« A Rake's Progress » : la réinterprétation par David Hockney des œuvres de William Hogarth

La série de Hogarth au XVIIIe siècle agit comme une satire morale sur fond de transformation rapide de la société anglaise, tandis que la version de Hockney au XXe siècle métamorphose ce récit en une exploration profondément personnelle et culturellement signifiante de l'identité et des normes sociales. L'étude de ces deux séries permet de témoigner de l'évolution de l'expression artistique et du caractère intemporel des expériences humaines, tels que reflétés dans les œuvres.

Hogarth et son œuvre « A Rake’s Progress » forment une série de peintures qui font office de documents historiques vivants, saisissant l’essence même de la société anglaise du XVIIIe siècle. Créée dans les années 1730, cette série de huit tableaux retrace l’histoire de Tom Rakewell, un jeune homme qui dilapide sa fortune dans le luxe, la prostitution et le jeu, pour finir ses jours dans une prison pour dettes puis dans un asile d’aliénés. L’époque de sa création fut marquée par des changements sociaux et économiques notables : l’essor de la classe moyenne, ou le « middling sort » comme on les nommait alors, a engendré un glissement des valeurs culturelles. Cette classe émergente cherchait à se distinguer de l’aristocratie et des classes populaires par une conduite morale exemplaire et une éthique du travail rigoureuse. Issu de ce milieu, Hogarth en était parfaitement conscient et intégrait souvent des récits moraux à ses œuvres, les utilisant comme un outil de critique sociale.

« A Rake’s Progress » est, à bien des égards, une représentation satirique de l’aristocratie et de sa décadence morale supposée. Hogarth portait un regard critique sur le mode de vie hédoniste des classes aisées et utilisait le protagoniste pour illustrer les dangers d’un tel excès. En exposant la chute de Rakewell, Hogarth livrait une mise en garde qui servait de critique plus large à l’encontre d’un système social permettant à une minorité privilégiée de vivre dans l’opulence tandis que le plus grand nombre luttait contre la pauvreté. La série de Hogarth capture avec vivacité l’effervescence du Londres du XVIIIe siècle. Les peintures dépeignent divers lieux, des tavernes et maisons de jeu aux asiles, offrant un aperçu du paysage urbain et de ses multiples vices. Ce portrait reflétait les angoisses et les fascinations de l’époque, la ville étant perçue à la fois comme une terre d’opportunités et un foyer de corruption morale.

La série de Hogarth constitue une œuvre influente qui a inspiré de nombreux artistes ultérieurs, dont David Hockney. Sa capacité à tisser un récit à la fois divertissant et moralisateur lui assure une place d’œuvre fondamentale dans le canon de l’art occidental.

Le XVIIIe siècle a vu le recours généralisé à la satire, tant dans les arts visuels que dans les médias de masse. Longtemps utilisée comme un puissant outil de commentaire social, la satire permet aux artistes de critiquer, de ridiculiser ou de souligner des enjeux sociétaux, souvent avec esprit et une fine perspicacité. Hogarth est régulièrement salué comme le grand-père de l'art satirique visuel moderne. À mesure que la société évoluait, les thèmes et les techniques de l'art satirique se transformaient : le XIXe siècle et le début du XXe siècle ont vu des artistes comme Honoré Daumier et James Gillray user de la caricature pour critiquer des questions politiques et sociales, en se concentrant sur les absurdités et les vices des détenteurs du pouvoir. Cette période a marqué une transition, passant de récits moralisateurs à un commentaire plus direct — et souvent cinglant — sur les événements et les figures contemporaines. L'avènement de la photographie, du cinéma et des médias numériques a ouvert de nouvelles perspectives à l'art satirique.

L'interprétation par Hockney de « A Rake’s Progress » dans les années 1960 illustre cette évolution moderne de l'art satirique. La version de Hockney, une série d'eaux-fortes, est à la fois un hommage à Hogarth et un récit personnel. Son adaptation reflète le paysage social de l'époque, incluant ses propres expériences de jeune artiste. À l'heure actuelle, la satire dans l'art est devenue encore plus diversifiée et nuancée. Des artistes comme Banksy utilisent le street art pour commenter des enjeux politiques et sociaux, alliant humour noir et style visuel percutant. L'ère numérique a également vu l'essor de la culture des mèmes, où la satire est diffusée rapidement en ligne, reflétant et façonnant l'opinion publique sur l'actualité.

