La carrière du libertin : la réinterprétation par David Hockney des œuvres de William Hogarth

La série de Hogarth du XVIIIe siècle sert de satire morale sur fond d'une société anglaise en pleine mutation, tandis que la version de Hockney, datant du XXe siècle, transforme ce récit en une exploration profondément personnelle et culturellement résonnante de l'identité et des normes sociales. En examinant chaque série, il est possible d'observer l'évolution de l'expression artistique et le caractère intemporel des expériences humaines, telles que reflétées dans les œuvres d'art.

Les œuvres de Hogarth, intitulées A Rake’s Progress, constituent une série de tableaux qui servent de documents historiques éloquents, saisissant l'essence de la société anglaise du XVIIIe siècle. Créée dans les années 1730, cette suite de huit peintures raconte l'histoire de Tom Rakewell, un jeune homme qui gaspille sa fortune dans le luxe, la prostitution et les jeux d'argent, pour finir en prison pour dettes puis dans un asile d'aliénés. La période de sa création fut marquée par des changements sociaux et économiques majeurs : l'essor de la classe moyenne, ou la « middling sort » comme on l'appelait alors, a entraîné une mutation des valeurs culturelles. Cette classe émergente cherchait à se distinguer de l'aristocratie et des classes populaires par sa conduite morale exemplaire et son éthique du travail. Issu d'un milieu similaire, Hogarth en était parfaitement conscient et intégrait souvent des récits moraux dans ses œuvres, les utilisant comme un outil de commentaire social.

A Rake’s Progress est à bien des égards une représentation satirique de l'aristocratie et de sa prétendue décadence morale. Hogarth critiquait le style de vie hédoniste des classes supérieures et se servait du personnage principal pour illustrer les dangers d'un tel excès. En montrant la chute de Rakewell, Hogarth délivrait une fable moralisatrice qui constituait une critique plus large d'un système social permettant à quelques privilégiés de vivre dans l'opulence tandis que beaucoup peinaient dans la pauvreté. La série de Hogarth capture avec vivacité l'atmosphère trépidante du Londres du XVIIIe siècle. Les tableaux dépeignent divers lieux, des tavernes aux maisons de jeu en passant par les asiles d'aliénés, offrant un aperçu du paysage urbain et de ses nombreux vices. Cette représentation reflétait les angoisses et les fascinations de l'époque, la ville étant perçue à la fois comme un lieu d'opportunités et un foyer de corruption morale.

La série de Hogarth fut une œuvre d'art marquante qui a inspiré de nombreux artistes par la suite, y compris David Hockney. Sa capacité à tisser un récit à la fois divertissant et édifiant sur le plan moral lui assure une place d'œuvre fondatrice dans le canon de l'art occidental.

Le XVIIIe siècle a vu l'usage généralisé de la satire, tant dans les médias visuels que dans les médias de masse. Agissant depuis longtemps comme un puissant outil de commentaire social, la satire offre aux artistes un moyen de critiquer, de ridiculiser ou de mettre en lumière les problèmes sociétaux – souvent avec esprit et perspicacité. Hogarth est souvent considéré comme le père de l'art visuel satirique moderne. À mesure que la société évoluait, les thèmes et les techniques de l'art satirique ont évolué également : les XIXe et début du XXe siècles ont vu des artistes comme Honoré Daumier et James Gillray, qui utilisaient la caricature pour critiquer les problèmes politiques et sociaux, se concentrant sur les absurdités et les vices des personnes au pouvoir. Cette période a marqué un passage des récits moralisateurs à un commentaire plus direct – généralement cinglant – sur les événements et les figures contemporaines. L'avènement de la photographie, du cinéma et des médias numériques a apporté de nouvelles dimensions à l'art satirique.

L'interprétation que Hockney donne de A Rake’s Progress dans les années 1960 est un exemple de l'évolution moderne de l'art satirique. La version de Hockney, une série de gravures, est à la fois un hommage à Hogarth et un récit personnel. Son adaptation reflète le paysage social contemporain, y compris ses propres expériences en tant que jeune artiste. À l'époque actuelle, la satire dans l'art est devenue encore plus diversifiée et nuancée. Des artistes comme Banksy utilisent l'art de rue pour commenter les problèmes politiques et sociaux, combinant l'humour noir avec un style visuel austère et percutant. L'ère numérique a également vu l'essor de la culture des mèmes, où la satire se diffuse rapidement en ligne, reflétant et façonnant l'opinion publique sur l'actualité.

