Série des Influences de David Hockney

L'œuvre d'Hockney est une exploration vibrante de l'influence artistique, la série intitulée « Influences » constituant une pierre angulaire pour comprendre le réseau d'art et de littérature qui a façonné son parcours créatif. Cette série illustre un récit personnel de la lignée artistique à laquelle il s'identifie – une lignée qui s'étend de figures emblématiques comme Pablo Picasso et Walt Whitman à W. H. Auden et Richard Wagner. L'implication d'Hockney dans ses influences dépasse l'art visuel pour englober la littérature et la musique, démontrant ainsi son approche interdisciplinaire de la création. Tout au long de sa carrière, le succès de son approche de l'influence artistique réside dans sa capacité à la fois à rendre hommage aux maîtres du passé et à s'engager de manière créative avec eux, et ce, d'une manière singulière. Hockney présente souvent sa propre version du canon, rendant hommage aux styles de ses prédécesseurs tout en les réinterprétant de manière à souligner sa perspective et ses compétences techniques.

En se plaçant aux côtés de ces géants dans des œuvres telles que Myself And My Heroes, Hockney reconnaît sa dette envers leurs idées révolutionnaires et leurs innovations artistiques. Cette estampe précoce a été réalisée peu après l'obtention de son diplôme de la RCA, une période où Hockney émergait comme un jeune artiste prometteur, ayant participé deux années de suite à la célèbre exposition Young Contemporaries à Londres. Cette estampe représente Hockney aux côtés de l'écrivain américain Whitman et du leader de l'indépendance indienne Mahatma Gandhi, tous deux des influences majeures pour lui. Hockney est représenté avec ses lunettes distinctives et une casquette, au milieu d'un texte de style graffiti qui reflète l'influence de Jean Dubuffet sur son style. Ce texte, associé à des auréoles rappelant les icônes byzantines, met en lumière l'admiration qu'Hockney porte à Whitman et Gandhi, soulignant l'hommage rendu à ses héros par le titre de l'estampe et sa gravure expressive.

Maurice Payne est un hommage à la relation importante qui unit Hockney et son ami de longue date et maître imprimeur, Maurice Payne. Créée en 1971, une année marquée par certaines des œuvres les plus emblématiques de Hockney comme Mr. And Mrs. Clark And Percy, cette eau-forte fait partie d'une édition limitée à 75 exemplaires. Durant cette période prolifique, Hockney a beaucoup voyagé et s'est investi profondément dans la pratique de l'eau-forte, capturant les personnes qui lui étaient proches – ici, Payne, qui a joué un rôle essentiel dans la réalisation de nombreux projets d'eaux-fortes de Hockney et qui est célébré dans cette œuvre pour son expertise et son esprit de collaboration.

Ce portrait va au-delà de la simple représentation, inscrivant Payne dans le récit du processus créatif et du parcours d'estampeur de Hockney : il est représenté sur une chaise, un procédé narratif alors important pour l'artiste, que l'on retrouve dans des œuvres allant des Photo Collages à Van Gogh’s Chair. En choisissant de représenter Payne assis, les bras croisés et l'attitude posée, Hockney communique une impression d'immobilité et de réflexion qui contraste avec les cheveux hirsutes et dentelés de Payne. La simplicité de sa forme illustre le talent de Hockney à saisir le caractère par l'eau-forte, et honore le rôle de Payne en tant que maître imprimeur tout en soulignant l'importance de la collaboration dans le monde de l'art. Cette œuvre témoigne du lien durable entre l'artiste et l'artisan, célébrant la dévotion commune à leur métier qui a permis aux visions de Hockney de se concrétiser.

For John Constable est un hommage émouvant au peintre romantique, célèbre pour ses paysages ; des œuvres qui ont profondément influencé l'approche de Hockney dans la représentation des paysages, notamment ceux du Yorkshire au début des années 2000. Publiée en 1976 en édition limitée à 100 exemplaires, cette estampe reproduit des paysages de Constable accompagnés d'une monographie, célébrant la pratique de ce dernier qui consistait à peindre en plein air – une méthode qui trouvera un écho plus tard dans les sessions de peinture en extérieur de Hockney. La gravure de Hockney juxtapose avec habileté des lignes gestuelles et un hachurage méticuleux, une technique qui souligne sa capacité à exprimer sa déférence envers la contribution de Constable à la tradition de la peinture de paysage, tout en la revitalisant grâce à une composition moderne. En incluant de manière proéminente le nom de Constable au sein de l'œuvre, Hockney souligne l'impact durable de l'artiste sur son propre développement artistique et se positionne dans les annales historiques de l'art britannique.

