10 faits sur "A Rake's Progress" de Hockney

La série A Rake’s Progress de David Hockney réinvente le conte moral du XVIIIe siècle de William Hogarth en un périple contemporain à travers New York. Tout en conservant le récit de l'arrivée, de la tentation et de la chute, Hockney remplace Tom Rakewell par une figure rappelant le jeune artiste qui navigue entre gratte-ciel, cages d'escalier et bars. Il en résulte une réinterprétation spirituelle et contemporaine où le spectacle de la consommation, l'identité et l'aliénation remplacent les tripots de Hogarth. En transposant un « sujet moral moderne » à l’ère des médias de masse, Hockney démontre comment la descente du Rake fait écho à la perte d'individualité au sein d'une société de consommation.

Hockney a dessiné directement sur des plaques de cuivre, combinant des lignes incisives avec des aplats d'aquatinte. Cette alliance technique lui a permis de juxtaposer des figures distinctes à des zones mesurées d'ombre. Travaillant largement en monochrome, il a utilisé des éclats stratégiques de rouge pour guider le regard du spectateur : dans The Arrival et The Wallet Begins to Empty, le rouge souligne le contraste avec des vides noirs inquiétants, tandis que dans The Gospel Singing, il représente l'exaltation traversant la foule.

Là où la série de Hogarth fourmille de pièces remplies d'accessoires et de personnages, Hockney vide l'espace dans sa réinterprétation. Des pièces dépouillées, des escaliers isolés et des portes encadrées de rideaux deviennent un décor psychologique, accentuant l'exposition du « Rake ». Le « non-lieu » cadre l'aliénation et transforme chaque motif en un indice à décoder par le spectateur : il en résulte une scène moderne où le vide prend tout son sens et où la plus petite touche de rouge sert de point de repère narratif.

La série « Rake » de Hockney, où l’on retrouve l’artiste aux cheveux décolorés et lunettes rondes, apparaît de profil tout au long de son périple. L’odyssée mêle la vie nocturne gay, les flirtations et capture la liberté enivrante du New York du début des années 1960, recadrant la débauche de Hogarth en interrogations sur la création de soi et l’appartenance. Plutôt qu’un effondrement moral, la tension réside entre libération et conformité, avec des moments d’euphorie (The Gospel Singing) laissant place à l’aliénation (l’« estampe signée » Disintegration et l’« estampe signée » Cast Aside). La série se traduit par une étude franche de l’identité, mise en scène dans une ville qui offrait à Hockney à la fois l’aliénation et la libération.

Le décor new-yorkais de Hockney remplace les tripots de Hogarth par la publicité et les médias de masse des années 1960 à New York. Dans Disintegration, une publicité pour le whisky domine la scène, suggérant que les publicités vendent l'illusion de la connexion tout en donnant l'impression que tout se ressemble. Dans Bedlam, dernière image de la série, Hockney suggère que la folie réside désormais dans la conformité de masse plutôt que dans l'effondrement moral.

Les utilisations stratégiques du rouge par Hockney ancrent les entrées et les sorties, ponctuent les discours et la signalisation, et soulignent le péril ou la révélation. Parce que tout le reste est monochrome, le rouge ressort, guidant le spectateur dans l'espace ouvert. Dans The Election Campaign, Hockney utilise des lettres rouges pour transformer le discours politique en spectacle, tandis que dans The Drinking Scene et Disintegration, la même couleur signale le désir et le déclin. C'est une méthode simple mais puissante utilisée pour diriger l'émotion et l'attention à travers la série.

Hogarth comme Hockney racontent l’histoire d’un homme qui s’élève et chute dans la société, mais chacun reflète sa propre époque. Hogarth expose la cupidité et le vice de Londres au XVIIIe siècle, tandis que Hockney se penche sur la solitude et l’autoprésentation de l’ère moderne. Chacun raconte l’histoire d’un jeune homme façonné et détruit par sa ville, mais là où Hogarth condamne la déchéance morale, Hockney explore la perte d’individualité dans un monde de slogans et de répétition.

Hockney s'inspire des structures compositionnelles antérieures de la première Renaissance, de la fusion de l'image et du texte que l'on trouve chez William Blake, et de la narration sérielle de Hogarth. Il les associe ensuite à une typographie de style billboard, à des graphismes modernes et à un espace ouvert. Ce mélange rafraîchit l'histoire du XVIIIe siècle pour un public du XXe siècle, rendant le récit visuellement direct tout en restant riche en références et en sens.

Cette série de 1963 marque une approche que Hockney reprendra tout au long de sa carrière : des séquences d'images qui racontent une histoire, avec un trait distinctif et des décors épurés. Les Illustrations for Six Fairy Tales from the Brothers Grimm (1969), développées sur trois ans, témoignent de sa maîtrise croissante du dessin, tandis que The Blue Guitar (1976-77) prolonge son art narratif dans un récit thématique inspiré du poème de Wallace Stevens de 1936 et de Pablo Picasso. Au fil de ces projets, l'estampe narrative demeure une composante essentielle de la pratique de Hockney.

Réalisée peu après sa sortie du Royal College of Art, cette série témoigne de la voix précoce de Hockney : pleine d'esprit et indubitablement teintée de Pop. Son mélange de satire, de narration inventive et de son dessin unique a contribué à asseoir Hockney comme une figure clé du Pop Art britannique.