L'évolution de la satire dans l'art, de Hogarth à Hockney et au-delà, démontre le pouvoir durable et l'adaptabilité de ce genre. Bien que les méthodes et les supports aient évolué, l'objectif fondamental demeure : refléter, critiquer et souvent remettre en question le statu quo par l'humour. À chaque époque, l'art satirique offre une lentille unique à travers laquelle nous pouvons observer et comprendre les complexités de notre société.

La réinterprétation par Hockney de l'A Rake's Progress de Hogarth est une étude fascinante de la manière dont les artistes contemporains peuvent insuffler une nouvelle vie à des œuvres classiques. La série de Hockney, créée en 1963, rend hommage au chef-d'œuvre du XVIIIe siècle tout en le réimaginant d'une manière qui parle au public moderne, reflétant les récits sociaux et personnels de son époque. La version de Hockney se compose d'une série de seize estampes qui s'écartent sensiblement du récit de Hogarth : la série de Hockney est autobiographique, dépeignant ses expériences de jeune artiste passant de l'Angleterre aux États-Unis. Cette touche personnelle transforme la série d'un conte moral général en un voyage spécifique et intime de découverte de soi et d'expression. Cette réinterprétation doit également être vue dans le contexte des années 1960, une période marquée par l'essor du mouvement des droits civiques, la révolution sexuelle et une remise en question croissante des valeurs traditionnelles. Hockney, ouvertement gay à une époque où l'homosexualité était encore criminalisée dans de nombreux endroits, a imprégné son œuvre de thèmes liés à l'identité sexuelle et à la libération.

Alors que Hogarth utilisait des peintures à l'huile puis des gravures pour sa série, Hockney a choisi les estampes, un médium qui lui offrait précision et expérimentation. Son style est nettement différent de celui de Hogarth, caractérisé par des compositions simples, majoritairement monochromes, et une approche moins axée sur la narration. L'imagerie dans la série de Hockney est moins littérale et plus symbolique, jouant souvent avec des métaphores visuelles et des éléments surréalistes pour transmettre des émotions et des expériences. La réinterprétation de Hockney démontre comment les œuvres classiques peuvent être réimaginées pour conserver leur pertinence à travers différentes époques.

Il est intéressant de noter que la réinterprétation d'une série aussi satirique s'est avérée délicieusement ironique puisque, bien sûr, Hockney n'est pas devenu un débauché ; même si cela était impossible à savoir à l'époque, il est aujourd'hui l'un des artistes vivants les plus reconnus, largement salué pour sa créativité sans bornes et son talent pour l'innovation. Ses représentations autobiographiques de rejet et de désespoir, d'euphorie et d'encouragement, sont profondément touchantes et intimes, offrant au spectateur des aperçus du monde intérieur de l'artiste.

La réinterprétation par Hockney de A Rake’s Progress est imprégnée d’une riche tapisserie de symboles et de nuances artistiques. Cette série, tout en racontant une histoire personnelle, constitue également un récit visuel complexe où la couleur et les compositions surréalistes jouent un rôle essentiel pour transmettre des significations plus profondes et une résonance émotionnelle. Le choix fait par Hockney d'utiliser principalement une palette monochrome dans cette série est une décision artistique délibérée qui donne un ton particulier au récit. Ce schéma de couleurs restreint crée un sentiment d’intemporalité et d’universalité, permettant au spectateur de se concentrer davantage sur le sujet. Cependant, l'usage stratégique du rouge dans certains éléments vient rompre cette monotonie, attirant l'attention du spectateur sur des détails spécifiques. Cette utilisation sélective de la couleur est à la fois un choix esthétique et symbolique. Le rouge, souvent associé à la passion, au danger et à l'intensité, met en lumière des moments clés du récit, soulignant leur importance dans le parcours du protagoniste. Par exemple, le rouge peut être employé pour accentuer un personnage, un objet ou un décor particulier, indiquant subtilement son importance ou l'intensité émotionnelle de la scène. Dans Disintegration, par exemple, le nuage rouge au-dessus de la tête des protagonistes alors qu'il examine une publicité pour du whisky illustre le tumulte psychologique qu'il traverse.

