Les hommages artistiques de David Hockney

Pour discerner l'influence d'Henri Matisse sur Hockney, il suffit d'examiner plusieurs éléments dans les œuvres de ce dernier qui rappellent le style de Matisse. Dans The Arrival Of Spring in 2011, l'hommage est visible non seulement sur le plan esthétique, mais aussi dans la philosophie artistique que Hockney semble partager avec Matisse.

Couleur et lumière

Matisse était un maître dans l'utilisation de la couleur pour jouer avec la lumière et l'espace. La façon dont Hockney utilise des teintes vibrantes pour transformer le paysage du Yorkshire suggère une profonde compréhension des techniques de Matisse. La manière dont les couleurs de Hockney communiquent l'heure du jour et la saison, et évoquent une ambiance, fait écho au talent de Matisse pour transmettre l'atmosphère à travers une véritable symphonie de pigments.

Libération du réalisme

Chez Matisse, on observe un éloignement de la représentation fidèle au profit d'une expression plus subjective, et les paysages de Hockney suivent cette voie. En libérant la forme de ses contraintes réalistes, les deux artistes permettent au spectateur de faire l'expérience du sujet d'une manière nouvelle, moins axée sur la réplication de ce que l'œil voit et davantage sur ce que le cœur ressent.

Innovation et adaptation

L'audace de Matisse à explorer de nouveaux médiums, notamment dans ses dernières années avec les gouaches découpées, trouve un parallèle dans l'adoption par Hockney de la technologie numérique. Ces deux artistes ont fait preuve d'une quête incessante de nouvelles méthodes pour exprimer des thèmes intemporels tels que la beauté, la nature et la lumière. Le coup de pinceau numérique de Hockney s'apparente directement aux formes en papier découpé de Matisse : chacune fut novatrice en son temps et témoigne de la volonté de l'artiste de s'adapter et d'expérimenter.

Composition spatiale

L'aplatissement de l'espace par Matisse et son mépris de la perspective traditionnelle est une technique que l'on retrouve dans certaines œuvres de Hockney, où la profondeur est souvent suggérée par la couleur et la forme plutôt que par la perspective linéaire, conférant aux scènes une planéité presque ludique, bidimensionnelle.

En examinant ces aspects, il devient clair que l'œuvre de Hockney est empreinte d'une sensibilité à la manière de Matisse, réinterprétée à travers son propre prisme d'expression personnelle.

Peu d'hommages sont aussi percutants que l'allusion que David Hockney fait à Vincent Van Gogh. La série The Yosemite Suite de Hockney, née des médias numériques, marque une rupture notable avec les œuvres texturées sur toile de Van Gogh. Cependant, les deux partagent une intensité émotionnelle qui témoigne d'une profonde vénération pour l'icône néerlandaise. L'application par Hockney de couleurs vives et plus uniformes, ainsi que de contours bien définis, dessine une distinction visuelle avec les ciels dynamiques et les champs ondulants de Van Gogh, mais ses compositions sont tout aussi étudiées. Des ombres portées calculées aux contours structurels précis des arbres, les pièces de Hockney manifestent une implication méticuleuse dans la caractéristique propre à chaque paysage.

Lors d'une exposition marquante en 2021, The Joy of Nature, au Museum of Fine Arts, Houston, les esprits frères de Hockney et de Van Gogh ont été juxtaposés pour illustrer cette conversation même. L'exposition, présentant près de 50 œuvres de Hockney ainsi que des chefs-d'œuvre choisis de Van Gogh, marque un moment pionnier jamais vu auparavant dans un musée américain. C'est là que les interprétations contemporaines de Hockney dialoguent avec les toiles historiques de Van Gogh, soulignant un récit commun sur l'art du paysage qui traverse le temps.

Les Photo Collages de Hockney constituent un vibrant hommage à l'œuvre révolutionnaire du cubisme de Pablo Picasso. Cette série singulière comprend également des « joiners », marquant une exploration capitale où Hockney dialogue directement avec le paradigme cubiste de la fragmentation et de la perspective synthétique.

Pour créer ses œuvres en collage, Hockney s'inspire de la technique cubiste qui consiste à disséquer et recontextualiser les sujets pour présenter simultanément plusieurs points de vue. Plutôt que d'offrir un espace pictural homogène, ces collages sont un patchwork de moments, où le temps et le mouvement deviennent des éléments intrinsèques. Cette approche est nourrie par le concept cubiste de décomposition des objets et des scènes en formes géométriques, puis de réassemblage pour dépeindre le sujet sous de multiples perspectives au sein d'un même cadre.

Une autre œuvre emblématique qui utilise les principes cubistes de fragmentation et de réassemblage de la réalité est Red Celia. Dans cette œuvre monochromatique, on observe clairement l'influence de l'approche novatrice de Picasso pour représenter ses sujets. Hockney déconstruit son modèle, Celia Birtwell, en facettes angulaires, adoptant la Transformation A radicale de la perspective opérée par Picasso. L'interprétation de Hockney n'est pas une réplication, mais plutôt une réinterprétation du langage visuel du cubisme, mêlant l'audace de Picasso à son propre style.

Un dialogue personnel

L'engagement de Hockney envers l'œuvre de Picasso témoigne de leur quête commune de vérité et de Transformation A artistique. Dans sa série Influences, Hockney explore The World de Picasso avec une admiration qui dépasse la technique. Hockney crée Artist And Model, une eau-forte qui dépeint Picasso comme l'artiste et Hockney comme le sujet. Cette œuvre saisit une interaction hypothétique Between The Two artistes, mettant en lumière le profond respect de Hockney pour l'héritage de Picasso et leur passion partagée pour l'exploration de nouveaux territoires artistiques dans The Pursuit.

