10 faits sur les estampes « Home Made Prints » de Hockney

Début 1986, Hockney installa trois photocopieurs de bureau standards dans son atelier et commença à produire ce qu'il nomma ses « Home Made Prints ». Ces machines lui permirent de travailler rapidement, spontanément et entièrement seul. En faisant passer les feuilles à nouveau dans le copieur pour ajouter des couches supplémentaires, il transforma un outil de bureau banal en un outil pour les beaux-arts. Cette série s'inscrit dans la lignée des expérimentations de Hockney au milieu des années 80, une période où les nouvelles technologies et l'immédiateté séduisaient son approche de la gravure.

Hockney considérait le copieur comme un appareil photo à plat qui « n’essayait jamais de représenter l’espace » et également comme une presse d’impression automatique. Cette double identité a façonné sa méthode : dessiner sur papier, les copier, puis réintroduire la feuille pour imprimer des couleurs successives. L’optique du copieur aplatissait les formes, transformant ainsi une machine de bureau en un outil précis pour construire des images. Cette combinaison entre voir et faire correspondait à l’exploration de longue date de Hockney sur la manière dont les médias façonnent la perception.

Après des collaborations en gravure à l’eau-forte et en lithographie, Hockney souhaitait avoir la liberté de dessiner directement, sans les délais liés à la préparation des plaques ou aux contraintes des ateliers. Home Made Prints lui a offert cette autonomie, tout en conservant ce qu’il appréciait dans l’estampe : la superposition, la clarté du trait et la transposition du dessin en couleur. Hockney pouvait évaluer, réviser et réimprimer en quelques minutes, conservant ainsi l'énergie d'un atelier de peintre et transposant la logique de la gravure en un savoir-faire plus rapide, plus personnel et plus spontané.

La lithographie couleur traditionnelle construit des images à partir de plusieurs pierres ou plaques, mais cette série les a créées en faisant passer la même feuille à travers la photocopieuse de manière répétée. Chaque passage ajoute un champ de couleur ou de texture, conservant le principe de la gravure par encres superposées tout en abandonnant le besoin d'un appareil lourd. Œuvre par œuvre, la profondeur provenait des couches superposées plutôt que de la brillance de surface, prouvant qu'une simplicité technique peut toujours produire des résultats riches et dimensionnels.

Contrairement aux encres d'impression à base d'huile, le toner de photocopieur adhère au papier par la chaleur. Il en résulte une densité mate que Hockney a exploitée, notamment dans des œuvres telles que Grey Blooms. Ce pigment fusionné par la chaleur produit des noirs très profonds, dénués du brillant réfléchissant de l'huile, ce qui accentue les contrastes dans toute la série Home Made. L'effet du toner est devenu une innovation créative, permettant à Hockney d'obtenir des noirs veloutés se détachant sur des teintes de couleur vives.

Les photocopieurs des années 1980 limitaient la taille des feuilles, mais Hockney a trouvé un moyen de contourner cet obstacle en assemblant plusieurs feuilles imprimées pour créer des œuvres telles que « Office Chair » et « Self Portrait ». Cette approche était conceptuelle, révélant les images comme des constructions où le spectateur peut explicitement percevoir l'unité et le travail de fabrication. Ce style rappelle sa série antérieure de Photo Collages, transformant les Home Made Prints en déclarations ambitieuses de grande échelle.

L'échange de cartouches et la surimpression ont permis à Hockney d'expérimenter les couleurs et d'épaissir les ombres, imitant la peinture mais à la vitesse de l'impression. Bowl of Fruit montre comment des couleurs primaires saturées voisinent avec des gris et des noirs, et l'absence de temps de séchage a permis une itération immédiate. Cette réactivité était essentielle pour les Home Made Prints, une boucle de rétroaction où la couleur pouvait être expérimentée, testée et adaptée.

Dès ses débuts aux beaux-arts, Hockney a entamé une exploration de toute une vie sur la manière dont les images décrivent l'espace. Le plateau du photocopieur obligeait les objets, les dessins et les textures à n'occuper qu'un seul plan, comprimant la perspective tout en utilisant la couleur et le contour pour véhiculer la forme. Cette série côtoie ses Joiners et ses dessins numériques ultérieurs, où le médium est aussi central que le sujet. En adoptant un appareil conçu pour la reproduction, Hockney a révélé comment les technologies façonnent ce que nous voyons et comment nous le voyons, et comment les artistes peuvent utiliser ces mécanismes pour créer de nouvelles significations.

L'adoption du photocopieur par Hockney a signalé qu'un art sérieux pouvait émerger d'une technologie quotidienne, abaissant les barrières perçues de la gravure. Les œuvres ont connu un succès immédiat, voyageant vers des centres majeurs comme New York, Los Angeles, Tokyo et Londres un an après leur création. Cette diffusion rapide a élargi le public pour ses éditions et a souligné la pertinence de la série au-delà de l'atelier. Home Made Prints a fonctionné à la fois comme une percée technique et une invitation à l'innovation.

Malgré leur origine « faite maison », Hockney a fait monter ces estampes dans des cadres dorés opulents, spécifiés par l'artiste. Ce choix visait intentionnellement à élever les estampes — créées à l'aide de matériel informatique ordinaire — au statut de « grand art ». Les cadres incitent le spectateur à examiner de plus près des surfaces qui, autrement, seraient ignorées, révélant le travail de l'impression superposée, la densité des noirs de toner et la délicatesse des couleurs surimprimées.