs pour créer une sensation d'infini.

Plus récemment, le potentiel de transformation de l'art immersif s'est confirmé en 2003 avec The Weather Project de Olafur Eliasson dans la Turbine Hall de la Tate Modern. En simulant un microclimat intérieur complet avec une atmosphère brumeuse et un soleil radieux, l'installation d'Eliasson a transcendé les formats d'exposition d'art traditionnels pour devenir un espace communautaire où le public interagissait directement avec les éléments. Cette installation a souligné la capacité de l'art immersif à créer des expériences partagées, favorisant un sentiment d'unité et de connexion personnelle avec l'œuvre.

Ces jalons dans l'évolution de l'art immersif mettent en lumière une tendance croissante à créer des environnements qui ne sont pas seulement vus, mais vécus. À mesure que la technologie progresse, les artistes continuent d'explorer de nouvelles façons de capter l'attention du public, en utilisant les médias numériques, les éléments interactifs et les interventions environnementales pour concevoir des expériences immersives plus accessibles, plus engageantes et plus percutantes.

Les Chambres infinies de Yayoi Kusama

Depuis sa première incursion dans ce médium en 1965, Kusama est devenue l'une des artistes les plus importantes de notre époque – en grande partie grâce à la popularité virale de ses Infinity Rooms (Chambres infinies). Au cours de sa carrière, elle en a créé plus d'une vingtaine, dont beaucoup comptent parmi les contributions les plus emblématiques et révolutionnaires à l'art immersif. Ces installations sont des espaces méticuleusement conçus qui utilisent des miroirs, des lumières et des motifs répétés pour créer l'illusion de paysages vastes et infinis. L'œuvre de Kusama est profondément ancrée dans ses expériences personnelles et ses explorations psychologiques ; elle utilise le concept d'infini pour se perdre et se retrouver elle-même dans l'immensité de l'univers. Les Infinity Rooms, extrêmement « instagrammables », invitent les spectateurs à entrer dans un monde où les frontières entre le soi et le cosmos environnant s'estompent, offrant une expérience unique qui a explosé en popularité depuis l'avènement des réseaux sociaux. Chaque chambre, tout en partageant le thème commun de l'infini, raconte une histoire différente par sa configuration spécifique de couleurs, de lumières et d'objets. Pour Kusama, ces espaces ne sont pas de simples spectacles visuels ; ce sont de profondes méditations sur la vie, la mort et la nature éternelle de l'univers. Les Infinity Rooms de Kusama ont fasciné des millions de personnes à travers le monde, devenant des destinations incontournables qui attirent souvent un nombre record de visiteurs. Elles sont désormais synonymes de l'expérience immersive contemporaine, stimulant un élan accru pour l'art immersif à l'échelle mondiale.

Antony Gormley : Blind Light à la Hayward Gallery, 2007

Lors de sa première exposition majeure au Royaume-Uni, tenue à la Hayward Gallery, Antony Gormley a créé Blind Light – une série d'installations monumentales et spécifiques au site qui interagissaient avec leur environnement et les visiteurs. La pièce maîtresse était l'œuvre éponyme, qui consistait en un caisson lumineux rempli d'un mélange. Cela permettait aux spectateurs à l'intérieur du caisson d'interagir avec ceux qui se trouvaient à l'extérieur, chacun apparaissant à l'autre sous forme de silhouette. À l'intérieur du caisson, un sentiment de désorientation était partagé par les personnes présentes. L'exposition a connu un succès retentissant, atteignant un niveau de notoriété virale avant même que le terme n'existe.

