Richard Wagner dans l'art de David Hockney

Wagner est né à Leipzig, en Allemagne, dans une famille imprégnée d’art. Sa première immersion dans le monde de la musique allait façonner sa carrière, même si son parcours pour devenir l'un des compositeurs les plus influents du XIXe siècle n'a pas été simple. Wagner a dû faire face à d'importantes difficultés financières et à des controverses politiques tout au long de sa vie, y compris un exil notable suite à sa participation à l'insurrection de Dresde en 1849.

Son œuvre se caractérise par son ampleur monumentale, ses harmonies novatrices et l'intégration de la musique, de la poésie et de la mise en scène – faisant référence au concept de Gesamtkunstwerk, ou « œuvre d'art totale ». Ses compositions sont reconnues pour leurs textures complexes, leurs harmonies riches et leur orchestration, ainsi que pour les leitmotivs qui représentent les personnages, les thèmes et les idées.

Parmi ses ouvrages les plus célèbres figurent les opéras L'Anneau du Nibelung (un cycle de quatre opéras), Tristan et Isolde, Lohengrin et Parsifal. Ces œuvres sont célébrées pour leur profondeur émotionnelle, leurs structures innovantes et les thèmes philosophiques et mythologiques qu'elles explorent. La vie et l'œuvre de Wagner incarnent la quintessence du romantisme, avec son insistance sur l'expression individuelle, l'intensité émotionnelle et la rupture avec les formes traditionnelles.

L'influence de Wagner dépasse largement la sphère de l'opéra et de la musique. Ses idées sur le drame musical et le rôle des arts dans la société ont fait l'objet d'études et de débats intenses. L'héritage de Wagner est également complexe en raison de ses écrits controversés et de l'appropriation de sa musique par le régime nazi au XXe siècle. Ses vues antisémites ont été l'objet de critiques importantes et ont complexifié sa postérité. Malgré cela, l'impact de Wagner sur les arts ne peut être surestimé. Ses innovations dans l'opéra et la musique ont inspiré d'innombrables artistes, metteurs en scène et compositeurs. Les festivals dédiés à Wagner, notamment le Festival de Bayreuth – qu'il a fondé – continuent d'attirer des publics du monde entier, témoignage de la puissance durable et de la fascination qu'exerce son œuvre.

Le lien profond et durable entre Hockney et la musique a considérablement influencé son œuvre, façonnant son approche des arts visuels et contribuant à son évolution créative. Ce lien est évident non seulement dans sa vie personnelle, où la musique lui sert de compagne constante, mais aussi sur le plan professionnel. Pendant dix-sept ans, à partir de 1975, Hockney s'est immergé dans le monde de l'opéra, apportant sa vision singulière à onze productions. Ses rôles étaient variés, englobant la scénographie, la création de costumes et l'art d'affiches, démontrant ainsi sa polyvalence et son engagement profond envers les arts du spectacle.

Le parcours musical de Hockney a pris un tournant difficile en 1978 lorsqu'il a commencé à souffrir de perte auditive, une affection qui allait s'aggraver et impacter significativement sa capacité à interagir avec le monde sonore. Cette perte fut non seulement un revers personnel, compte tenu de son amour pour la musique et la conversation, mais aussi un écho poignant de la lutte de son père contre la surdité. Pourtant, la réaction de Hockney face à cette adversité était caractéristique de sa résilience et de sa créativité. Il a peint son appareil auditif en rouge et bleu vifs, une tentative de retrouver la joie au milieu de la perte.

Le documentaire The Colors of Music (2003) explore la relation de Hockney avec la musique et son expérience de la surdité, célébrant la manière dont la musique a continué d'inspirer et d'influencer son travail malgré les défis. Vingt ans plus tard, cette relation est toujours aussi essentielle pour Hockney, comme l'illustre son exposition de 2023 Bigger and Closer, qui intègre une dimension sonore enrichissant l'expérience immersive. Cette exposition est accompagnée d'une trame sonore originale composée par Nico Muhly, un compositeur contemporain réputé pour ses œuvres éclectiques et captivantes. Cette collaboration entre Hockney et Muhly représente une convergence des formes d'art visuel et auditif, soulignant l'engagement durable de Hockney à intégrer la musique dans son expression artistique.

En 1990, David Hockney s'est lancé dans une fusion intrigante entre l'art visuel et la musique, mariant son affection pour les compositions lyriques de Wagner à la beauté scénique de la Californie. Cette convergence d'intérêts a donné naissance à son projet Wagner Drives, une œuvre expérientielle qui dépasse les médiums traditionnels. Bien que les compositions de Wagner soient souvent associées à des thèmes d'ombre et de sinistre, le déménagement de David Hockney dans une maison de plage à Las Flores Canyon et son exploration subséquente des routes de montagne, synchronisées avec la musique de Wagner au début des années 1990, ont marqué une genèse conceptuelle pour l'artiste. Ces trajets, méticuleusement planifiés pour synchroniser le flux et le reflux des opéras de Wagner avec les paysages changeants de Malibu Canyon, des montagnes de Santa Monica et des montagnes de San Gabriel, sont devenus une nouvelle toile pour l'exploration par David Hockney de la lumière, de la couleur et du mouvement – à la fois dans la nature et dans son art.

La thèse de maîtrise d'Arthur Kolat en 2016 fournit une base académique pour comprendre le Wagner Drive et codifier les itinéraires et les signaux musicaux conçus par David Hockney, ouvrant ainsi ce mélange unique d'art et d'expérience à un public plus large. Le travail de Kolat nous invite à considérer cette expérience non pas comme un passe-temps excentrique, mais comme une démarche artistique fondamentale qui éclaire et est éclairée par l'ensemble de l'œuvre de David Hockney. Les représentations visuelles de ces trajets, notamment visibles dans des peintures comme Pacific Coast Highway And Santa Monica, capturent la qualité vive et presque surréelle du paysage californien à travers un prisme intensifié par les partitions dramatiques de Wagner. Ces œuvres témoignent du pouvoir de transformation de la combinaison de différentes expériences sensorielles, peignant les paysages non seulement tels qu'ils sont, mais tels qu'ils sont perçus et ressentis à travers le prisme de la musique de Wagner.

Sur le plan musical, la sélection de David Hockney privilégie les aspects les plus cinématiques de Wagner, se concentrant sur le pur spectacle plutôt que sur les couches psychologiques ou thématiques plus profondes des compositions. Cette approche dépouille l'œuvre de Wagner de sa gravité traditionnelle, la réimaginant dans le cadre d'un voyage en voiture américain – une célébration de la beauté de surface et du plaisir sensoriel immédiat.

L'amour de Hockney pour Wagner reflète son éthique artistique plus large : une quête incessante d'innovation, un engagement profond envers les possibilités sensorielles de l'art et un profond respect pour le pouvoir narratif de l'expression musicale et théâtrale. Hockney et sa musique entretiennent une relation symbiotique ; Wagner a profondément influencé ses œuvres, tandis que ses interprétations visuelles ont apporté une nouvelle dimension aux expériences opératiques. L'expérience de Hockney avec la musique et la surdité enrichit notre compréhension de ses œuvres, soulignant l'interconnexion des sens et le potentiel de transformation lié à l'acceptation des défis de la vie avec créativité et courage. À travers ses conceptions de décors, ses expositions immersives et ses représentations du compositeur, Hockney a contribué de manière significative à la réévaluation de l'héritage de Wagner sous un prisme contemporain.