La série « Influences » de David Hockney

L'œuvre de Hockney constitue une exploration vivante de l'influence artistique, sa série Influences s'affirmant comme une pierre angulaire pour comprendre le réseau d'art et de littérature qui a façonné son parcours créatif. Cette série illustre un récit personnel de la lignée artistique dans laquelle il s'inscrit — une lignée qui s'étend de figures emblématiques telles que Pablo Picasso et Walt Whitman à W. H. Auden et Richard Wagner. L'engagement de Hockney vis-à-vis de ses influences dépasse le cadre des arts visuels pour embrasser la littérature et la musique, témoignant de son approche interdisciplinaire de la création. Tout au long de sa carrière, le succès de son approche de l'influence artistique réside dans sa capacité à rendre hommage aux maîtres du passé tout en dialoguant avec eux de manière créative et singulière. Hockney propose souvent sa propre version du canon, rendant hommage aux styles de ses prédécesseurs tout en les réinterprétant de façon à souligner sa propre perspective et sa maîtrise technique.

En se plaçant aux côtés de ces géants dans des œuvres telles que « Myself And My Heroes », Hockney reconnaît sa dette envers leurs idées novatrices et leurs innovations artistiques. Cette estampe précoce a été réalisée peu après l'obtention de son diplôme au RCA, à une époque où Hockney émergeait en tant que jeune artiste prometteur, après avoir participé à la remarquable exposition Young Contemporaries à Londres pendant deux années consécutives. Cette estampe représente Hockney aux côtés de l'écrivain américain Whitman et du dirigeant indépendantiste indien Mahatma Gandhi, deux influences majeures pour lui. Hockney y est dépeint avec ses lunettes caractéristiques et une casquette, au milieu d'un texte façon graffiti qui reflète l'influence de Jean Dubuffet sur son style. Ce texte, associé à des auréoles rappelant les icônes byzantines, souligne l'admiration que Hockney voue à Whitman et à Gandhi, mettant en exergue l'hommage rendu à ses héros à travers le titre et l'eau-forte expressive de l'estampe.

Maurice Payne constitue un hommage à la relation fondamentale entre Hockney et son ami de longue date et maître imprimeur, Maurice Payne. Créée en 1971, année marquée par certaines des œuvres les plus emblématiques de Hockney telles que Mr. And Mrs. Clark And Percy, cette eau-forte fait partie d'une édition limitée à 75 exemplaires. Durant cette période prolifique, Hockney a beaucoup voyagé et s'est investi intensément dans la technique de l'eau-forte, portraiturant ses proches – en l'occurrence Payne, qui joua un rôle déterminant dans la réalisation de nombre de ses projets de gravure et dont l'expertise ainsi que l'esprit de collaboration sont ici célébrés.

Ce portrait dépasse la simple représentation en ancrant Payne dans le récit du processus créatif et du parcours d'estampe de Hockney : il est représenté assis sur une chaise, un dispositif narratif alors cher à l'artiste, que l'on retrouve dans des œuvres allant de ses Photo Collages à Van Gogh’s Chair. En choisissant de figurer Payne assis, les bras croisés et l'allure composée, Hockney dégage une impression de calme et de réflexion qui contraste avec les cheveux ébouriffés, presque anguleux, de son modèle. La sobriété de sa silhouette illustre la capacité de Hockney à saisir un caractère par l'eau-forte ; l'œuvre rend hommage au rôle de maître imprimeur de Payne tout en soulignant l'importance de la collaboration dans le monde de l'art. Cette pièce témoigne de l'attachement durable entre l'artiste et l'artisan, célébrant ce dévouement commun au métier qui a permis aux visions de Hockney de se concrétiser.

« For John Constable » est un hommage touchant au peintre romantique, célèbre pour ses paysages ; des œuvres qui ont profondément influencé l'approche du paysage chez Hockney, en particulier ceux du Yorkshire au début des années 2000. Publiée en 1976 dans une édition limitée à 100 exemplaires, cette estampe présente des reproductions de paysages de Constable accompagnées d'une monographie, célébrant la pratique de la peinture en plein air de Constable – une méthode qui a trouvé un écho dans les propres séances de peinture en extérieur de Hockney. L'eau-forte de Hockney juxtapose avec habileté des lignes gestuelles à des hachures croisées minutieuses, une technique qui souligne sa capacité à exprimer sa révérence pour la contribution de Constable à la tradition de la peinture de paysage, tout en la revigorant par une composition moderne. En inscrivant le nom de Constable de manière proéminente au sein de l'œuvre, Hockney souligne l'impact durable de l'artiste sur son propre développement artistique et s'inscrit lui-même dans les annales historiques de l'art britannique.

