10 faits sur les Home Made Prints de Hockney

Au début de l'année 1986, Hockney installe trois photocopieurs de bureau standard dans son atelier et commence à produire ce qu'il nomme ses « Home Made Prints ». Ces machines lui permettent de travailler rapidement, spontanément et en toute autonomie. En réinsérant les feuilles dans le copieur pour ajouter des couches successives, il transforme un outil de bureau banal en un instrument de création artistique. Cette série s'inscrit dans les expérimentations de Hockney au milieu des années 80, période durant laquelle les nouvelles technologies et l'immédiateté stimulent sa pratique de l'estampe.

Hockney percevait le photocopieur à la fois comme une caméra à plat qui « n'a jamais cherché à représenter l'espace » et comme une presse à imprimer automatique. Cette double identité a façonné sa méthode : dessiner sur papier, photocopier ses œuvres, puis réintroduire la feuille dans la machine pour imprimer des couleurs successives. L'optique du photocopieur aplatissait les formes, transformant une machine de bureau en un outil de précision pour la construction d'images. Cette combinaison entre vision et création s'inscrivait parfaitement dans la réflexion de longue date de Hockney sur la manière dont les médias façonnent la perception.

Après des collaborations en gravure et en lithographie, Hockney a souhaité retrouver la liberté du dessin direct, sans les contraintes liées à la préparation des plaques ou aux plannings des ateliers. Les Home Made Prints lui ont offert cette autonomie tout en préservant ce qu’il affectionnait dans l’estampe : la superposition, la netteté du tracé et la transposition du dessin en couleur. Hockney pouvait ainsi évaluer, retoucher et réimprimer ses œuvres en quelques minutes, conservant l’énergie d’un atelier de peintre et adaptant la logique de l’estampe à une pratique plus rapide, plus personnelle et plus spontanée.

La lithographie couleur traditionnelle construit les images à partir de plusieurs pierres ou plaques, mais cette série les a élaborées en faisant passer la même feuille de papier au copieur à plusieurs reprises. Chaque passage ajoute un champ de couleur ou de texture, préservant ainsi le principe de l'estampe par superposition d'encres, tout en s'affranchissant de la nécessité d'un équipement lourd. Estampe après estampe, la profondeur est née de ces couches superposées plutôt que d'un brillant de surface, prouvant que la simplicité technique peut toujours engendrer des résultats riches et dimensionnels.

Contrairement aux encres d'imprimerie à base d'huile, le toner de photocopieur se fixe au papier par la chaleur. Le résultat est une densité mate que Hockney a exploitée, notamment dans des œuvres telles que Grey Blooms. Ce pigment thermofixé produit des noirs très profonds, dépourvus du reflet brillant de l'huile, accentuant ainsi les contrastes dans toute la série Home Made. L'effet du toner est devenu une innovation créative, permettant à Hockney d'obtenir des noirs veloutés se détachant sur des teintes vives.

Bien que les photocopieurs des années 1980 aient limité le format des feuilles, Hockney a su contourner cette contrainte en assemblant plusieurs feuilles imprimées pour créer des œuvres telles que Office Chair et Self Portrait. Cette approche était conceptuelle, révélant les images comme des constructions où le spectateur peut clairement distinguer l'unité de l'œuvre et le travail de création. Ce style fait écho à sa série antérieure de Photo Collages, étendant les Home Made Prints vers des compositions ambitieuses à grande échelle.

Le changement de cartouches et la superposition des impressions ont permis à Hockney d'expérimenter les couleurs et d'épaissir les ombres, mimant ainsi la peinture tout en conservant la rapidité de l'estampe. « Bowl of Fruit » illustre la manière dont les couleurs primaires saturées côtoient des gris et des noirs, l'absence de temps de séchage permettant une itération immédiate. Cette réactivité fut au cœur des Home Made Prints, véritable boucle de rétroaction où la couleur pouvait être expérimentée, testée et adaptée.

Dès ses années d'école d'art, Hockney a entrepris une exploration, qui durera toute sa vie, de la manière dont les images décrivent l'espace. Le plateau du photocopieur a contraint les objets, les dessins et les textures à s'inscrire dans un plan unique, comprimant ainsi la perspective tout en utilisant la couleur et le contour pour structurer la forme. Cette série s'inscrit dans la lignée de ses Joiners et de ses dessins numériques ultérieurs, où le médium occupe une place aussi centrale que le sujet lui-même. En adoptant un appareil conçu pour la reproduction, Hockney a mis en lumière la façon dont les technologies façonnent ce que nous voyons et notre manière de le voir, et comment les artistes peuvent exploiter ces mécanismes pour créer de nouveaux sens.

L'adoption par Hockney du photocopieur a marqué le signe qu'une pratique artistique exigeante pouvait naître de la technologie du quotidien, abaissant ainsi les barrières perçues de l'estampe. Ces œuvres ont immédiatement suscité un vif intérêt, circulant dans des centres majeurs tels que New York, Los Angeles, Tokyo et Londres moins d'un an après leur création. Cette diffusion rapide a permis d'élargir le public de ses éditions et a souligné la pertinence de la série bien au-delà de l'atelier. « Home Made Prints » a ainsi agi comme une véritable percée technique et une invitation à l'innovation.

Malgré leur origine « artisanale », Hockney a présenté ses estampes dans d'opulents cadres dorés, choisis spécifiquement par l'artiste. Ce choix visait délibérément à élever ces estampes — réalisées à l'aide de matériel courant — au rang de « grand art ». Les cadres incitent le spectateur à examiner de plus près des surfaces qui, sans cela, pourraient être négligées, révélant ainsi le travail de superposition des impressions, la densité des noirs du toner et la délicatesse des couleurs en surimpression.