Hockney intègre également des éléments surréalistes dans sa série, ce qui lui permet d'explorer et d'exprimer des états émotionnels et psychologiques complexes. Cette approche surréaliste lui donne la liberté de dépeindre les expériences intérieures de son protagoniste d'une manière plus viscérale et percutante, transcendant ainsi les limites de la représentation réaliste. L'imagerie surréaliste défie souvent la logique et l'interprétation conventionnelle, invitant les spectateurs à plonger dans une compréhension plus profonde et introspective du récit. Dans The Wallet Begins To Empty, un escalier est dépouillé de tout contexte, ne servant que de dispositif pour illustrer la descente du personnage dans le désespoir. Dans Cast Aside, un buste du protagoniste est littéralement donné à manger à une figure serpentine. Chaque personnage, qu'il s'agisse d'une représentation directe d'une personne réelle ou d'une figure plus archétypale, est porteur de couches d'interprétation, reflétant divers aspects de l'identité du protagoniste, de ses rôles sociaux et de ses états émotionnels. L'utilisation de figures déformées ou exagérées, de paysages oniriques et de scénarios improbables vise à transmettre les sentiments de désorientation, d'aliénation ou de libération que ressent le protagoniste. Ces éléments peuvent être considérés comme des métaphores du tourment intérieur, de la confusion et de l'illumination qui définissent le parcours du « débauché » moderne.

Les versions de A Rake’s Progress par Hogarth et Hockney sont remarquables pour la profondeur de leurs analyses des paysages culturels et sociétaux de leurs époques respectives. Séparées par des siècles, ces œuvres reflètent les valeurs, les préoccupations et les dynamiques sociales dans lesquelles elles ont été créées. Dans les années 1730, celle de Hogarth offrait un portrait saisissant de la société anglaise du XVIIIe siècle, une période marquée par l'essor de la classe moyenne, l'urbanisation croissante et les premiers frémissements de la Révolution industrielle. Sa série reflète les valeurs et les aspirations de cette bourgeoisie naissante, servant de leçon morale sur les dangers de l'extravagance et du vice. Ce ton moralisateur est une critique de l'aristocratie, le parcours de Rakewell, fait de richesse, d'indulgence puis de déchéance, symbolisant la perçue décadence morale des classes supérieures. De plus, la croissance rapide des villes comme Londres, apportant un mélange d'opportunités et de vices, est dépeinte à travers les dynamiques sociales complexes de la vie urbaine.

Faisons un bond en avant dans les années 1960, lorsque Hockney la réinterprète pour refléter l'air du temps, traduisant les profonds bouleversements culturels du XXe siècle. La version de Hockney se concentre sur la liberté personnelle et l'identité, reflétant notamment ses expériences en tant qu'homme gay. L'accent mis à cette époque sur l'individualisme, l'expression de soi et l'exploration identitaire contraste fortement avec le ton moralisateur de Hogarth. La série fait également écho aux changements sociaux majeurs des années 1960, notamment le mouvement des droits civiques, la révolution sexuelle et les remises en question des normes sociétales traditionnelles. Hockney explore aussi les thèmes du déplacement et de l'altérité, ayant quitté l'Angleterre pour la première fois, dépeignant l'isolement qu'un tel déménagement entraîne souvent.

Les séries de Hogarth et de Hockney servent toutes deux de baromètres culturels : alors que l'œuvre de Hogarth est une fenêtre sur le tissu moral, social et économique de l'Angleterre du XVIIIe siècle, la version de Hockney reflète les révolutions culturelles du XXe siècle. Ces séries, bien que centrées sur un seul protagoniste, englobent les récits plus larges de leurs époques, offrant des aperçus intemporels de la condition humaine telle que façonnée par les forces culturelles et sociétales de chaque ère. Pour Hockney, cette série fut une toile pour défier les normes artistiques traditionnelles et engager un dialogue avec le passé, tout en reflétant profondément sa propre place dans le paysage culturel et social en pleine évolution de notre temps.