David Hockney : Plus grand et plus proche

En 2023, David Hockney s'est associé à l'équipe de conception 59 Studios pour créer Bigger & Closer dans l'espace innovant Lightroom. Contrairement aux autres expériences immersives apparues ces dernières années, Bigger & Closer se distingue en créant un lien intime entre les œuvres de Hockney et le public. La qualité immersive du spectacle n'a pas seulement transporté les spectateurs dans l'art de Hockney, elle les a aussi invités dans son atelier, leur offrant une place aux premières loges pour assister aux étapes clés et aux transformations de sa carrière, dans une représentation intimiste qui rappelle davantage une biographie filmée. L'exposition a débuté par un timelapse de ses dessins sur iPad, mettant en lumière son adoption des médiums numériques depuis 2010, avant de se dérouler en six chapitres qui ont plongé les visiteurs dans le processus créatif et la vision du monde de Hockney. Les spectateurs ont été emmenés dans une expérience multisensorielle à travers les Wagner Drives, les scénographies d'opéra, les bassins de natation et les carnets de croquis, chaque chapitre illustrant l'utilisation novatrice de la technologie pour présenter l'ensemble de l'œuvre de Hockney.

Ce mouvement vers les espaces d'art numérique a été alimenté par les avancées technologiques et l'évolution des attentes des spectateurs, menant à la création de plateformes innovantes pour présenter des œuvres qui redéfinissent les paramètres de l'engagement. La popularité d'artistes comme Kusama a stimulé une tendance au développement de nouveaux lieux d'art numérique, conçus exclusivement pour accueillir des installations immersives. Ceux-ci présentent souvent des expositions itinérantes, parfois centrées sur le corpus d'un maître ancien. C'est le cas de certaines des expositions les plus visitées – et les plus célèbres sur les réseaux sociaux – comme la Claude Monet Immersive Experience et la Van Gogh Experience. Celles-ci peuvent transporter les visiteurs dans d'autres mondes sans quitter une pièce, rendant des œuvres célèbres et complexes accessibles à un public plus large. Bien qu'elles fassent l'objet de critiques, ces artistes n'ayant jamais souhaité que leurs œuvres soient vécues de cette manière particulière, ces lieux attirent souvent des visiteurs qui ne s'engageraient pas habituellement avec les formes d'art traditionnelles, élargissant ainsi l'attrait et la compréhension de l'art.

Les lieux d'art numérique offrent des avantages uniques par rapport aux galeries et musées traditionnels, notamment l'accessibilité, l'interactivité et la capacité de présenter des œuvres qui transcendent les limites physiques. La première galerie d'art numérique immersive permanente du Royaume-Uni a ouvert ses portes à Coventry en mai 2022. D'autres lieux à Londres comprennent Frameless et Outernet, qui a enregistré 6,25 millions de visiteurs au cours de sa seule première année d'exploitation, tandis que l'Atelier Des Lumières a acquis une reconnaissance et un succès généralisés à Paris, attirant plus de 1,2 million de visiteurs au cours de ses neuf premiers mois en 2018. Alors que les lieux d'art numérique continuent d'évoluer, ils offrent un aperçu de l'avenir des expériences artistiques, suggérant une évolution vers des formes d'engagement plus interactives, personnalisées et immersives. Cette tendance pourrait fondamentalement modifier la manière dont l'art est conçu, présenté et vécu, soulignant l'importance croissante de la technologie et de l'innovation dans le façonnement des expériences culturelles et esthétiques.

Alors que la popularité de l'art et des expériences immersives augmente, surtout auprès des jeunes publics, un nombre croissant de lieux adopte ce médium. Grâce à l'utilisation de technologies de pointe telles que la réalité virtuelle et augmentée, le mapping vidéo et des systèmes sonores sophistiqués, ces espaces créent des lieux où la frontière entre le spectateur et l'œuvre s'estompe, favorisant une nouvelle manière d'interagir avec l'art.

