David Hockney, dans sa série de 1963 intitulée A Rake’s Progress, réinterprète le conte moral du XVIIIe siècle de William Hogarth pour un public contemporain. À travers seize estampes réalisées à l'eau-forte et à l'aquatinte, David Hockney s'appuie sur son premier voyage à New York pour insuffler autoportrait et esprit dans un récit marqué par l'ascension et le détachement.
Hockney réinterprète le récit moral de Hogarth comme une chronique moderne de New York.
« A Rake’s Progress » de David Hockney transpose le conte moral de William Hogarth, datant du XVIIIe siècle, dans un périple contemporain au cœur de New York. Tout en conservant la narration structurée autour de l’arrivée, de la tentation et de la chute, Hockney substitue à Tom Rakewell une figure rappelant le jeune artiste lui-même, naviguant entre gratte-ciel, cages d’escalier et bars. Il en résulte une réinterprétation spirituelle et actuelle où le spectacle de la consommation, l’identité et l’aliénation remplacent les maisons de jeu de Hogarth. En refaçonnant un « sujet moral moderne » à l’ère des médias de masse, Hockney démontre comment la déchéance du libertin fait écho à la perte d’individualité au sein d’une société marchande.
Hockney a utilisé l'eau-forte et l'aquatinte pour façonner son langage visuel.
Hockney a dessiné directement sur des plaques de cuivre, combinant des lignes incisives à des aplats d'aquatinte. Cette association technique lui a permis de mettre en scène des figures distinctes sur des zones d'ombre mesurées. Travaillant principalement en monochrome, il a utilisé des touches stratégiques de rouge pour orienter le regard du spectateur : dans The Arrival et The Wallet Begins to Empty, le rouge accentue le contraste avec d'inquiétants vides noirs, tandis que dans The Gospel Singing, il incarne l'exaltation qui traverse la foule.
Les compositions minimalistes de Hockney intensifient le drame et le sens.
Là où la série de Hogarth est saturée de pièces encombrées d'accessoires et de personnages, Hockney délaisse l'espace dans sa réinterprétation. Espaces dépouillés, escaliers isolés et portes drapées de rideaux deviennent un décor psychologique, accentuant la vulnérabilité du « Rake ». Ce « non-lieu » cadre l'aliénation et transforme chaque motif en un indice que le spectateur doit décoder : le résultat est une scène moderne où le vide est éloquent et où la plus infime touche de rouge devient un pivot narratif.
« A Rake’s Progress » est une œuvre semi-autobiographique.
Dans « A Rake’s Progress », le personnage de Hockney arbore les cheveux décolorés et les lunettes rondes de l’artiste, apparaissant de profil tout au long de son périple. Cette odyssée, qui inclut la vie nocturne homosexuelle et le jeu de la séduction, capture l’effervescence et la liberté du New York du début des années 1960, tout en réinterprétant le vice de Hogarth comme une interrogation sur la construction de soi et le sentiment d’appartenance. Loin de représenter un effondrement moral, la tension se noue ici entre libération et conformisme, les moments d’euphorie (The Gospel Singing) cédant la place à un sentiment d’étrangeté (Disintegration et Cast Aside). La série s’impose comme une étude sincère de l’identité, mise en scène dans une ville qui offrit à Hockney autant d’aliénation que de liberté.
« A Rake’s Progress » utilise la satire pour critiquer la culture de consommation.
Le décor new-yorkais de Hockney substitue aux tripots de Hogarth la publicité et les médias de masse du New York des années 1960. Dans Disintegration, un panneau publicitaire pour du whisky domine la scène, suggérant la manière dont la publicité vend l'illusion d'une connexion tout en uniformisant le monde. Dans Bedlam, l'image finale de la série, Hockney suggère que la folie réside désormais dans le conformisme de masse plutôt que dans un quelconque effondrement moral.
Hockney utilise le rouge pour orienter l'émotion et le regard.
L’utilisation stratégique du rouge par Hockney ancre les entrées et les sorties, ponctue les discours et la signalétique, tout en soulignant le péril ou la révélation. Parce que tout le reste est monochrome, le rouge ressort, guidant le regard du spectateur à travers l’espace ouvert. Dans « The Election Campaign », Hockney utilise un lettrage rouge pour transformer le discours politique en spectacle, tandis que dans « The Drinking Scene » et « Disintegration », cette même couleur signale le désir et le déclin. Il s’agit d’une méthode simple mais puissante, utilisée pour orienter l’émotion et l’attention tout au long de la série.
Hogarth et Hockney reflètent chacun les anxiétés sociales de leur époque respective.
Hogarth et Hockney racontent tous deux l’ascension et la chute d’un homme au sein de la société, tout en reflétant les spécificités de leur époque respective. Là où Hogarth expose la cupidité et le vice du Londres du XVIIIe siècle, Hockney s’intéresse à la solitude et à la mise en scène de soi à l’ère moderne. Tous deux dépeignent le récit d’un jeune homme façonné puis défait par sa ville ; mais si Hogarth condamne la déchéance morale, Hockney explore quant à lui la perte de l’individualité dans un monde régi par les slogans et la répétition.
Hockney emprunte les techniques des maîtres anciens pour les réinterpréter à travers le langage du Pop Art.
Hockney puise dans les structures compositionnelles de la première Renaissance, dans la fusion de l'image et du texte propre à William Blake, ainsi que dans le récit sériel de Hogarth. Il associe ensuite ces éléments à une typographie inspirée des panneaux publicitaires, à des graphismes modernes et à de grands espaces ouverts. Ce mélange renouvelle le conte du XVIIIe siècle pour un public du XXe siècle, rendant le récit visuellement direct tout en le conservant riche en références et en signification.
« A Rake’s Progress » a marqué le début de la pratique narrative de David Hockney dans le domaine de l’estampe.
Cette série de 1963 établit une approche que Hockney reprendra tout au long de sa carrière : des séquences d'images racontant une histoire par le biais d'un trait distinctif et de décors épurés. Illustrations for Six Fairy Tales from the Brothers Grimm (1969), développée sur trois ans, témoigne de sa maîtrise croissante du dessin, tandis que The Blue Guitar (1976–77) prolonge cette narration en un récit thématique inspiré par le poème de Wallace Stevens datant de 1936 et par Pablo Picasso. À travers ces projets, l'estampe narrative demeure un axe essentiel de la pratique de Hockney.
« A Rake’s Progress » a imposé David Hockney comme une figure majeure de la scène artistique britannique.
Créée peu après le Royal College of Art, cette série témoigne de la voix singulière d'Hockney à ses débuts : spirituelle et résolument marquée par le Pop Art. Son alliance de satire, de narration inventive et de dessin unique a contribué à asseoir la place d'Hockney comme figure majeure du Pop Art britannique.