L'évolution de la satire dans l'art, de Hogarth à Hockney et au-delà, démontre la pérennité et la capacité d'adaptation de ce genre. Si les méthodes et les supports ont changé, la finalité demeure : refléter, critiquer et souvent remettre en question le statu quo par l'humour. À chaque époque, l'art satirique offre un prisme unique à travers lequel nous pouvons observer et appréhender la complexité de notre société.

La réinterprétation par Hockney de l'œuvre « A Rake's Progress » de Hogarth constitue une étude fascinante sur la manière dont les artistes contemporains peuvent insuffler une nouvelle vie aux œuvres classiques. La série de Hockney, créée en 1963, rend hommage au chef-d'œuvre du XVIIIe siècle tout en le réimaginant pour toucher un public moderne, reflétant les récits sociaux et personnels de son époque. La version de Hockney se compose d'une série de seize eaux-fortes qui s'écartent considérablement de la narration de Hogarth : la série de Hockney est autobiographique et dépeint ses expériences en tant que jeune artiste quittant l'Angleterre pour les États-Unis. Cette touche personnelle transforme la série, faisant passer le conte moral général à un voyage spécifique et intime de découverte de soi et d'expression. Cette réinterprétation doit également être appréhendée dans le contexte des années 1960, période marquée par l'essor du mouvement des droits civiques, la révolution sexuelle et une remise en question croissante des valeurs traditionnelles. Hockney, ouvertement homosexuel à une époque où l'homosexualité était encore criminalisée dans de nombreux lieux, a imprégné son œuvre de thèmes liés à l'identité sexuelle et à la libération.

Alors que Hogarth utilisait la peinture à l'huile, puis la gravure pour sa série, Hockney a choisi l'eau-forte, un médium permettant précision et expérimentation. Son style se distingue nettement de celui de Hogarth, privilégiant des compositions simples, largement monochromes, et une approche moins centrée sur le récit. L'imagerie de la série de Hockney est moins littérale et plus symbolique ; elle joue souvent sur des métaphores visuelles et des éléments surréalistes pour transmettre des émotions et des expériences. La réinterprétation de Hockney démontre comment des œuvres classiques peuvent être réimaginées pour conserver leur pertinence à travers les époques.

Il est remarquable que la réinterprétation d'une telle série satirique se soit révélée si délicieusement ironique, car, bien entendu, Hockney s'est avéré ne pas être un tel libertin ; bien qu'il eût été impossible de le savoir à l'époque, il est aujourd'hui l'un des artistes vivants les plus prospères, largement salué pour sa créativité inépuisable et son talent pour l'innovation. Ses représentations autobiographiques du rejet et du désespoir, de l'euphorie et de l'encouragement, sont profondément touchantes et intimes, offrant au spectateur un aperçu du monde intérieur de l'artiste.

La réinterprétation par Hockney de A Rake’s Progress est empreinte d'une riche tapisserie de symbolisme et de nuances artistiques. Bien qu'elle relate une histoire personnelle, cette série constitue également une narration visuelle complexe où la couleur et les compositions surréalistes jouent des rôles majeurs dans la transmission de significations profondes et d'une intensité émotionnelle. Le choix de Hockney d'utiliser principalement une palette monochrome dans cette série est une décision artistique délibérée qui définit une tonalité particulière pour le récit. Cette gamme chromatique restreinte crée un sentiment d'intemporalité et d'universalité, permettant au spectateur de se concentrer davantage sur le sujet. Toutefois, l'utilisation stratégique du rouge dans certains éléments rompt cette monotonie, attirant l'attention sur des détails précis. Cet emploi sélectif de la couleur est à la fois esthétique et symbolique. Le rouge, souvent associé à la passion, au danger et à l'intensité, souligne les moments clés du récit, marquant leur importance dans le parcours du protagoniste. Par exemple, le rouge peut être utilisé pour accentuer un personnage, un objet ou un décor particulier, indiquant subtilement son importance ou l'intensité émotionnelle de la scène. Dans Disintegration, par exemple, le nuage rouge au-dessus de la tête du protagoniste alors qu'il examine une publicité pour du whisky illustre le tumulte psychologique qu'il traverse.