L'estampe Man Ray est un vibrant hommage à cet artiste influent, figure centrale des mouvements Dada et Surréaliste. Créée en 1974, cette estampe en couleurs a été tirée à une édition limitée de 100 exemplaires, deux ans avant le décès de Man Ray, capturant l'essence d'un artiste réputé pour son approche expérimentale et avant-gardiste. Après avoir déménagé dans le 6e arrondissement de Paris l'année précédente, Hockney se retrouva dans une ville au riche héritage artistique qui avait fait l'objet d'innombrables œuvres. Hockney a choisi d'honorer les individus qui ont contribué à son ambiance artistique effervescente. Man Ray, un Américain qui avait fait de Paris sa patrie pendant une grande partie de sa vie, est devenu un sujet naturel pour l'œuvre de Hockney. L'estampe montre l'icône surréaliste assis, tenant sa célèbre canne jaune et entouré d'éléments qui rappellent sa carrière révolutionnaire. L'inclusion d'un damier et d'une table à seulement deux pieds fait référence au jeu de Man Ray avec la perception et à sa capacité à remettre en question les conventions de la réalité, rappelant ses peintures défiant la gravité et l'œuvre de 1927 intitulée Chess Set. De plus, une petite œuvre géométrique positionnée près de sa tête fait allusion à son approche disruptive de la perspective. Par cette estampe, Hockney reconnaît l'impact durable de la créativité de Man Ray et son rôle majeur dans le développement de l'art du XXe siècle. L'estampe témoigne de l'interconnexion des artistes à travers les générations et les géographies.

Homage To Michelangelo est un hommage nuancé à Michelangelo, l'une des figures tutélaires de la Haute Renaissance italienne. Cette œuvre marie avec complexité l'art visuel à l'hommage littéraire, donnant naissance à une exploration multidimensionnelle de l'évolution artistique. Inspiré par « The Love Song of J. Alfred Prufrock » de T.S. Eliot, Hockney représente deux femmes impassibles s'approchant l'une de l'autre, chacune absorbée par sa tâche quotidienne : l'une serrant un journal et l'autre un sac à main. L'arrière-plan présente des études gestuelles d'œuvres de Michelangelo sur une surface ressemblant à un mur, les mots du poème étant griffonnés au milieu des esquisses : « In the room the women come and go / Talking of Michelangelo. »

La profondeur littéraire de cette pièce enrichit son récit visuel, tissant ensemble des éléments textuels et visuels pour souligner l'influence durable des œuvres de Michelangelo à travers différents médiums artistiques. Sortie en 1975 dans le cadre d'une édition de 200 exemplaires du portfolio Omaggio a Michelangelo, elle fut publiée pour commémorer le 500e anniversaire de la naissance de Michelangelo. L'une est aujourd'hui exposée à la British Library, incarnant la conviction de Hockney dans la conversation intemporelle entre les artistes, au fil des siècles et des médiums.

Pablo Picasso exerce l'une des plus grandes influences sur la vie et l'œuvre de Hockney. Cette profonde admiration s'exprime éloquemment dans deux œuvres majeures de cette série : The Student et Artist And Model. Ces estampes, réalisées à une époque où Hockney résidait à Paris après le décès de Picasso, offrent un dialogue visuel explorant l'étendue du sentiment de dette de Hockney envers l'un des artistes les plus révolutionnaires du XXe siècle. Le choix de fréquenter les ateliers d'Aldo et Piero Crommelynck, les maîtres graveurs de Picasso, pour produire cette eau-forte souligne davantage le lien de Hockney avec l'héritage de Picasso.

The Student montre Hockney debout à côté d'un buste de Picasso, érigé sur un piédestal de marbre. Ce décor symbolise la vénération de Hockney pour l'artiste espagnol, le dépeignant presque comme une divinité dans le panthéon de l'histoire de l'art. Hockney, tenant une toile vierge, se positionne comme le pair de Picasso, une affirmation audacieuse de ses aspirations et une reconnaissance de l'influence monumentale de ce dernier sur son travail. En revanche, Artist And Model place Hockney et Picasso dans un cadre plus intime, assis ensemble comme s'ils étaient en pleine conversation. Le passage de la formalité à la vulnérabilité marque une transition de la révérence à une interaction personnelle, presque privée, entre l'artiste et sa muse. La nudité de Hockney dans cette estampe sert de métaphore à son ouverture face au génie de Picasso, suggérant que sans l'influence de ce dernier, l'identité artistique de Hockney serait diminuée.

En créant ces estampes, Hockney célèbre les apports de ses prédécesseurs et souligne la continuité de la pensée créative, suggérant que l'innovation est profondément enracinée dans l'appréciation et la réinterprétation du passé. Le mélange des influences, qu'elles soient musicales, littéraires ou picturales, met en lumière la conviction de Hockney quant à l'universalité de l'expression créative et son pouvoir de transcender les frontières temporelles et culturelles. La série « The New And The Old And The New » est essentielle pour comprendre comment Hockney se positionne au sein d'une conversation artistique et littéraire continue, trouvant de nouvelles façons d'étendre les héritages de ceux qui l'ont inspiré grâce à ses compositions novatrices. Cette interaction entre révérence et originalité souligne l'importance de l'influence artistique dans l'œuvre de Hockney, illustrant comment le passé et le présent peuvent fusionner entre les mains d'un artiste talentueux pour tracer de nouvelles orientations pour l'avenir de l'art.