À première vue, nul ne pourrait soupçonner que David Hockney, critique virulent de la nature statique de la photographie, en viendrait à réinventer son potentiel avec une telle envergure. Pourtant, le parcours de Hockney, ancré dans le scepticisme, s'est mué en une véritable symphonie d'innovation. De la revitalisation du cubisme dans la photographie à l'exploration du monde à travers le prisme du Polaroid, Hockney a élaboré un langage artistique qui transcende les limites traditionnelles. Qu'il capture la quiétude d'un Metropolitan Opera House quasi désert ou qu'il imprègne ses compositions de souvenirs personnels, ses collages photographiques deviennent des conversations, évoquant des intérieurs intimistes, de vastes paysages et des nuances culturelles.
Hockney était sceptique vis-à-vis de la photographie.
« Je veux dire, la photographie, c'est très bien si cela ne vous dérange pas de regarder le monde du point de vue d'un cyclope paralysé, et ce, pour une fraction de seconde. Mais ce n'est pas ainsi que l'on vit dans le monde. » - David Hockney
David Hockney fut initialement réticent face aux limites de la photographie, exprimant des réserves quant à sa perspective statique et unique. Toutefois, son appréciation du médium s'est considérablement épanouie après que le conservateur Alain Sayag l'a convaincu de présenter ses œuvres à Paris.
Il a revitalisé le cubisme par le biais de la photographie
Le travail photographique de Hockney a été profondément influencé par les principes du cubisme. Plutôt que de présenter un point de vue unique, il a adopté l'approche multifacette du cubisme, décomposant les scènes en fragments pour mieux les réassembler, créant ainsi une interaction dynamique entre différentes perspectives au sein d'un même collage photographique. Cette approche a démontré comment ce mouvement d'avant-garde pouvait être réinventé et revitalisé par le biais de techniques photographiques modernes.
Les polaroïds ont totalement transformé sa technique.
L'approche de Hockney a évolué pour intégrer une méthode singulière de représentation de perspectives multiples au sein d'une œuvre unique, grâce à ses compositions innovantes réalisées à partir de Polaroïds. Ces derniers ne constituaient pas seulement des œuvres autonomes ; ils servaient également d'outil stratégique. Au-delà de ses collages, Hockney utilisait ces images multidimensionnelles comme des plans fondamentaux, guidant la structure et la composition de ses peintures ultérieures.
Hockney a utilisé la couleur pour créer de la profondeur et de l'espace.
Tout au long de cette série, Hockney utilise des tons sourds, principalement des gris et des bleus, conférant à ses œuvres une dimension sentimentale qui en enrichit le contexte. Par ailleurs, son usage novateur de l'espace visuel est particulièrement éloquent. Plutôt que de saturer la toile d'imagerie, il réserve une place importante aux aplats de couleurs, soulignant ainsi leur rôle essentiel dans la narration. Dans son collage intitulé Anne And David, Hockney fait écho à l'énergie de la saison hivernale par son usage de la couleur, tout en alignant minutieusement les photographies au centre pour créer un équilibre plutôt qu'une distraction. Loin de s'effacer, les couleurs et la disposition amplifient harmonieusement l'atmosphère et l'intention de l'œuvre. Il serait tentant de considérer ses réalisations comme un simple jeu d'images, mais le génie de Hockney réside dans sa capacité à instaurer profondeur et complexité grâce à une maîtrise parfaite de techniques pourtant simples.
Le désir d'évasion est au premier plan.
Les voyages de Hockney, notamment au Japon, ont profondément influencé ses perspectives artistiques, imprégnant ses collages photographiques de strates d'essences culturelles et géographiques. Dans Walking In The Zen Garden At The Ryoanji Temple, la fragmentation subtile du célèbre jardin japonais, juxtaposée aux chaussettes rouge et noir aux couleurs discordantes, saisit avec justesse le mélange entre sérénité traditionnelle et excentricité contemporaine. De même, ses road trips américains, englobant des panoramas tels que le Grand Canyon, soulignent son aptitude à fusionner grandeur panoramique et détails intimes.
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« L'appareil photo ne peut pas voir l'espace. Il voit des surfaces. Les gens voient l'espace, ce qui est bien plus intéressant. » - David Hockney
Les « joiners » permettaient de créer une illusion de mouvement.