Bien que toutes les installations immersives ne reposent pas sur la technologie numérique – certaines exploitant les espaces et les matériaux physiques de manière novatrice pour engager les spectateurs (ce qui est souvent le cas des Infinity Rooms) –, la réalité augmentée (RA), la réalité virtuelle (RV) et le mapping vidéo tendent à jouer un rôle prépondérant. La RA permet aux spectateurs d'interagir avec des éléments numériques superposés à des espaces ou objets physiques via des dispositifs comme les smartphones, les tablettes ou les lunettes de RA, tandis que la RV plonge complètement les utilisateurs dans un environnement numérique, les détachant du monde physique. Le mapping vidéo utilise des projecteurs pour diffuser des images sur des surfaces de forme irrégulière, les transformant en écrans dynamiques. Il est particulièrement puissant dans les installations immersives, car il peut modifier la perception de l'échelle, de la profondeur et de la réalité, enveloppant les spectateurs dans un spectacle visuel qui interagit avec l'architecture et la topographie de l'espace lui-même.

L'un des leaders notables en matière d'innovation technologique est le collectif d'artistes japonais nommé teamLab, représenté par la Pace Gallery depuis 2014. Il s'agit d'un collectif interdisciplinaire qui marie l'art, la science, la technologie et le monde naturel grâce aux efforts conjugués d'artistes, de programmeurs, d'ingénieurs, d'animateurs 3D, de mathématiciens et d'architectes. La mission du collectif est d'explorer de nouvelles perceptions de la relation entre soi et le monde, encourageant une vision de la vie comme une existence continue et sans frontières. Les œuvres novatrices de teamLab, qui visent à dissoudre les séparations perçues dans notre compréhension du monde et à souligner la continuité interconnectée du temps et de l'existence, leur ont valu une place dans les collections permanentes d'institutions prestigieuses du monde entier, dont l'Art Gallery of New South Wales à Sydney, l'Asian Art Museum à San Francisco et la National Gallery of Victoria à Melbourne, entre autres.

Les installations d'art immersif se caractérisent par leur capacité à transformer la perception, encourageant les participants à faire partie de l'œuvre par l'interaction. Cela peut mener à des expériences uniques et personnalisées qui suscitent la réflexion, éveillent des émotions et stimulent l'imagination, faisant du spectateur un acteur de l'art plutôt qu'un simple observateur passif. Leur popularité croissante en témoigne largement, mais elle fait également l'objet d'un examen attentif de la part du monde de l'art plus traditionnel, engendrant des implications culturelles et sociétales profondes. Si les espaces d'art numérique et les installations immersives ont démocratisé l'accès à l'art, en faisant tomber les barrières géographiques et socio-économiques qui limitaient traditionnellement le public, certains critiques estiment que la nature numérique de l'art immersif risque de diluer l'authenticité et la valeur intrinsèque des formes d'art traditionnelles.

La reproductibilité et la nature éphémère des œuvres numériques peuvent également soulever des questions quant à leur pérennité, leur importance et leur place dans le canon historique de l'art. Cependant, les installations immersives sont conçues comme des expériences partagées, ce qui peut renforcer les liens communautaires et stimuler l'interaction sociale – comme en témoigne The Weather Project. Elles abordent souvent des thèmes et des enjeux universels, suscitant le dialogue et la réflexion sur les défis sociétaux, agissant ainsi comme des catalyseurs de cohésion sociale et de sensibilisation.

La nature interactive de l'art immersif modifie la manière dont le public consomme et appréhende les œuvres, favorisant une participation active au détriment de l'observation passive. Ce changement encourage un lien plus profond et plus personnel avec l'œuvre, pouvant modifier la perception publique de l'art et de son rôle dans la société. Mais on craint aussi qu'une dépendance excessive à la technologie numérique ne masque des compétences et des expressions artistiques fondamentales. L'accent mis sur le spectacle au détriment du fond pourrait nuire aux aspects plus profonds et contemplatifs de l'engagement artistique, réduisant l'art à un simple divertissement.

Alors que le paysage des espaces d'art numérique et des installations immersives continue d'évoluer, les artistes, les conservateurs et les institutions doivent aborder ces défis et ces critiques avec réflexion. Trouver l'équilibre entre l'innovation technologique et l'intégrité artistique, assurer un accès équitable et favoriser un engagement significatif seront essentiels pour façonner l'avenir de l'art.