Hockney ne se contente pas de représenter Picasso ; il produit également sa propre version de la muse personnelle de Picasso, Dora Maar, dans What Is This Picasso. À travers ces œuvres, Hockney transforme sa toile en une scène où l'influence de Picasso est à la fois invitée et guide, inspirant une conversation continue entre la maîtrise du passé et l'innovation présente. Ce lien artistique avec Picasso façonne l'œuvre de Hockney, l'enrichissant de multiples couches de sens et d'un profond respect pour l'esprit transformateur de l'art.

Les rouleaux chinois traditionnels, dont certains datent de plus de mille ans, incarnent une esthétique et une tradition artistiques singulières. Ces rouleaux se distinguent par plusieurs caractéristiques clés qui ont fasciné les artistes au fil de l'histoire. Hockney, connu pour son ouverture aux influences diverses, a clairement exprimé son admiration pour le format du rouleau.

Les peintures sur rouleau chinoises sont célèbres pour leur orientation horizontale, mesurant généralement plusieurs pieds de long mais seulement quelques pouces de hauteur. Ce format permet une approche narrative unique, où le spectateur découvre progressivement l'histoire au fur et à mesure qu'il déroule l'œuvre. L'attrait de Hockney pour ce format découle de sa qualité immersive. Il a souvent fait remarquer qu'il offre une expérience visuelle plus dynamique et continue, très différente du format rectangulaire statique couramment employé dans l'art occidental.

En 1988, Hockney a co-réalisé A Day on the Grand Canal with the Emperor of China. Le film présente l'exploration et l'interprétation par Hockney d'une peinture sur rouleau chinoise, The Kangxi Emperor's Southern Inspection Tour, réalisée par l'artiste du XVIIe siècle Wang Hui. Ce documentaire était une magnifique dissection de l'esthétique orientale à travers un prisme occidental, illustrant le respect profond de Hockney pour ce format. Hockney a reconnu que les rouleaux chinois lui avaient permis de comprendre la perspective, un élément qui est sans aucun doute devenu l'une des signatures de l'artiste.

La série Focus Moving de Hockney offre une étude fascinante de l'adoption de techniques orientales dans un cadre occidental. On remarque particulièrement l'Hotel Acatlán: Second Day, qui se distingue par sa palette chromatique énergique ainsi que par ses multiples points de vue. Ce qui enrichit encore cette œuvre, c'est la progression, au sens littéral, de perspectives variées dans le temps. Hockney les revisite dans Hotel Acatlán: Two Weeks Later où nous découvrons le même sujet, mais cette fois depuis l'intérieur de l'hôtel. Bien que ces œuvres affichent une parenté plus évidente avec les rouleaux chinois en raison de leurs dimensions et de leur composition, c'est dans d'autres pièces de cette suite que l'on observe toute l'étendue de la maîtrise de Hockney sur l'attention du spectateur.

Les pièces d'intérieur comme Pembroke Studio With Blue Chairs And Lamp et Tyler Dining Room témoignent de l’interaction entre le détail et la forme propre à Hockney. Au premier abord, le spectateur peut considérer ses motifs et ses textures vibrantes comme purement décoratifs. Cependant, si l'on prend en compte la source d'inspiration, il est plus facile de reconnaître le lien avec les rouleaux dans la capacité de Hockney à révéler une vue panoramique dans un espace relativement restreint.

Number One Chair présente une chaise en osier, posée devant des coussins à motifs floraux roses, qui capte immédiatement le regard du spectateur. Le parquet à l'aspect bois, qui l'entoure, est découpé en formes qui dialoguent entre elles, guidant l'œil et mettant en valeur la structure dynamique de l'œuvre. Par cette fusion entre perspective et lieu, Hockney rend hommage aux traditions orientales tout en enrichissant le dialogue entre les différentes cultures dans le monde de l'art.

L'incursion de Hockney dans l'art numérique marque une évolution notable dans son parcours créatif, mêlant harmonieusement son art traditionnel au domaine naissant de la technologie numérique. Avec le lancement de l'iPad en 2010, Hockney a découvert une nouvelle toile qui venait compléter son appétit insatiable pour les médiums innovants. Ce passage des carnets de croquis tangibles à l'espace virtuel n'a pas diminué l'essence de ses œuvres ; au contraire, il a infusé sa pratique d'une spontanéité et d'une vitalité inédites. Ses Dessins numériques prenaient vie avec une nouvelle palette de sujets, allant de l'intimité sereine de son Living Room à la beauté naturelle de Yosemite, le tout capturé avec la touche caractéristique de Hockney.

Tout au long de sa carrière, David Hockney a fait preuve d'une capacité remarquable à conserver le cœur de son identité artistique tout en explorant une multitude de médiums. Que ce soit à travers l'objectif d'un appareil photo, les poils d'un pinceau ou la précision pixélisée des outils numériques, l'essence de son style — caractérisée par des teintes vives, des paysages évocateurs et des portraits intimes — reste intacte. Le parcours de David Hockney à travers différentes expressions artistiques relève moins de la modification que de l'expansion. Son usage de la photographie dans les années 70, les couches texturées de l'acrylique dans les années 80 et les écrans tactiles du XXIe siècle portent tous la signature de sa palette éclatante et de son observation perspicace. Cette continuité dans le changement est la marque de fabrique de David Hockney. Elle témoigne d'un artiste qui respecte ses racines tout en cherchant constamment de nouveaux moyens d'exprimer les questions persistantes de la représentation et de la perception.