Hockney intègre également des éléments surréalistes à sa série, ce qui lui permet d'explorer et d'exprimer des états émotionnels et psychologiques complexes. Cette approche surréaliste lui permet de transcender les limites de la représentation réaliste, lui offrant la liberté de dépeindre les expériences intérieures de son protagoniste de manière plus viscérale et marquante. L'imagerie surréaliste défie souvent la logique et l'interprétation conventionnelle, invitant les spectateurs à plonger dans une compréhension plus profonde et introspective du récit. Dans The Wallet Begins To Empty, un escalier est extrait de tout contexte, servant uniquement de dispositif pour illustrer la descente aux enfers du personnage. Dans Cast Aside, le buste du protagoniste est littéralement donné à manger à une figure serpentine. Chaque personnage, qu'il s'agisse de la représentation directe d'une personne réelle ou d'une figure plus archétypale, porte en lui des strates d'interprétation, reflétant divers aspects de l'identité du protagoniste, de ses rôles sociétaux et de ses états émotionnels. L'usage de figures distordues ou exagérées, de paysages oniriques et de scénarios improbables est mis au service de la retranscription des sentiments de désorientation, d'aliénation ou de libération vécus par le protagoniste. Ces éléments peuvent être perçus comme des métaphores du tumulte intérieur, de la confusion et de l'éveil qui définissent le voyage du « libertin » moderne.

Les versions de « A Rake’s Progress » signées Hogarth et Hockney se distinguent par la profondeur de leur analyse des paysages culturels et sociétaux de leurs époques respectives. Séparées par plusieurs siècles, ces œuvres reflètent les valeurs, les préoccupations et les dynamiques sociales au sein desquelles elles ont été créées. Dans les années 1730, Hogarth propose une peinture saisissante de la société anglaise du XVIIIe siècle, une période marquée par l'ascension de la classe moyenne, l'urbanisation croissante et les prémices de la révolution industrielle. Sa série traduit les valeurs et les aspirations de cette bourgeoisie naissante, faisant office de leçon de morale sur les périls de l'extravagance et du vice. Ce ton moralisateur constitue une critique de l'aristocratie ; le parcours de Rakewell, fait de richesse, de débauche et de chute, symbolise la décadence morale prêtée aux classes supérieures. En outre, le développement rapide de métropoles telles que Londres, creuset d'opportunités et de vices, est dépeint à travers la complexité des dynamiques sociales de la vie urbaine.

Bond en avant vers les années 1960 : Hockney réinterprète le sujet pour refléter le « zeitgeist » de son époque, faisant écho aux bouleversements culturels majeurs du XXe siècle. La version de Hockney se concentre sur la liberté individuelle et l'identité, rendant compte notamment de son expérience en tant qu'homme homosexuel. L'accent mis à cette période sur l'individualisme, l'expression de soi et l'exploration identitaire contraste vivement avec le ton moralisateur de Hogarth. La série résonne également avec les changements sociaux significatifs des années 1960, parmi lesquels le mouvement pour les droits civiques, la révolution sexuelle et la remise en question des normes sociétales traditionnelles. Hockney explore également les thèmes du déracinement et de l'altérité, ayant quitté l'Angleterre pour la première fois, et illustre l'isolement qu'un tel exil entraîne souvent.

Les séries de Hogarth et de Hockney font office de baromètres culturels : tandis que l'œuvre de Hogarth est une fenêtre ouverte sur le tissu moral, social et économique de l'Angleterre du XVIIIe siècle, celle de Hockney reflète les révolutions culturelles du XXe siècle. Bien que centrées sur un protagoniste unique, ces séries embrassent les récits plus larges de leur temps, offrant des perspectives intemporelles sur la condition humaine, façonnée par les forces culturelles et sociétales de chaque ère. Pour Hockney, cette série a servi de canevas pour défier les normes artistiques traditionnelles et instaurer un dialogue avec le passé, tout en reflétant profondément sa propre place au sein du paysage culturel et sociétal en constante évolution de notre temps.