La lithographie « Man Ray » est un hommage vibrant à cet artiste influent, figure centrale des mouvements Dada et surréaliste. Créée en 1974, cette lithographie en couleurs a été éditée à 100 exemplaires, deux ans avant la disparition de Man Ray, capturant l'essence d'un artiste reconnu pour son approche expérimentale et avant-gardiste. Ayant emménagé dans le 6e arrondissement de Paris l'année précédente, Hockney s'est retrouvé dans une ville au riche héritage artistique, sujet d'innombrables œuvres. Hockney a choisi d'honorer les personnalités ayant contribué au dynamisme de sa scène artistique. Man Ray, cet Américain ayant fait de Paris son foyer pendant la majeure partie de sa vie, est devenu un sujet naturel pour le travail de Hockney. L'estampe représente l'icône surréaliste assise, tenant son emblématique canne jaune et entourée d'éléments faisant référence à sa carrière novatrice. L'inclusion d'un damier et d'une table à seulement deux pieds souligne le jeu de Man Ray avec la perception et sa capacité à défier les conventions de la réalité, rappelant ses peintures défiant la gravité ainsi que l'œuvre de 1927 intitulée « Chess Set ». De plus, une petite œuvre géométrique positionnée près de sa tête fait allusion à son approche disruptive de la perspective. À travers cette estampe, Hockney reconnaît l'impact durable de la créativité de Man Ray et son rôle notable dans le développement de l'art du XXe siècle. Cette lithographie témoigne de l'interconnexion entre les artistes à travers les générations et les géographies.

« Homage To Michelangelo » est un hommage nuancé à Michel-Ange, l'une des figures de proue de la Haute Renaissance italienne. Cette œuvre entremêle subtilement arts visuels et hommage littéraire, offrant une exploration multidimensionnelle de l'évolution artistique. Inspiré par « The Love Song of J. Alfred Prufrock » de T.S. Eliot, Hockney représente deux femmes impassibles se croisant, chacune absorbée par sa tâche quotidienne — l'une tenant un journal, l'autre un sac à main. L'arrière-plan présente des études gestuelles d'œuvres de Michel-Ange sur une surface rappelant un mur, tandis que les vers du poème sont griffonnés parmi les croquis : « In the room the women come and go / Talking of Michelangelo ».

La profondeur littéraire de cette pièce enrichit son récit visuel, tissant ensemble éléments graphiques et textuels pour souligner l'influence durable du travail de Michel-Ange à travers différents médiums artistiques. Parue en 1975 dans une édition de 200 exemplaires au sein du portfolio Omaggio a Michelangelo, elle fut publiée pour commémorer ce qui aurait été le 500e anniversaire de Michel-Ange. Un exemplaire est aujourd'hui conservé à la British Library, incarnant la conviction de Hockney en un dialogue intemporel entre les artistes, par-delà les siècles et les médiums.

Pablo Picasso exerce l'une des influences les plus déterminantes sur la vie et l'œuvre de Hockney. Cette profonde admiration s'exprime avec éloquence dans deux œuvres majeures de cette série : « The Student » et « Artist And Model ». Ces estampes, réalisées à une époque où Hockney résidait à Paris après la mort de Picasso, offrent un dialogue visuel qui explore toute la mesure de la dette artistique de Hockney envers l'un des artistes les plus révolutionnaires du XXe siècle. Le choix de se rendre dans les ateliers d'Aldo et Piero Crommelynck, les maîtres imprimeurs de Picasso, pour réaliser cette eau-forte souligne davantage le lien unissant Hockney à l'héritage de Picasso.

« The Student » représente Hockney debout aux côtés d'un buste de Picasso, posé sur un piédestal de marbre. Ce cadre symbolise la vénération de Hockney pour l'artiste espagnol, le dépeignant presque comme une divinité au sein du panthéon de l'histoire de l'art. Hockney, tenant une toile vierge, se positionne en égal de Picasso, une déclaration audacieuse affirmant ses aspirations tout en reconnaissant l'influence monumentale de Picasso sur son travail. À l'inverse, « Artist And Model » place Hockney et Picasso dans un cadre plus intime, assis ensemble comme s'ils étaient engagés dans une conversation. Ce passage de la formalité à la vulnérabilité marque une transition de la déférence vers une interaction personnelle, presque privée, entre l'artiste et sa muse. La nudité de Hockney dans cette estampe sert de métaphore à son ouverture face au génie de Picasso, suggérant que sans son influence, l'identité artistique de Hockney serait amoindrie.

En créant ces estampes, Hockney célèbre les contributions de ses prédécesseurs et souligne la continuité de la pensée créative, suggérant que l'innovation est profondément ancrée dans l'appréciation et la réinterprétation du passé. Le mélange des influences, allant du domaine musical au littéraire et à la peinture, met en évidence la conviction de Hockney en l'universalité de l'expression créative et en sa capacité à transcender les frontières temporelles et culturelles. La série « Influences » est essentielle pour comprendre comment Hockney se situe au sein d'une conversation artistique et littéraire continue, trouvant de nouvelles manières de prolonger l'héritage de ceux qui l'ont inspiré grâce à ses compositions novatrices. Cette interaction entre révérence et originalité souligne l'importance de l'influence artistique dans l'œuvre de Hockney, illustrant comment le passé et le présent peuvent fusionner sous la main d'un artiste accompli pour tracer de nouvelles voies pour l'avenir de l'art.