La photographie traditionnelle, malgré tous ses mérites, adopte un point de vue contraint : elle capture un instantané depuis une perspective unique. Cette rigidité ne reflète guère la manière dont l'œil humain perçoit le monde. C'est précisément cette vision multidimensionnelle, à la fois fluide et dynamique, que Hockney a cherché à reproduire à travers ses « joiners ». Par essence, un « joiner » est un assemblage de photographies superposées qui composent une œuvre plus vaste. Toutefois, ce qui fait tout l'intérêt des joiners de Hockney réside dans sa capacité à insuffler du mouvement à l'ensemble.
Dans Nude, 17th June, nous faisons face à l'image fixe d'une femme allongée dans son lit. Pourtant, grâce à l'application par Hockney de la technique du « joiner », une illusion de mouvement émerge de cette immobilité même. Ce collage illustre non seulement l'interaction dynamique entre le spectateur et l'œuvre, mais il saisit également le mouvement inhérent au sujet représenté.
David Hockney a en réalité découvert les « joiners » par hasard.
Les « joiners » de Hockney furent en réalité un heureux accident. Dans les années 1960, alors qu'il travaillait sur la représentation d'une pièce à Los Angeles, il finit par assembler des Polaroïds. Ce collage involontaire restituait de manière surprenante la sensation de pouvoir se déplacer dans l'espace. Cet assemblage fortuit suscita l'intérêt de Hockney, l'amenant à délaisser momentanément la peinture pour la photographie.
Il a transformé des souvenirs personnels en photographie contemporaine.
Les photocollages de David Hockney sont des journaux visuels profondément personnels, témoignant des moments intimes de sa vie et de ses relations. Au cœur de ses sujets récurrents figure sa mère, une personnalité majeure non seulement dans ces collages, mais également dans l'ensemble de son œuvre. En mettant systématiquement en avant des visages familiers, notamment celui de Billy Wilder, Hockney souligne l'importance des rencontres personnelles dans sa pratique artistique.
Nombre de ces collages incluent Hockney lui-même.
En observant attentivement, vous remarquerez une paire de pieds présente tout au long de cette collection. Ils sont presque toujours centrés au milieu de l’œuvre, vers le bas du collage. Si l’on distingue clairement des paires de chaussures dans Graffiti Palace et The Brooklyn Bridge, Gregory Watching The Snow Fall montre les pieds nus de Hockney. Ce choix revêt une double fonction : il fait référence à la tradition culturelle japonaise consistant à se déchausser à l’intérieur, en hommage au genkan, tout en suggérant que cette pièce pourrait être la plus personnelle de la série, compte tenu de son cadre intime au sein d’une chambre à coucher.
Cette série dépeint avec expertise les nuances de l'espace.
Dans cette série, les décors racontent à eux seuls une histoire. En juxtaposant intérieurs et extérieurs, Hockney explore le contraste entre des moments personnels, intimes, et les possibilités infinies du monde extérieur. Cela est particulièrement manifeste dans The Metropolitan Opera House. Bien que située dans un lieu associé au prestige et à l'effervescence, le collage révèle un espace presque vide et silencieux. L'accent est ici mis sur la dichotomie entre l'agitation attendue de certains lieux et la solitude qu'ils peuvent parfois abriter, soulignant la nature imprévisible des environnements et notre relation avec eux.
La capacité de Hockney à révéler le sens par le jeu de l'espace et du contexte est illustrée dans sa prochaine exposition Bigger & Closer (not smaller & further away), qui ouvrira ses portes le 24 décembre 2024 au Aviva Studios à Manchester. L'exposition parcourt six chapitres de son œuvre, de ses débuts à Los Angeles à ses pièces plus récentes réalisées dans le Yorkshire et en Normandie, offrant ainsi l'opportunité de découvrir son évolution en tant qu'artiste. Parmi les moments forts, citons son usage de la photographie comme une forme de « dessin avec un appareil photo », ses représentations vibrantes du printemps réalisées sur iPad, et sa conviction que seule la peinture peut véritablement traduire l'immensité du Grand Canyon. Accompagnée d'une partition composée spécialement par Nico Muhly, l'exposition transforme ses œuvres en une expérience immersive et multisensorielle, mettant en lumière la beauté, la solitude et l'émerveillement présents aussi bien dans l'ordinaire que dans le grandiose.
